Fator RH

Bamboo House of Dolls (1976)

2007-12-30T22:58:00.000-03:00

Sobrevivência no limite

Trash W.I.P. leva ao extremo, sadismo contra grupo de prisioneiras chinesas sob jugo do Exército Japonês

A filosofia violenta do Cinema Chinês produzido na primeira metade dos anos 1970, versava sobre parâmetros que acabaram por sedimentar um estilo próprio só compreendido inteiramente mais de duas décadas depois e corretamente avalizado por cineastas como Quentin Tarantino e Ridley Scott. Antes, filmes como este Bamboo House of Dolls, tinham por único destino as salas poeira onde amealhavam parca bilheteria, embora paulatinamente ganhassem força ao status do “cult”.
Aqui, um campo de concentração destinado a prisioneiras das mais diversas raças é o cenário para que carrascos japoneses deitem e rolem, descarregando a fúria através de torturas e humilhações dos mais variados gêneros. Move o argumento a existência de um tesouro escondido nas montanhas cuja localização é revelada já no prólogo por um soldado moribundo à esposa que será transferida pelos algozes até a prisão. Graças ao aliado que a moça descobre estar infiltrado entre os comandantes do local, é possível traçar um plano de fuga levado à cabo em meio a frustrações, intrigas e chacinas .
Já que o intuito do diretor Chih-Hung Kwei era exatamente o de levar os espectadores mais sádicos à catarse através da combinação “nudez-sexo-violência”, Bamboo House of Dolls consegue realizar duplamente seu intuito: seqüências de maior impacto se tornam mais impressionante pela boa fotografia e o tom da inverossimilhança observado como regra para esse tipo de produção, ajuda a tornar o filme digerível, mesmo a quem conhece a obra do “sumo-sacerdote” do gênero, o espanhol Jess Franco.
A carga de violência gráfica exposta no filme só perde para o grau das humilhações impostas pela malta militarista às prisioneiras do campo. Por tal viés, a “arte” dos irmãos Shaw -responsáveis por outros exemplares do gênero- é uma celebração crudelíssima do que o Cinema de Hong-Kong preconizou numa época onde as Artes Marciais e os arremedos do Filme Policial norte-americano baseados em Dirty Harry só começavam a esboçar. Uma tendência regurgitada por realizadores inspirados nessa estética. Amoral, contundente e produzido com engenho para chocar, Bamboo House of Dolls mereceu o quinhão de repulsa ao qual fez jus. Jamais seria assimilado pela Crítica pretensiosa, das carpideiras de Kubrick ou Peckimpah.
Recuperado pela tecnologia do DVD e reproduzido em larga escala, pôde finalmente merecer a apreciação dos especialistas com a devida neutralidade.

Atenção!
A versão integral do filme, vetada em diversos países, inclui a polêmica seqüência da tortura com cacos de vidro.

Bamboo House of Dolls
Direção: Chih-Hung Kwei
Com: Birte Tove, Lieh Lo, Terry Liu
Duração: 104 min.
Meio: DVD
Distribuição: Shaw Brothers
Qualidade da Cópia Analisada: Excelente
Índice de Raridade: ****

Survival to the limit

W.I.P. Trash takes to the extreme, sadism against Chinese prisoners' group under the Japanese Army´s fist

The violent philosophy of the Chinese Cinema produced on the first half of the 1970 years, turned on parameters that came to sediment an own style only entirely understood more than two decades later, correctly endorsed by film directors as Quentin Tarantino and Ridley Scott. Before, films like this Bamboo House of Dolls, had for only destiny the grindhouses where they bargained scanty cash-boxes, although gradually winning force to the status of “cult”.
Here, a concentration camp destined to prisoners of the most several races is the set, so that Japanese torturers make all the fun, discharging their fury through tortures and humiliations from the most varied kinds. The argument moves toward the existence of a hidden treasure at the mountains, whose location is already revealed in the prologue by a dying soldier to his wife that will be transferred by the executioners until the prison. Thanks to the allied that the girl discovers being infiltrated among the commandants of the place, she is able to trace a mischievous escape plan to the end, amid frustrations, intrigues and slaughters.
Since director Chih-Hung Kwei's intention was exactly of taking the most sadistic spectators to the catharsis through the combination “nakedness-sex-violence”, Bamboo House of Dolls gets to accomplish its double intention: sequences of larger impact become more impressive for the good cinematography and the unlikelihood tone observed as rule for that kind of production, helps to turn it into a digestible movie, even for those who knows this gender of work´s high priest, the Spanish Jess Franco.
The load of graphic violence exposed on the movie, only loses for the degree of the humiliations imposed by the militarist scourge to the field of prisoners. For such inclination, the Shaw Brothers´s art -responsible for other samples of the gender- is a crude celebration of all the Hong-Kong Cinema extolled on a time where the Martial Arts and the North-American Policeman movies based on Dirty Harry only began to sketch. A tendency regurgitated by inspired moviemakers over these aesthetics. Amoral, contusing and produced with intelligence to shock, Bamboo House of Dolls deserved the repulse share it got. It would never be assimilated by the pretentious Critics, from the Kubrick or Peckimpah´s widows.
Recovered by the DVD technology and reproduced on a wider scale, it finally could deserve the specialists' appreciation with the proper neutrality.

Attention!
The integral filme version, cut on several countries, includes the controversy sequence of the torture with glass pieces.

Bamboo House of Dolls
Direction: Chih-Hung Kwei
With: Birte Tove, Lieh Lo, Terry Liu
Running Time: 104 min.
Media: DVD
Distribution: Shaw Brothers
Quality of the Analyzed Copy: Excellent
Rarity Index: ****

Kinski Paganini (1990)

2007-12-23T22:37:00.000-03:00

Convulsão de egos

Relato sobre vida do gênio Paganini caiu nas mãos de Klaus Kinski, para gáudio das biografias cinematográficas

Nicolló Paganini e Klaus Kinski, gênios distintos em épocas distintas, mereceriam por si, biografias no Cinema que lhes fizessem justiça tanto em relação à fidelidade dos fatos que marcaram existências atribuladas, quanto ao espectador ansioso por descortinar novos recantos das duas almas em questão. Crendo-se reencarnação do mestre italiano, Kinski foi longe em exacerbação e ousadia.
É por isso que Kinski Paganini levou esse título, fusão proposital de criador e criatura, numa época especialmente conturbada para a carreira do ator alemão. A idéia de transpor às telas a história de Paganini, vinha rondando Kinski já durante as filmagens do hermetíssimo Fitzcarraldo, delírio de Werner Herzog ao qual seu colaborador manifestara resistência. Ao contrário das biografias essencialmente cartesianas, de começo, meio e fim tal molde onde o realizador descreverá seu tema, a biografia do violinista obedece a um tom grandiloqüente, que não escapa ao preciosismo de seqüências inteiras à luz de velas -recurso já utilizado por Stanley Kubrick no épico Barry Lyndon- e à onipresença da trilha-sonora frenética, diante da qual os protagonistas refletem a ira do mestre.
Nada afeito a didatismos, Kinski põe a câmera para rodar em situações que muitas vezes denunciam o improviso e a espontaneidade do set: engana-se no entanto quem supõe estar-se na presença de mais um exercício experimental à semelhança dos “teatros-filmados”: Kinski Paganini ignora toda as convenções limítrofes ao habitual da sintaxe cinematográfica ocidental, numa curva parabólica que parece tocar os pólos do “Cinema Verité” de Jean-Luc Godard na sua fase anarquista.
Overdoses de nudez, sexo aos borbotões, cópulas dionisíacas fazem parte do banquete sensorial ofertado a um tipo de platéia que encontra-se muito além dos multiplexes destinados a bilheterias polpudas. Este Paganini amoral, vulgar, contraditório e extremamente passional, vai da corte à sarjeta sem a menor cerimônia, requintes de um espírito ao qual Kinski soube dar forma e destino, evitando concessões ao luxo de, por exemplo, o Amadeus de Milos Forman ou às operetas mais alucinantes de Ken Russell. Orgânico, tendo por base o existencialismo radical de escolas psicanalíticas da era junguiana, Kinski Paganini provou-se mais um fracasso na carreira do seu articulador, incompreendido em todas as reedições das quais foi digno merecedor.

Atenção!
As recorrentes falhas narrativas devem-se à mutilação do projeto original que ultrapassava três horas.

Kinski Paganini
Direção: Klaus Kinski
Com: Klaus Kinski, Deborah Caprioglio, Nikolai Kinski
Duração: 81 min.
Meio: VHS
Distribuição: Président Films
Qualidade da Cópia Analisada: Ruim
Índice de Raridade: ****

Convulsion of egos

Account about life of the Paganini genius fell in Klaus Kinski's hands, for the hail of cinebios

Nicolló Paganini and Klaus Kinski, different geniuses in different times, would deserve for themselves, biographies in Cinema that made them justice in relation to the fidelity of facts that marked afflicted existences, as concerning to the moviegoer eager for discovering new retreats of the two souls in question. Believing himself as the Italian master's reincarnation, Kinski went far away in exacerbation and daring.
For this reason, Kinski Paganini took that title, deliberate coalition betwenn creator and creature, on a time especially disturbed for the German actor's career. The idea of transposing to the screens Paganini´s history, came already rounding Kinski during the shooting of the hermetical Fitzcarraldo, a Werner Herzog delirium, which his collaborator had manifested resistance. Unlike biographies essentially cartesian, of beginning, half and end, where the director would make will describe his theme, the violinist's biography obeys a grandiloquent tone, which doesn't escape to the preciosity of whole candlelit sequences –a resource already used by Stanley Kubrick on the epic Barry Lyndon- and the omnipresence of the frenzied soundtrack, before the protagonist reflects the master's anger.
Nor a little ready to teachings, Kinski puts the camera to shot in situations that a lot of times denounce the surprise and the spontaneity of the set: somebody can make a mistake, however, supposing to be in the presence of one experimental exercise to the likeness of those “filmed-plays”: Kinski Paganini ignores all the bordering conventions to the habitual of the Western cinematographic syntax, by a parabolic curve that seems to touch the poles of Jean-Luc Godard's “Cinema Verité” on its anarchist phase.
Nakedness overdoses, boiling sex, dionisic sexual intercourses are part of the sensorial banquet presented to a kind of audience that is far away from the multiplexes destined to overloaded cash-boxes. This Paganini amoral, vulgar, contradictory and extremely passionate, goes from the courts to the drains without the smallest ceremony, refinements of a spirit to which Kinski knew how to give form and destiny, avoiding concessions to the luxury of, for instance, Milos Forman's Amadeus or the Ken Russell's most hallucinating operettas. Organic, having as basis the radical existentialism of psychoanalictics schools from the Jung era, Kinski Paganini has proved itself like one more flop on the career of its articulador, misunderstood in all the reeditions from which it was a true deserver.

Attention!
The appealing narrative flaws are due to the mutilation of the original project that surpassed three hours.

Kinski Paganini
Direction: Klaus Kinski
With: Klaus Kinski, Deborah Caprioglio, Nikolai Kinski
Running Time: 81 min.
Media: VHS
Distribution: Président Films
Quality of the Analyzed Copy: Bad

Rarity Index: ****

Lawn Dogs (1997)

2007-12-16T22:48:00.000-03:00

Muito além das máscaras

Crônica de costumes devassa mundo paranóico dos condomínios fechados, pela ótica da amizade

Na antologia das fitas que dissecam a complexidade do afeto entre “crianças” e adultos, território propício a julgamentos precipitados e equívocos de ordem moralista, o Cinema sempre foi das artes mais fiéis. Lawn Dogs, pérola desconhecida que passou longe da repercussão de um Beleza Americana, embora situada na mesma esfera narrativa que o hit de Sam Mendes, teve o mérito de conseguir superar seus similares por aprofundar-se no conflito que motiva a trama.
Ao chegar em um paradisíaco subúrbio americano do Kentucky, a menina Devon Stockard (Mischa Barton) exercita a imaginação, criando histórias a respeito de um novo mundo além dos muros que delimitam a propriedade; quando encontra o jardineiro do lugar, espécie de “outsider” visto com maus olhos pelos moradores, firma-se uma amizade inspirada, levando os dois amigos a desenvolverem uma história própria, curtida a cada encontro na floresta vizinha onde Trent (Sam Rockwell, magnífico na pele do problemático Trent) reside num trailer.
Elementos de valorização do elo, como as cicatrizes que Trent e Devon carregam -ela pelo implante de uma válvula cardiovascular, ele por conseqüência de um tiro sofrido na adolescência- contribuem para o fortalecimento da relação, mais tarde contestada pelos pais da menina, vizinhança e dois playboys determinados a perturbar a vida do rapaz. John Duigan dirigiu Lawn Dogs atendo-se à perfeita construção psicológica dos personagens centrais, no que uma exuberante cenografia de descampados verdes, horizontes claros e a ordem aparente do bairro onde se passa grande parte da ação, funciona para intensificar a jornada de Devon e Trent.
Nesse mundo distorcido, limitado pelas aparências de famílias pretensamente “felizes”, a atitude inconformista do jardineiro, de início contida pela solidão e pelos casos fortuitos com moçoilas abastadas, explode ao entrar em contato com o combustível emocional da garotinha. Eles tramam uma conspiração particular, cujo motor da cumplicidade impele os acontecimentos dali por diante, ao escândalo e ao agravamento incondicional. Já a paixão que Devon nutre pelo pretenso “namorado” jamais atinge a consumação, limites impostos por Trent desde o instante em que dormem sob o mesmo teto. É nesse aspecto que Lawn Dogs se destaca, ao sublimar o físico, em detrimento do simples jogo mental responsável por todo o encanto deste belo exemplar.

Atenção!
Considerado difícil e obscuro, Lawn Dogs seria cultuado na sua versão em DVD e apenas nos Estados Unidos.

Lawn Dogs
Direção: John Duigan
Com: Sam Rockwell, Mischa Barton, Kathleen Quinlan
Duração: 101 min.
Meio: DVD
Distribuição: The Rank Organisation
Qualidade da Cópia Analisada: Boa
Índice de Raridade: **

Far beyond the masks

Chronicle of habits dissolutes the paranoid world of closed condominiums, by the friendship point-of-view

At the anthology of flicks that dissect the complexity on the affection between “children” and adults, a favorable territory to advanced judgements and misleadings of moralist order, Cinema was always one of the most faithful arts. Lawn Dogs, an ignored pearl which passed far away from the repercussion of American Beauty, although settled on the same narrative sphere than Sam Mendes's hit, had the merit of getting to overcome its similar ones, for deepening into the conflict that motivates the plot.
When arriving in a paradisiacal American suburb from Kentucky, the girl Devon Stockard (Mischa Barton) exercises her imagination creating histories regarding a new world besides the walls that delimit the property; when she meets the gardener of the place, a kind of “outsider” looked under bad eyes by the residents, an inspired friendship is firmed, taking the two friends to develop their own history, enjoyed at each encounter in the neighboring forest where Trent (Sam Rockwell, magnificent on the skin of the troubled Trent) lives in a trailer.
Valorization elements of the link, like the scars that Trent and Devon carry -hers for the implant of a cardiovascular valve, his by consequence of a shot tried in his adolescent times- contribute for the relationship invigoration, later objecteded by the girl's parents, the neighborhood and two playboys determined to disturb the man's life. John Duigan directed Lawn Dogs tuned to the central characters' perfect psychological construction, on what the exuberant sets of green deserts, clear horizons and the apparent order from the neighborhood where happens a great part of the action, work to intensify Devon and Trent´s journey.
On that distorted world, limited for the appearances by families supposedly “happy”, the gardener's inconformist attitude, at the beginning contained by his solitude and the fortuitous cases with wealthy maidens, explodes when entering in contact with the girl's emotional fuel. They scheme a private conspiracy, whose motor of complicity impels the events from then on, to the scandal and the unconditional worsening. The passion that Devon regards for the assumed “boyfriend” never reaches its consummation, a limit imposed by Trent from the instant when both sleep under the same roof. It´s for this aspect that Lawn Dogs stands out, when exalting the physicist, in detriment of the simple mental game responsible for the whole charm of this beautiful sample.

Attention!
Considered difficult and obscure, Lawn Dogs was worshipped on its DVD version, only in the United States.

Lawn Dogs
Direction: John Duigan
With: Sam Rockwell, Mischa Barton, Kathleen Quinlan
Running Time: 101 min.
Media: DVD
Distribution: The Rank Organisation
Quality of The Analyzed Copy: Good

Rarity Index: **

Lenny (1974)

2007-12-09T22:09:00.000-03:00

Tristeza sob a máscara do riso

Biografia de um dos mais controversos comediantes norte-americanos é gema esquecida na obra de Bob Fosse

No auge da carreira como o performancer extraordinário que é, Dustin Hoffman aceitou interpretar o melhor personagem de sua carreira, muito embora Lenny dificilmente possa ser associado a uma simples vitrine para o talento do seu protagonista.
Bob Fosse já vinha do hit Cabaret, que o celebrizara como exímio observador do showbiz, da vida noturna e suas nuances perceptíveis a quem conviveu com uma imensa galeria de figuras marcadas por idiossincrasias normalmente ignoradas por quem não freqüenta aquele meio. Para transpor à tela a existência fugaz de um gênio da chamada “stand-up comedy” -gênero no qual o humorista conta apenas com microfone e palco para falar à platéias reduzidas- o realizador agiu como defensor do Cinema anti-comercial, negando-se a prostituir-se em meio às facilidades do sistema hollywoodiano. Em primeiro lugar, Lenny foi fotografado no mais underground preto-e-branco, ou seja, mandando às favas o oportunismo típico da época, numa atitude que surpreenderia até mesmo aos seus detratores. Da mesma forma, a fita jamais perpassa o tom de “overrating” muitas vezes imposto a obras meramente louvatórias, colocando-se como pioneira dos relatos fidedignos às falhas morais do mito abordado, como se pôde ver, por exemplo, no Raging Bull de Martin Scorsese.
Biograficamente perfeito, o filme narra a vida de Lenny Bruce desde os primórdios, quando tentava a sorte em muquifos esfumaçados nas cercanias de Miami. A escalada do artista, que inclui o envolvimento com mulheres de comportamento duvidoso e consumo de drogas, não transforma a obra, contudo, em pretexto para Fosse apelar ao lastro do melodrama: até a morte por overdose em 1966, Lenny ganha um contorno psicológico de minuciosa construção, a qual a fabulosa interpretação da musa Valerie Perrine só enriquece de forma extraordinária.
Hoffman, egresso da aparição luminosa em Papillon, encontra a caracterização ideal para exorcisar os demônios do caráter verdadeiro de Bruce ao dirigir-se a seu público, geralmente a elite norte-americana “habituée” daquele tipo de espetáculo. Ao microfone, confessa retalhos da existência atormentada, segredo para a ascensão na carreira que não chega a se consumar de todo. Lento, denso e paradoxalmente sério, como contradição ao estilo do comediante, o filme ganhou um culto modesto de quem avalia o Cinema por seus méritos exclusivamente narrativos.

Atenção!
Parte do estilo de Bruce no palco, o vocabulário pesado foi responsável pela proibição do filme em alguns países.

Lenny
Direção: Bob Fosse
Com: Dustin Hoffman, Valerie Perrine, Jan Miner
Duração: 111 min.
Meio: DVD
Distribuição: United Artists
Qualidade da Cópia Analisada: *****
Índice de Raridade: *

Sadness under the mask of laughter

Biography of one of the most controversial North American comedians is a forgotten gem in the Bob Fosse´s work

At the peak of his career like the extraordinary performancer that he is, Dustin Hoffman accepted to play the best character of his career, though Lenny hardly could be associated to a simple showroom for the protagonist's talent.
Bob Fosse had already come from the hit Cabaret, that had rendered him celebrity like an eminent showbiz observer, of the night life and its perceptible nuances only for those who lived next to a huge gallery of figures usually marked by idiosyncrasies unknown for all who doesn't frequent that ambient. To transpose to the screen the fleeting existence of a genius of the so called “stand-up comedy” -a gender in which the humorist just counts with microphone and stage to speak to small audiences- the moviemaker acted like a defender of the anti-commercial Cinema, refusing to prostitute himself amid the means of the hollywoodian system. In first place, Lenny was photographed on the most underground documental style, in other words, sending to hell the typical opportunism from those times, in an attitude that would surprise even his detractors. By the same way, the flick never perpass the “overrating” tone a lot of times imposed to works merely self-indulgent, being placed like pioneer of the trustworthy reports to the moral flaws of the approached myth, as anyone could see, for instance, in Martin Scorsese´s Raging Bull.
Biographically perfect, the movie narrates Lenny Bruce's life from its origins, when he tried the luck in dumps filled with smoke at the Miami outskirts. The artist's escalade, including his involvement with women of doubtful behavior and drug consume, doesn't transform the work, however, on a excuse to Fosse appeal to the melodrama ballast: until Lenny´s death for overdose in 1966, he wins a psychological contour of meticulous construction, which the fabulous playing of muse Valerie Perrine only enriches by an extraordinary way.
Hoffman, recently out from the luminous appearance in Papillon, finds the ideal characterization to exorcising the demons of the true Bruce character when talking to his public, usually the North American elite, an “habituée” for that kind of show. Before the microphone, he admits pieces of a tormented existence, the secret for a career ascension that he can´t fully consumate. Slow, dense and paradoxically serious, like a contradiction to the comedian's style, the movie won a modest cult of from all those who evaluates Cinema exclusively for its narrative reasons.

Attention!
Part of Bruce's style on stage, the heavy vocabulary was responsible for the movie prohibition in some countries.

Lenny
Direction: Bob Fosse
With: Dustin Hoffman, Valerie Perrine, Jan Miner
Running Time: 111 min.
Media: DVD
Distribution: United Artists
Quality of the Analyzed Copy: *****

Rarity Index: *

Trip With The Teacher (1975)

2007-12-02T11:08:00.000-03:00

Aula de hoje: violência

Thriller combina freaks e mocinhas perdidas no deserto, com atuação magistral de Zalman King

A tradição norte-americana dos road-movies, cheia de maníacos de beira de estrada e viagens aterrorizantes, sempre garantiu bilheterias polpudas e boa repercussão para quem se aventurasse no gênero. O caso de Trip With The Teacher, é, contudo, mais interessante: espécie bizarra de “cinema de autor”, já que entregue à iniciativa solitária do desconhecido Earl Barton, o filme conta com a participação muito especial do futuro produtor, diretor e roteirista Zalman King, lembrado na década de 1970 por hits como Nove Semanas e Meia de Amor (1986) e Orquídea Selvagem (1990).
King interpreta Al, um transviado obcecado por sexo. Junto ao irmão, dá com uma excursão escolar formada por pequena turma de universitárias conduzidas a pesquisa de campo no deserto californiano. Eles já haviam encontrado um motoqueiro bonzinho, que ignora as intenções da dupla antes do ônibus quebrar no meio do nada, levando o grupo a uma cabana afastada onde os vilões farão a festa.
O orçamento modestíssimo de Trip With The Teacher deve ter forçado Earl Barton a economizar em recursos cenográficos e efeitos visuais que poderiam ter tornado a fita mais interessante: armas de fogo -uma constante desse tipo de roteiro- são substituídas por um canivetinho de mola e porretes improvisados. Nem por isso o ritmo cai ou o filme atenua o grau de tensão patente desde as primeiras seqüências: embora aplicados para fins de “Sexploitation”, elementos como sexo e nudez são utilizados com parcimônia, deixando-se o argumento da tensão tomar corpo até os minutos finais.
Com seu tipo atormentado, de psicótico elevado à última potência, Zalman King chama para si um atributo ao qual ficam devendo grandes atores que tentaram protagonizar enredos semelhantes. Escapa ao caricatural e convence ao espectador mais exigente, enfastiado por dezenas de malucos sanguinários que nem de longe arranham-lhe o nível atingido no trabalho.
Por ser herdeiro de tantas referências do passado, Trip With The Teacher funciona bem entre os personagens restantes, dispensando o apelo de um maniqueísmo que teria sido explorado à exaustão por algum outro realizador mais oportunista. Este campeão de drive-ins e cinemas-poeira nos States, exibido nas lendárias “sessões duplas”, não trouxe nenhuma novidade ao gênero, mas pode ser visto como digna representação de uma proposta tantas vezes discriminada pela “crítica institucionalizada”.

Atenção!
Fontes esparsas asseguram que o filme teria sido rodado com orçamento de míseros US$ 11.000,00.

Trip With The Teacher
Direção: Earl Barton
Com: Brenda Fogarty, Zalman King, Robert Porter
Duração: 91 min.
Meio: DVD
Distribuição: United Filmmakers Organization (UFO)
Qualidade da Cópia Analisada: Razoável
Índice de Raridade: ***

Today´s class: violence

Thriller combines freaks and lost girls in the desert, with a magisterial Zalman King performance

The North American tradition of road-movies, full of maniacs and panicky trips, always guaranteed good cash boxes and good repercussion for all those who ventured in the gender. The case of Trip With The Teacher, is, however, more interesting: a bizarre kind of “author movie”, since given to the unknown Earl Barton´s solitary initiative, the film deals with the very special participation of the future producer, director and screenwriter Zalman King, reminded in the decade of the 1970´s by hits like 9 1/2 Weeks and Wild Orchid (1990).
King plays Al, a maniac obsessed by sex. Close to his brother, he meets a school trip formed by a small group of college students on a field research at the Californian desert. They had already found a good biker that ignores the couple's intentions before the bus breaks in the middle of nowhere, taking the group to a distant cabin where the bad guys will make the party.
The modest budget of Trip With The Teacher must have forced Earl Barton to save scenographic resources and visual effects that could have made the flick most interesting: fire guns -a constant of this kind of script- were substituted by a spring knife and improvised clubs. It doesn´t make the rhythm slowing down or the movie decreasing the tension degreee from the first sequences: although applied for the “Sexploitation” ends, elements like sex and nakedness are used with parsimony, being left the argument of the tension to take the final minutes.
With his tormented persona, of a psychotic at the last stage, Zalman King calls for himself an attribute to which even great actors were not able to play on similar plots. He escapes to the caricatural and convinces the most demanding moviegoer, bored by dozens of crazy sanguinary guys that nor from a distance scratch him the level reached by the performance.
For being heir of so many references from the past, Trip With The Teacher works well among the remaining characters, sparing the manicheistic appeal that would have been explored to the end by some other more opportunist director. This drive-in and grindhouse champion at the States, played on the legendary “double features” didn't bring any innovation to the gender, but can be seen like a genuine representative of a proposal so many times discriminated by the “institutionalized critic”.

Attention!
Scattered sources assures that the movie was shot with budget of a poor US$ 11.000,00 amount.

Trip With The Teacher
Direction: Earl Barton
With: Brenda Fogarty, Zalman King, Robert Porter
Running Time: 91 min.
Media: DVD
Distribution: United Filmmakers Organization (UFO)
Quality of the Analyzed Copy: Reasonable
Rarity Index: ***

Brides of Blood (1968)

2007-11-25T22:44:00.000-03:00

Mutações na selva asiática

Cinema Filipino surpreendeu com Trash inspirado em clássico "monster movie"

Quando a primeira versão para o romance A Ilha do Dr. Moreau chegou às telas em 1932, todo um manancial de possibilidades narrativas começou a ser descoberto graças ao oportunismo de realizadores mundo afora, entusiasmados pela chance de lucrar ou favorecidos pelo binômio “orçamento reduzido/exotismo silvícola”. Brides of Blood, rodado nas Filipinas a quatro mãos pelos maganões Gerardo de Leon/Eddie Romero, pode ser considerada a mais bizarra amostra do gênero, uma deliciosa combinação criativa de sustos e momentos inusitados, cuja coesão corresponde plenamente às pretensões do roteiro.
Ele conta a história de uma expedição formada pelo cientista Paul Henderson, sua mulher Carla (a bombshell Beverly Powers, aqui com o pseudônimo “Beverly Hills”) e o assistente Jim Farrell (John Ashley) que chega a uma ilha remota da Ásia assolada por testes nucleares durante a II Guerra Mundial. Lá encontra-se uma civilização primitiva adepta de sacrifícios humanos sorteados para entrega a uma espécie de besta-fera disforme. A sanha do monstrengo inclui violência sexual e desmembramento das “oferendas”. Hospedado pelo manda-chuva do local, o grupo descobre-se aprisionado na ilha onde os acontecimentos vão tornando-se cada vez mais trágicos: enquanto Carla tenta seduzir o dono da mansarda nos seus domínios, Farrell e Henderson rebelam-se contra a barbárie, investigando por conta própria os segredos da ilha.
Brides of Blood compensa os lapsos cronológicos e a inverossimilhança -não é difícil descobrir a identidade do mutante logo nos momentos iniciais- pela ação acelerada, onde os elementos clássicos do Trash ficam patentes: a maquiagem da criatura (The Evil One) supera as expectativas e a caracterização do vilanesco Esteban Powers (Mario Montenegro) provoca a carga de tensão desejada ao espectador.
Menção especial merece o arsenal de efeitos preparados com inteligência pela produção, entre os quais galhos de árvores tentaculares e a transformação de Powers em The Evil One. Antes da inevitável perseguição mata adentro, o filme oferece seqüências antológicas de suspense, como as inusitadas intervenções do lacaio Goro assessorado por um séquito de anões medrosos. Por essas e outras artimanhas, a essência “cult” de Brides of Blood só valorizou-se com o tempo, tornando o filme uma grata surpresa para os pesquisadores. Indispensável.

Atenção!
Beverly Powers, que começou a carreira como stripper, ingressou na Política, tornando-se Ministra no Havaí

Brides of Blood
Direção: Gerardo de Leon e Eddie Romero
Com: Kent Taylor, Beverly Hills, John Ashley
Duração: 92 min.
Meio: DVD
Distribuição: Hemisphere
Qualidade da Cópia Analisada: Ruim
Índice de Raridade: ***

Mutations at the asian jungle

Philipinian Cinema surprised with Trash inspired by a classic "monster movie"

When the first version for the novel The Island of Dr. Moreau came to the screens in 1932, all a gathering of narrative possibilities began to be discovered thanks to the oportunism of directors worldwide, motivated by the chances to profit, favored by the binomium “low budget/forest exotism”. Brides of Blood, four-handed shot at the Phillipines by the adventurers Gerardo de Leon/Eddie Romero, can be considered the most bizarre work on the genre, a delicious creative combination of frights and unexpected moments, which cohesion corresponds plainly to the script purposes.
It tells the tale of an expedition formed by the scientist Paul Henderson, his wife Carla (bombshell Beverly Powers, here with the nick “Beverly Hills”) and the assistant Jim Farrell (John Ashley) that arrives to a distant Asian island shattered by nuclear tests during the II World War. There´s a primitive civilization, bearer of human sacrifices delivered to an horrendous beast. The monster´s thirst includes sexual violence and dismembering of his “offerings”. Hosted by the local mandatary, the group finds itself locked at the island, where the events come more and more tragic: while Carla tries to seduce the estates owner on his own lair, Farrell and Henderson rebel against the barbarian, searching by their means the secrets of the island.
Brides of Blood compensates the chronological lapses and unlikelinesses -it´s not hard to discover the mutant´s identity right at the initial moments- with fast action, where the classical Trash elements become clear: the creatures mask (The Evil One) goes beyond expectations and the villanious Esteban Powers (Mario Montenegro)´s playing provokes the desired charge of tension to the moviegoer.
A special mention deserves the arsenal of effects prepared with intelligence by the crew, among them the trees´ tentacular branches and Powers transformation into The Evil One. Before the unevitable persecution inside the forest, the movie offers anthological thriller chasings, like the unexpected interventions of slave Goro helped by a group of frightened dwarfs. For these tricks and others, the “cult” essence of Brides of Blood was more valued with time, turning the flick a good surprise for all the researchers. Essential.

Attention!
Beverly Powers, who began career as a stripper, entered Polictics, becoming a Minister in Hawaii

Brides of Blood
Direction: Gerardo de Leon e Eddie Romero
With: Kent Taylor, Beverly Hills, John Ashley
Running Time: 92 min.
Media: DVD
Distribution: Hemisphere
Quality of the Analyzed Copy: Bad

Rarity Index: ***

Magdalena-Possessed By The Devil (1974)

2007-11-18T20:18:00.001-03:00

Entre o céu e o inferno

Bomba satanista deu ao Trash alemão seu mais obtuso exemplar, no rastro do Exorcista de Friedkin

Fenômeno de bilheteria nos 1970 só comparável ao modismo de filmes-catástrofe deflagrado à mesma época, a obra-prima O Exorcista gerou aberrações de toda ordem na Europa, como se o Velho Mundo desejasse compensar a desfeita de ter perdido o lugar de pioneiro nas invenções da Sétima Arte.
Embora menos profícua que a Itália, a Alemanha entra no rol dos “indignos imitadores” graças a esta ridícula macaqueada vendida no mesmo lote que os péssimos carcamanos O Anticristo e Malabimba. Único fator que torna Magdalena-Possessed By The Devil mais interessante, é o artifício de seu personagem central não limitar-se a soltar vômito verde num quarto gelado, perambulando o tempo todo por locações as mais variadas. O filme narra o drama da órfã residente num educandário para moças, subitamente acometida por uma seqüência de ataques estranhos, quando profere obscenidades, estrebucha ao solo e quase que invariavelmente fica pelada, para gáudio do espectador fã do Sexploitation Europeu. Acorrem-lhe diversos “especialistas” das mais variadas correntes, que, ora seduzidos pela moça, ora intrigados para dissolver o mistério, envolvem-se numa violenta espiral satanista de conseqüências sombrias.
Interessado em explorar ao máximo os aspectos mais violentos da possessão, o diretor Walter Boos (aqui cognominado Michael Walter) surpreende, ao não ceder à tentação do gore fácil: Magdalena pelo menos também não é lento nem discursivo, como os correspondentes italianos. Suas pontas soltas, resultado de uma montagem desordenada, dão entretanto motivos para que logo perceba-se o nível do engodo. Sob o ponto de vista do roteiro, a incogruência parte da seqüência de abertura, quando o avô de Magdalena aparece crucificado numa porta. Embora a ligação do caso à garota indique uma trama policialesca de maior complexidade, o filme não demora a perder-se numa infinidade de falhas de continuidade, erros de elipse, entre outras distorções.
Dagmar Hedrich -que interpreta o personagem central- ainda se esforça para salvar o barco, interpretando suas cenas com certo empenho, mas pouco adianta tentar. Inverossímil, cravejado de furos e incongruências imperdoáveis, Magdalena-Possessed By The Devil desemboca na mais frustrante experiência. Sem rumo, com um final absurdamente desconexo, a fita sequer pôde beneficiar-se da condescendência reservada aos cults mais obscuros. Uma lástima...

Atenção!
A caracterização de Dagmar Hedrich chegou a ser considerada ofensiva, o que motivou cortes à obra em diversos países.

Magdalena-Possessed By The Devil
Direção: Michael Walter (Walter Boos)
Com: Dagmar Hedrich, Werner Bruhns, Michael Hinz
Duração: 84 min.
Meio: DVD
Distribuição: Constantin Film Produktion
Qualidade da Cópia Analisada: Razoável
Índice de Raridade: ***

Between heaven and hell

Bomb satanista gave to German Trash your more obtuse copy, in the trace of the Exorcist of Friedkin

A cash box phenomenon in the 70´s, only comparable to the disaster-movies hype deflagrated at the same time, the masterpiece The Exorcist generated aberrations of every order in Europe, as if the Old World wanted to compensate the affront of having lost a pioneer's place on the Seventh Art advents.
Although less produtive than Italy, Germany enters the “unworthy impersonators” list thanks to this ridiculous copy sold on the same lot that the terrible italians Antichrist and Malabimba. The only factor that turns Magdalena-Possessed By The Devil more interesting, is its central character's artifice not to limit himself to throw up green vomit in a frozen room, wandering the whole time around the most varied places. The film tells the drama of a resident in a school for girls, all of a sudden assorted by a sequence of strange attacks, when she utters obscenities, contorts to the soil and almost invariably is naked, for the satisfaction of the European Sexploitation´s spectator fan. Several specialists from the most varied areas come to her, sometimes seduced by the girl, other bestirred to solve the mystery, they wrap up in a violent satanist spiral of gloomy consequences.
Interested in exploring to the maximum the most violent aspects of the possession, director Walter Boos (here cognominated Michael Walter) surprises, when resisting to the temptation of the easy gore: Magdalena, at least, is not also slow nor discursive as the Italian correspondents. Its loose endings, result of a disordered edition, give however reasons so, that soon it´s noticed the level of the allure. Under the point of view of the screenplay, the disconnection comes from the opening sequence, when Magdalena´s grandfather appears crucified on a door. Although the connection of the case to the girl indicates a police plot of larger complexity, the movie doesn´t get long being lost in an infinity of continuity flaws, ellipse mistakes, among other distortions.
Dagmar Hedrich -who interprets the main character- still makes an effort to save the ship, playing her scenes with certain pledge, but little advances to try. Unlikely, full of holes and unforgivable incongruities, Magdalena-Possessed By The Devil ends at the most frustrating experience. Without direction, an absurd end, the flick could at least benefit from the condescension reserved to the most obscure cults. A pity...

Attention!
Dagmar Hedrich's characterization came to be considered offensive, what motivated cuts to the work in several countries.

Magdalena-Possessed By The Devil
Direction: Michael Walter (Walter Boos)
With: Dagmar Hedrich, Werner Bruhns, Michael Hinz
Running Time: 84 min.
Media: DVD
Distribution: Constantin Film Produktion
Quality of the Analyzed Copy: Reasonable

Rarity Index: ***

Queen of Outer Space (1958)

2007-11-11T12:49:00.000-03:00

Perdidos no paraíso

Auge da Ficção-Científica B ganha brilho especial graças à participação da deusa húngara Zsa Zsa Gabor

Os parâmetros que fazem necessariamente um Filme-B (elementos cenográficos de segunda, direção amadora, atores “over”) foram exacerbados à última escala neste bizarro exemplar norte-americano de 1958, hoje clássico do gênero ainda não tocado pela celebração sensacionalista da Indústria do Entretenimento responsável pela vulgarizaçao de gemas como O Planeta Proibido.
Queen of Outer Space começa pela inevitável missão a uma estação espacial nos confins da galáxia, onde equipe de três astronautas assiste à pulverização do seu destino, sendo forçada a pousar em Vênus. Ao explorar o planeta, o grupo descobre estar cercado por uma população de gostosas atraídas pelos “invasores” que o leva à presença da maligna Rainha Iliana, tirana mascarada, cujo objetivo é destruir a Terra através de um raio nuclear disparado de uma estação bélica localizada em seu QG. Não demora a surgir o obrigatório movimento de resistência liderado pela intrépida Tolleia, louraça interpretada pelo mito húngaro Zsa Zsa Gabor, aqui no auge do seu esplendor. Tolleia apaixona-se por um dos intrusos e trama a derrota da Rainha Iliana contando com a ajuda de companheiras rebeldes atraídas pelo grupo terráqueo.
Show de inverossimilhança para o qual colaboram locações fake de péssima categoria -vegetação artificial, pinturas-matte toscas e figurinos de concursos de beleza interioranos- a fita reúne todos os elementos do Trash mais deslavado, ainda perpassando o humor picareta de sitcoms tipo I Love Lucy.
Das seqüências mais extravagantes, não se pode esquecer o momento em que o herói vivido por Eric Fleming descobre o verdadeiro rosto da Rainha Iliana, revelando uma grotesca aberração sob o disfarce. A este momento, juntam-se o já obrigatório ataque de um besouro gigante ao grupo da resistência numa caverna e o dispositivo nuclear (casamata de papelão colorido) encarregado de disparar raios destruidores sobre a Terra. Principal atrativo do filme, La Gabor faz o possível para imprimir o elemento da dramaticidade à trama, esforço dissipado pela inépcia do péssimo Edward Bernds na direção. Como convém à Ficção-Científica da época, sobrevive a antiquada “moral da história anti-belicista”, com suas mulheres domesticadas para consumo: seres frágeis e adoravelmente românticos, senhoras do planeta “lar” embaladas com lamê e papel celofane. Deliciosa antítese aos desdobramentos pós-women´s lib.

Atenção!
Queen of Outer Space canibalizou cenários e objetos usados em Flight To Mars, Planeta Proibido e World Without End.

Queen of Outer Space
Direção: Edward Bernds
Com: Zsa Zsa Gabor, Eric Fleming, Dave Willock
Duração: 80 min.
Meio: DVD
Distribuição: Allied Artists
Qualidade da Cópia Analisada: Razoável
Índice de Raridade: **

Lost in paradise

Sciend-Fiction B´s peak wins special shine thanks to the Hungarian goddess Zsa Zsa Gabor role

The parameters that necessarily make a B-Movie (second-hand set components, amateur direction, over-acting) were exacerbated to the last scale on this bizarre North American 1958 sample, a classic from the gender, still not touched by the hyped celebration of the Entertainment Industry responsible for gems of this kind like the Forbidden Planet banalization.
Queen of Outer Space begins with the inevitable mission to a space station in the boundaries of the galaxy, where a team of three astronauts attends the obliteration of their destiny, being forced to land at Venus. When exploring the planet, the group find itself enclosed by a population of pleasant beuties atraídas for the “invaders” which take them to the presence of the evil Queen Iliana, a masked tyrant, whose objective is to destroy the Earth through a nuclear ray discharged from a warlike station located at their headquarters. It doesn't delay to the obligatory resistance movement to appear, led by the intrepid Tolleia, a super-blonde playerd by the Hungarian myth Zsa Zsa Gabor, then on the peak of her splendor. Tolleia falls in love with one of the intruders and schemes Queen Iliana's defeat counting with the rebellious companions help attracted by the earthlings group.
A show of unlikelihood for which collaborate fake sets from terrible category –artificial plants, rough matte-painting and costumes from country beauty contests- the flick gathers all the elements from the most declared Trash, still perpassing the cunning humor of sitcoms like I Love Lucy.
From the most extravagant sequences, no one can forget the moment in which the hero lived by Eric Fleming discovers Queen Iliana's true face, revealing a grotesque aberration under the disguise. To this moment, already join the obligatory attack of a gigantic beetle to the resistance group inside a cave and the nuclear device (a casemate of colored cardboard) with the task of discharging destructive rays towards Earth. Main movie attraction, La Gabor makes al the effort to put the drama element to the plot, an effort dissipated by the terrible Edward Bernds incapacity on the direction. As it concerns to the Science-Fiction from those times, the dated “anti-belicist moral” with its women domesticated for consumption: fragile beings, adorable romantic, ladies from the “planet house” wrapped with lamé and coloured plastic. A delicious antithesis to the unfoldings after women´s lib.

Attention!
Queen of Outer Space cannibalized sets and objects used in Flight To Mars, Forbidden Planet and World Without End.

Queen of Outer Space
Direction: Edward Bernds
With: Zsa Zsa Gabor, Eric Fleming, Dave Willock
Running Time: 80 min.
Media: DVD
Distribution: Allied Artists
Quality of the Analyzed Copy: Reasonable
Rarity Index: **

Black Moon (1975)

2007-11-04T00:50:00.000-03:00

Nonsense à luz do intelecto

Fábula anarquista de Louis Malle sintetizou trauma da guerra com toques do Cinema surreal de Luís Buñuel

Cineasta extraordinário que soube resistir às facilidades do filme comercial, o gênio Louis Malle também exerceu o máximo sentido transgressor da Arte à exemplo dos quase contemporâneos Luís Buñuel, Federico Fellini e Ken Russell, cada qual dono de um estilo próprio, forjado à negação peremptória das cifras de bilheteria.
Lançado apenas dois anos antes do polêmico e belo Pretty Baby -onde já deixava-se explícito o gosto pela contrariedade ao falso moralismo- Black Moon encontra-se na zona perigosa do “nonsense”, um tour-de-force sombrio e imprevisível através da psique humana de um onírico tratado com extrema competência pelo mestre. Malle põe sua heroína, a diáfana Cathryn Harrison, no papel de Lily, jovem que surge dirigindo pelas estradas de algum país devastado pela guerra. Ao que as primeiras imagens sugerem, o conflito é uma guerra entre sexos, com desvantagem para as mulheres.
Lilly consegue fugir de um bloqueio, indo dar numa espécie de “villa” povoada por criaturas estranhas e animais de fazenda. Na casa principal reside uma matrona irrascível (a mitológica atriz alemã Therese Giehse a quem o filme é dedicado nos créditos iniciais) cuja única atividade resume-se à comunicação por rádio com o exterior. A moça descobre todo um universo de seres que povoam a propriedade sem qualquer nexo com o mundo real: no amplo jardim vaga um unicórnio falante; crianças nuas em grupo perseguem qualquer coisa que se mova e dois irmãos, homem e mulher, convivem incestuosamente numa casa adjacente.
Quase que abdicando da linguagem falada, exceto quando Lily e a velha se comunicam, Malle explorou a pujança visual do ambiente com a colaboração do fotógrafo Sven Kykvist, junto a Nestor Almendros e Vitorio Storaro, formador da “santíssima trindade” da cinematografia de todos os tempos. Essa atmosfera onírica ao mesmo tempo que perturbadora, é repleta de símbolos a serem desvendados pelo espectador não obrigado a seguir qualquer parâmetro narrativo ou formal: Black Moon requer, antes de tudo, a completa dissociação de cânones narrativos ou convenções sintáticas associadas ao Cinema dos circuitões.
Um redemoinho voraz de paradoxos desmanchados e reordenados a cada sequência, onde os personagens desobedecem a normas comportamentais pré-estabelecidas, ao sabor das circunstâncias. Indubitavelmente, dos filmes de Malle o mais hermético e contrário às regras da lógica.

Atenção!
Joe Dalessandro, ator que interpreta o homem do jardim, foi estrela de Andy Wharol durante a fase experimental do artista plástico no Cinema.

Black Moon
Direção: Louis Malle
Com: Cathryn Harrison, Therése Giehse, Joe Dalessandro
Duração: 100 min.
Meio: DVD
Distribuição: Nouvelle Edition Française
Qualidade da Cópia Analisada: Excelente
Índice de Raridade: ***

Nonsense to the intellect light

Louis Malle´s anarchist fable synthesized the war trauma with Luís Buñuel's surreal touches

An extraordinary movie director, who knew how to resist to the commercial movie easy ways, the genius Louis Malle exercised the maximum transgressive Art sense like his almost contemporaries Luís Buñuel, Federico Fellini and Ken Russell, each one owner of a peculiar style, wrought to the peremptory box office bills denial.
Released only two years before the controversial and beautiful Pretty Baby -where it was already left explicit the taste for the annoyance to the false moralism- Black Moon is at the dangerous zone of the “nonsense”, a gloomy and unexpected tour-de-force through the human psyche of a dreamlike dealt with extreme competence by the master. Malle puts his heroine, the transparent Cathryn Harrison, on Lily´s role, a girl who appears driving through the highways of some country devastated by war. By the first images suggest, the conflict is on a war among sexes, with disadvantage for women.
Lilly escapes a blockade, stopping on a kind of “villa” populated by strange creatures and farm animals. In the main house lives an angry matron (the mythological German actress Therese Giehse for whom the movie is dedicated by the initial credits) whose only activity is the communication by radio with the exterior. The girl discovers an entire universe of beings that populate the property without any connection with the real world: around the wide garden rambles a speaking unicorn; nude children in group pursue any thing that moves and two siblings, man and woman, live incestually together at an adjacent house.
Almost abdicating from the spoken language, except when Lily and the old woman communicate, Malle explored the atmosphere´s visual strength with the cinematographer Sven Kykvist's collaboration, close to Nestor Almendros and Vitorio Storaro, considered the cinematography´s “sacred trinity” from all times. That dreamlike atmosphere at the same time that disturbing, is replete of symbols not unmasked by the spectator forced to follow any parameter narrative or formal: Black Moon requests, before everything, the complete disassociation of narrative canons or syntactic conventions associated to the networking movie theaters.
A voracious whirl of unmaked and reordened paradoxes at each sequence, where the characters disobey pré-established behaviour norms, to the circumstances rhythm. Undoubtedly, from all the Malle´s movies, the most hermetic and contrary to the logic rules one.

Attention!
Joe Dalessandro, actor that interprets the man of the garden, was star of Andy Wharol during the plastic artist's experimental phase in the Movies.

Black Moon
Direction: Louis Malle
With: Cathryn Harrison, Therése Giehse, Joe Dalessandro
Running Time: 100 min.
Media: DVD
Distribution: Nouvelle Edition Française
Quality of the Analyzed Copy: Excellent

Rarity Index: ***

The Pornographers (1966)

2007-10-28T19:15:00.000-03:00

Sexo: dilema e ilusão

Parábola existencialista de Shohei Imamura vasculha os limites da condição humana com precisão inquietante

Quando se trata de Cinema Oriental, particularmente os filmes japoneses que já na década de 1960 preconizavam a vanguarda européia daquela época circa Nouvelle Vague, o nome de Shohei Imamura logo salta à memória, como The Pornographers deixa bem patente.
Grande parte ambientado nos guetos de uma cidade industrial onde a moral limítrofe ao viés mais obscuro da psique nipônica gera toda sorte de fantasia erótica, o filme acompanha os projetos do angustiado Yoshimoto Ogata (Shoichi Ozawa), diretor de fitas vendidas clandestinamente à população local. Ogata é impotente e concilia a vida marginal com uma família em processo de desintegração: a nova esposa, viúva com dois filhos, enfrenta problemas de saúde enquanto assiste ao mais velho envolver-se com o submundo e a outra, adolescente problemática, ser discretamente assediada pelo padrasto. Não que Ogata seja mau-caráter: em meio aos mais bizarros pedidos dos clientes, eventuais espectadores do que filma, escapa à perseguição das autoridades policiais e administra a equipe de dois auxiliares metidos em confusões.
The Pornographers, por sua duração excessiva -mas nem por isso enfadonha- permitiu a Imamura deter-se sobre o drama de cada personagem com um detalhismo que torna a fita bem mais complexa do que o rótulo errôneo de “humor negro” ameaçou-lhe apregoar. O surrealismo implícito em certas passagens da narrativa, teve a sorte de merecer a fotografia primorosa do gênio Sinsaku Himeda; com o aval do diretor, Himeda pôde executar planos de intrigante complexidade, exercícios de profundidade de campo dotados de uma signagem que corrobora o dilema do casal Ogata/Haru por toda a série de entreveros desfiada ao longo do filme.
O papel da jovem Keiko na trama, é ainda mais controverso: dona de personalidade rebelde, ela colabora para que a degradação mental de Ogata influencie no destino da mãe, vítima do naufrágio de um lar fadado à ruína. Aspecto menos privilegiado no roteiro adaptado de um romance obscuro, o tratamento cronológico sofre de maiores cuidados, o que não chega a comprometer a obra de todo. Esse compêndio de emoções desordenadas e conflitos mal-resolvidos, arrematado com um dos mais curiosos desfechos da História do Cinema, deve ser revisto como referência para quem deseja aprender com um mestre da criatividade e da ousadia.

Atenção!
Seqüências como a da carpa enquadrada no aquário, sobre o leito de morte de Haru, foram rodadas sem qualquer truque óptico.

Jinruigaku Nyumon: Erogotshi Yori
Direção: Shohei Imamura
Com: Shoichi Ozawa, Sumiko Sakamoto, Masaomi Kondo
Duração: 120 min.
Meio: DVD
Distribuição: The Criterion Collection
Qualidade da Cópia Analisada: Excelente
Índice de Raridade: ***

Sex: dilemma and illusion

Shohei Imamura´s existential tale searches upon the human condition boundaries with restless precision

When it´s about the Oriental Cinema, particularly Japanese movies that already in the 1960´s decade extolled the European vanguard from those times circa Nouvelle Vague, Shohei Imamura's name soon jumps to memory, like The Pornographers estates by a very patent way.
Most of the time settled at the ghettos of an industrial city where the morals, bordering the most slopingly obscure places of the niponic psyche and generating every kind of erotic fantasy, the movie follows the projects of the afflicted Yoshimoto Ogata (Shoichi Ozawa), director of porno flicks sold secretely to the local population. Ogata is impotent and reconciles his marginal life with a family on disintegration process: the new wife, widow with two children, faces problems of health while watches the elder communing with the wild side and the other, a problematic adolescent girl being discreptely besieged by the stepfather. Ogata is not a bad guy: amid the customers' bizarre requests, eventual spectators of what he shoots, he escapes to the police persecution and administers the team of two auxiliary put in troubles.
The Pornographers, for its excessive lenght -not consequently boring- allowed Imamura to stop on each character's drama with a detailing quality that turns the flick much more complex than the erroneous label of “black humor” they tried to pick. The implicit surrealism in certain narrative passages, was worth of deserving the exquisite cinematography of the genius Sinsaku Himeda; with the director's guarantee, Himeda could execute plans of intriguing complexity, depth of field exercises endowed with a signage that corroborates the Ogata/Haru couple dilemma for the whole series of frayed misunderstandings along the movie.
The young Keiko´s role in the plot, is still more controversial: owner of a rebellious personality, she collaborates to Ogata´s mental degradation in the mother's destiny, victim of a home shipwrecked and predestined to the ruin. Less privileged aspect on the adapted screenplay from an obscure romance, the chronological treatment suffers of larger cares, what doesn't get to completely commit the work. This summary of disordered emotions and poorly solved conflicts, finished with one of the most curious issues of Movies History, should be reviewed as reference for those who wants to learn with a master of creativity and daring.

Atttention!
Sequences like the carp framed inside the aquarium, over Haru´s death bed, were shot with no optical tricks.

Jinruigaku Nyumon: Erogotshi Yori
Direction: Shohei Imamura
With: Shoichi Ozawa, Sumiko Sakamoto, Masaomi Kondo
Running Time: 120 min.
Media: DVD
Distribution: The Criterion Collection
Quality of the Analyzed Copy: Excellent

Rarity Index: ***

The 5000 Fingers of Dr. T (1953)

2007-10-21T22:25:00.001-03:00

A música do imaginário

Fantasia do Dr. Seuss exorciza demônios da criançada com toque inconfundível dos musicais hollywoodianos

Praticamente desconhecido no resto do mundo, onde dificilmente veria compreendidas suas criativas parábolas infantis atualmente pouco valorizadas no “mundo globalizado”, o escritor e ilustrador Ted Geisel -vulgo Dr. Seuss- inspira até hoje o universo cinematográfico, que soube bem ou mal adaptá-lo através de produções voltadas ao público mirim –vide O Grinch, de 2000.
Lançado em 1953, roteirizado por Geisel e posteriormente relegado ao patamar dos musicais esquecidos, The 5000 Fingers of Dr. T (Os 5000 Dedos do Dr. T) só foi conseguir projeção depois de redescoberto por espectadores saudosistas que lembravam da fita em meio à prolixa produção musical dos estúdios hollywoodianos na década de 1950. Assinado pelo próprio Seuss, o filme narra a história do menino Bart, vítima das modorrentas lições de piano do vilanesco Dr. Terwilliker. Bart simpatiza com o encanador que trabalha esporadicamente em sua casa, sonhando que um dia o veja casado com a mãe. Após um cochilo que sucede a admoestação de Terwilliker, desperta numa estranha cidadela futurista, onde o Dr. T (Terwilliker) amadurece o projeto de realizar um concerto megalomaníaco com 500 garotos, quando se fortalecerá no poder.
The 5000 Fingers of Dr. T é ambientado em cenários de proporções gigantescas, cortesia da mente privilegiada do designer de sets William Kiernan, que junto aos parceiros Cary Odell/Rudolph Sternad (respectivamente diretor de arte/desenhista de produção) foi responsável pela fascinante atmosfera onírica da fita. Graças a números musicais coreografados com maestria, o filme escapa ao padrão piegas dos similares rodados à mesma época. É fluente, ágil e tampouco recai no cartilhismo boboca de “filmes infantis” recheados de lições de moral desmentidas na prática.
O diretor Roy Rowland soube conciliar a visão sardônica do autor com interpretações magistrais, particularmente bem representadas por Hans Conried na pele do Dr. T. Irônico e pouco afeito a tratar crianças como seres estúpidos fabricados à imagem e semelhança dos pais, Seuss estava mais preocupado em fazer das elucubrações de Bart uma espécie de protesto ao conformismo; sob esse aspecto, a contestação do piano como instrumento absoluto -metáfora do autoritarismo frente aos “pobres” violinos, trompas e tambores- fica bem exemplificada na seqüência do calabouço. Um delírio cheio de encanto, a cargo de quem entendia muito bem o tal “espírito infantil”.

Atenção!
Considerado uma tremenda “bomba” pela Crítica da época, o filme foi comparado ao vômito de uma das crianças na filmagem do concerto.

The 5000 Fingers of Dr. T
Direção: Roy Rowland
Com: Peter Lind Hayes, Mary Healy, Hans Conried
Duração: 89 min.
Meio: DVD
Distribuição: Columbia Pictures
Qualidade da Cópia Analisada: Boa
Índice de Raridade: **

The music of the imaginary

Dr. Seuss fantasy exorcises the demons of childhood with an unmistakable touch of the hollywoodian musicals

Almost unknown on the rest of the world, where difficultly he would see understood his creative infantile parables today little valued at the “globalized world”, the writer and illustrator Ted Geisel -aka Dr. Seuss- inspires ´til today the movies universe that knew well or badly to adapt his works through productions made to the little public -see How The Grinch Stole Christmas, 2000.
Released in 1953, written by Geisel and later relegated to the landing of the musical once forgotten, The 5000 Fingers of Dr. T only got proeminence after having been rediscovered for missing spectators who remembered the flick amid the prolix musical production of the Hollywood studios in the 1950´s decade. Signed by the own Seuss, the film brings the history of the kid Bart, a victim of boring piano lessons from the villainious Dr. Terwilliker. Bart sympathizes with the plumber that works randomly at his home, dreaming with the day when he could see him married to his mother. After a nap that occurs after a Terwilliker admonishment, he wakes up in a stranger futurist citadel, where Dr. T (Terwilliker) matures the project of accomplishing a megalomaniac concert with 500 boys, when he will strengthen in power.
The 5000 Fingers of Dr. T is settled in sceneries of gigantic proportions, courtesy of the privileged mind of the sets designer William Kiernan, who, next to his partners Cary Odell/Rudolph Sternad (respectively art director/production designer) was responsible for the fascinating dreamlike flick´s atmosphere. Thanks to musical shows coreographed with mastery, the movie escapes to the fancy pattern of its similar ones shot at the same time. It´s fluent, agile and either relapses towards the silly naïve “infantile” films of moral lessons denied in practice.
Director Roy Rowland knew how to reconcile the author's sardonic vision with magisterial interpretations, particularly well represented by Hans Conried behind the skin of Dr. Ironic T. Ironic and little able to treat children like stupid toys manufactured at their parents´ image and likeness, Seuss was more concerned on doing of the Bart´s lucubrations a kind of protest to the conformism; under that aspect, the reply of the piano as the absolute instrument –a metaphor to the authoritarianism front the “poor” violins, trumpets and drums- is well exemplified in the dungeon sequence. A delirium full of charm, under the responsibility from who understood the so called “infantile spirit” very well.

Attention!
Considered a terrible “bomb” by those times Critic, the movie was compared to a child´s puke of one of the children at the concert´s shot.

The 5000 Fingers of Dr. T
Direction: Roy Rowland
With: Peter Lind Hayes, Mary Healy, Hans Conried
Running Time: 89 min.
Media: DVD
Distribution: Columbia Pictures
Quality of the Analyzed Copy: Good

Rarity Index: **

Malpertuis-Estranhas Fantasias (1973)

2007-10-14T23:27:00.000-03:00

Zeus, imperativo da humanidade

Hermético delírio de Harry Kümel associa figuras da Mitologia Greco-Romana às similaridades do homem

Harry Kümel, o excêntrico realizador belga que deu à Cinematografia de Horror seu melhor exemplar no território dos vampiros -o clássico absoluto Escravas do Desejo, lançado antes de Malpertuis- pretendeu com a estranha fábula de 1972 tornar concreto o paralelo que os Deuses do Olimpo sempre estabeleceram para com a humanidade e suas características primas.
Transcorre o filme numa mansão labiríntica, onde o marinheiro Jan (Mathieu Carriére) aparece, depois de sofrer cilada nas ruas de uma cidade onde fôra parar. Na propriedade, seu destino passa a ser regido pelo onipresente Quentin Cassavius -seu tio- espécie de nababo egocêntrico ao redor do qual giram os episódios da obra. No papel do funambulesco Cassavius, Orson Welles interpreta um “Zeus” em estado terminal, ora enfastiado, ora colérico, cuja ordem à casta de integrantes da mansão é para que fiquem sob quaisquer circunstâncias. Nenhum deles deve deixá-la, sob pena de perderem a herança prometida aos mais destemidos. Jan depara-se com uma série de situações preparadas pelo Destino, quando precisará testar-se ante aos fantasmas e tentações da condição humana, vide a atração por duas irresistíveis criaturas: a própria irmã Nancy e a ninfa Euryale, papel duplo desempenhado pela excelente Susan Hampshire.
Kümel optou por dar ao filme um tom de simbolismo extremo, talvez maior razão de sua irreversível trajetória rumo ao esquecimento. Hermetíssimo, tratado sob condições narrativas onde a presença da digressão e da elipse encontram-se como instrumentos indissociáveis do ritmo imposto a cada seqüência, Malpertuis nega-se entretanto a tomar os rumos do infeliz “teatro-filmado” que chegou a contaminar vários nomes da sua geração. O trabalho do belga foi tão somente transferir a carga do psiquismo encontrado na obra de Jean Ray, para a fronteira do realismo.
Pomposo, solene e capaz de conduzir o espectador ao difícil plano da análise psíquica dos personagens, a fita faz uso do arquétipo divinal de cada um deles, para correlacionar as traições da “anima” humana: nesse mosaico de infinita complexidade, Jan é o elemento intermediador, ele mesmo envolvido na busca aos desígnios de Cassavius. Um jogo de regras indeterminadas, sopradas ao vento do erótico e do fatal, como bem conviria aos textos ancestrais da Tragédia Grega. Uma aula de Cinema vigoroso, anti-comercial e extremamente fiel aos princípios da Arte.

Atenção!
Malpertuis é o filme que melhor representa a eterna dicotomia crítica/público: compreendido, ao mesmo tempo que rejeitado.

Malpertuis-Estranhas Fantasias
Direção: Harry Kümel
Com: Orson Welles, Susan Hampshire, Mathieu Carrière
Duração: 100 min.
Meio: DVD
Distribuição: Barrel
Qualidade da Cópia Analisada: Ruim
Índice de Raridade: ***

Malpertuis (1973)

Zeus, the humanity's imperative

Hermetic Harry Kümel´s delirium associates Greco-Roman Mythology figures to similarities with the human being

Harry Kümel, the eccentric Belgian moviemaker who gave to the Horror Cinematography the best sample on the vampires territory -the absolute classic Daughters of Darkness, released before Malpertuis- intended with the stranger 1973 fable to turn concrete the parallel that the Olympus Gods always established to the humanity and its prime characteristics.
The movie elapses on a labyrintic mansion, where the sailor Jan (Mathieu Carriére) appears, after suffering an ambush in the streets of a city where he stopped. At the estate, his destiny becomes governed by omnipresent Quentin Cassavius -his uncle- a kind of egocentric nababo around which rotates the work episodes. In the role of the funambulescus Cassavius, Orson Welles plays “Zeus” on a terminal state, sometimes borne, other furious, whose order to the breed of the mansion is to remain under any circumstances. None of them should leave it, under the penalty of losing the promised inheritance to the most fearless. Jan comes across a series of prepared situations by Destiny, when he will need to test himself before ghosts and temptations of the human condition, considering the attraction for two irresistible creatures: his own sister Nancy and the nymph Euryale, a double role carried out by the excellent Susan Hampshire.
Kümel opted to give to the film a tone of extreme symbolism, perhaps the main reason of its irreversible path heading for the forgetfulness. Shut, treated under narrative conditions where the presence of the digression and the ellipse are like instruments unseparable from the rhythm imposed to each sequence, Malpertuis refuses, however to take the directions of the bad “shot-theater” that got to contaminate several titles of its generation. The work of the Belgian was to transfer the load of the psyche found in Jean Ray work, for the realism border.
Pompous, solemn and capable of leading the moviegoer to the difficult plan of the characters' psychic analysis, the flick makes use of the divinal archetype of each one of them, to correlate the betrayals of human “anima”: on that mosaic of infinite complexity, Jan is the bonding element, involved in the search to the Cassavius plan. A game of uncertain rules, blown to the wind of the erotic and the fatal, as well it would agree to the ancestral texts of the Greek Tragedy. A class of strong Cinema, anti-commercial and extremely faithful to the Art principles.

Attention!
Malpertuis is the movie that best represents the eternal duel critics/public: understood, at the same time as rejected.

Malpertuis
Direction: Harry Kümel
With: Orson Welles, Susan Hampshire, Mathieu Carrière
Running Time: 100 min.
Media: DVD
Distribution: Barrel
Quality of the Analyzed Copy: Bad

Rarity Index: ***

L'Ultimo Uomo Della Terra (1964)

2007-10-07T01:29:00.001-03:00

Holocausto dos vampiros

Obra máxima da carreira de Vincent Price influenciou seqüências menos brilhantes que se multiplicaram com as décadas

O insólito encontro de duas vertentes do Cinema Fantástico -o Filme de Terror com a Ficção-Científica de fundo existencialista- gerou L'Ultimo Uomo Della Terra, fita baseada no romance I Am Legend, do escritor Richard Matheson, cujo tom fatalista encontrava paralelo nos temores da Guerra Fria, encarados com toda a gravidade.
Para ilustrar a história, Vincent Price surge na pele do cientista Robert Morgan, que há três anos resiste a uma devastadora epidemia virótica responsável pela dizimação de todos os seres vivos, transformados em zumbis sanguinários que abominam espelhos e só podem morrer com estaca cravada no coração. Vítimas da doença contagiosa pelo ar, sua mulher e a filha encontram-se entre o imenso contingente populacional arrasado pela misteriosa peste. Morgan, aprisionado na própria casa e amargurado por ter se tornado “o último homem da terra”, dedica-se a uma mórbida rotina de livrar-se dos corpos encontrados diante do lar, lançando-os de íngreme despenhadeiro ao fogo ardente. Todas as noites, contudo, vê-se perturbado por hordas de mortos-vivos que tentam invadir-lhe a propriedade protegida por tábuas nas janelas. Quando descobre uma mulher nas cercanias -suposta sobrevivente da tragédia- os rumos do seu destino passam a ganhar nova providência.
Tipicamente “B”, L'Ultimo Uomo Della Terra antecipa o que George A. Romero faria no clássico A Noite dos Mortos-Vivos em 1968 com mais “gore” e menos criatividade. É nos flashbacks recriados por uma tessitura bastante verossímil, que o italiano Ubaldo Ragona demonstra-se hábil o suficiente para evitar que o filme resulte numa amálgama apelativa de vísceras, sustos e estripamentos explorados de forma exagerada no Trash dos anos 1970. Comedido, ao mesmo tempo que denotando visão “state-of-the-art” sobretudo graças à fotografia magistral de Franco Delli Colli, Ragona consegue tornar a a fita cada vez mais instigante, ao contrário do que se poderia esperar de um enredo ambientado ao estilo “no man´s land”.
Com sua interpretação angustiada, debatendo-se num processo de auto-destruição que chega a incomodar o espectador, Vincent Price prova-se merecedor do culto que as gerações posteriores à sua dar-lhe-iam acima dos “ícones” hollywoodianos fabricados pela mídia. É isto que torna L'Ultimo Uomo Della Terra uma gema valorizada ao passar do tempo, brilhante o suficiente para ofuscar tudo o que dela se originou.

Atenção!
A ambientação do filme -numa cidade não identificada- é até hoje tema de discussão entre seus admiradores.

L'Ultimo Uomo Della Terra
Direção: Ubaldo Ragona
Com: Vincent Price, Franca Bettoia, Giacomo Rossi-Stuart
Duração: 86 min.
Meio: DVD
Distribuição: API
Qualidade da Cópia Analisada: Boa
Índice de Raridade: **

The Last Man On Earth (1964)

Vampires´ holocaust

Vincent Prices´s best work influenced less brilliant sequels that were multiplied along the decades

The unusual encounter of two Fantastic Movies streams -the Horror Movie with the Science-Fiction of existentialist balaster- generated The Last Man On Earth, a flick based upon the novel I Am Legend, from writer Richard Matheson, whose fatalistic tone found parallel on the Cold War fears, at those times faced with all the gravity.
To illustrate the history, Vincent Price appears under the scientist Robert Morgan's skin, who, for three years, resists to a devastating epidemic virus, the disappearing cause of all the living beings, transformed sanguinary zombies who hate mirrors and can only die with a stake nailed in the hearts. Victims of the contagious disease by air, his wife and daughter meet among the huge population amount destroyed by the mysterious plague. Morgan, shut at his own house and feeling guilty by had being “the last man on earth”, is devoted to a morbid routine of getting rid of the bodies found before home, throwing them from a steep cliff to the burning fire. Every night, however, he sees himself disturbed by hordes of zombies that try to invade his property protected by boards at the windows. When he discovers a woman in the outskirts –a supposed survivor from the tragedy- his destiny ways start to win a new providence.
Typically a “B Movie”, The Last Man On Earth advances what George A. Romero would do on the classic Night Of The Living Dead in 1968 with more “gore” and less creativity. It´s on the flashbacks recreated by a quite probable fabric, that Italian Ubaldo Ragona demonstrated himself skilled enough to avoid that the film resulted on an exploitative amalgam of guts, frights and rippings by an excessive way on the 1970´s Trash. Moderate, at the same time that denoting a “state-of-the-art” vision, mainly, thanks to Franco Delli Colli´s magisterial picture, Ragona gets to turn the movie more and more instigante, unlike what could be expected from a plot adapted to the “no mans´ land” style.
With his dramatic playing, struggling on a solemnity-destruction process that gets to disturb the moviegoer, Vincent Price proven himself worthy of the cult that the subsequent generations would give him above the hollywoodian “icons” manufactured by the media. This is what turns The Last Man On Earth a yolk valued as time goes by, brilliant enough to daze all that was originated from then on.

Attention!
The movie set -at a non-identified town- ´til this day is a theme for discussion among its admirers.

The Last Man On Earth
Direction: Ubaldo Ragona
With: Vincent Price, Franca Bettoia, Giacomo Rossi-Stuart
Running Time: 86 min.
Media: DVD
Distribution: API
Quality of the Analyzed Copy: Good

Rarity Index: **

The Ravager (1970)

2007-09-30T00:11:00.000-03:00

Perversão explosiva

Trash de última categoria exorciza demônios do Vietnam através das ações de psicopata dinamitador nos States

Os cineminhas “triple x” da antiga Times Square seriam o correspondente ao que se conheceu no Brasil popularmente como Boca do Lixo, ou seja, um pedaço de bairro reservado a filmes alijados pela mídia dos anos 1970, quando reinava o mais perverso Sexploitation. Foi desse universo que surgiu The Ravager, raríssimo exemplar barra-pesada, a demonstrar o quão oportunista podiam chegar “cineastas” gerados naquele meio, caso do desconhecido Charles Nizet.
Munido de orçamento irrisório, equipamento defasado e recursos narrativos no mínimo curiosos, ele aproveitou um fio de história inspirado pela Guerra do Vietnam, para ilustrar o que um ex-combatente afetado pelo conflito poderia fazer se exposto a algum episódio de extrema violência nas terras vietcongues. O personagem especialista em explosivos, após assistir ao estupro de uma jovem submetida a todo o tipo de sevícias sucedidas por dinamitação, retorna aos Estados Unidos onde passa por tratamento psiquiátrico que só complica seu estado mental. Uma narração em “off “ descreve os passos de Joe Salkow (Pierre Gostin), dedicado a partir daquele instante a cometer homicídios em série perpetrados com dinamite. Salkow é metódico a ponto de alugar um quartinho numa espelunca suburbana, onde prepara os artefatos que farão novas vítimas no decorrer da fita. Um investigador de polícia passa então a seguir-lhe os passos, o que contudo não consegue deter o banho de sangue desencadeado.
Tão primário é o cinema “produzido” por Nizet, que mesmo os grosseiros filmecos da época empalidecem ante seqüências nitidamente improvisadas, nas quais os princípios básicos da Sétima Arte passam longe de algo ao menos lógico: numa seqüencia, Salkow detona um casal em pleno deserto californiano; noutra, segue um casal de lésbicas até uma ilha inóspita, onde manda pelos ares uma delas e violenta a outra, estripando-a em seguida.
A conclusão, apressada e ridícula, é amostra patente do nível de oportunismo ao qual se podia chegar em produções do tipo. Nada entretanto se compara ao histrionismo de Pierre Gostin, cujas expressões diante das vítimas demonstram êxtase, dor, arrependimento e satisfação ao mesmo tempo. É o único ponto positivo de The Ravager, embora a fita valha como precursora dos filmes que exploraram o mito do matador em série após Henry-Portrait of A Serial Killer. A aula valeria a pena.

Atenção!
The Ravager tornou-se cult para saudosistas da antiga Times Square, como Frank Hannenlotter, diretor do controverso Basketcase.

The Ravager
Direção: Charles Nizet
Com: Pierre Gostin, Jo Long, Lynn Hayes
Duração: 76 min.
Meio: DVD
Distribuição: Something Weird Video
Qualidade da Cópia Analisada: Ruim
Índice de Raridade: *****

Explosive perversion

Last category trash exorcises the Vietnam demons through the actions of a psychotic dinamitator in America

The “triple-x” movies from the old Times Square would be the correspondent to of what became commonly known in Brazil as Boca do Lixo, in other words, a neighborhood piece left to movies despised 1970 years media, when the most perverse Sexploitation reigned. It was from that universe that The Ravager, a rare hardcore sample appeared, to demonstrate how opportunist “film directors” generated on that place could be able to do, case of the unknown Charles Nizet.
Out of a ridiculous budget, old equipment and narrative resources at least curious, he used a thread of argument inspired by the Vietnam War, to illustrate what a former-combatant affected by the conflict could do if exposed to some episode of extreme violence at the vietcong lands. The character, a specialist in explosives, after attending the rape of a young woman submitted to all kind of violence, followed by dinamitation, comes back to the States where he goes to a psychiatric treatment that only complicates his mental state. A narration in “off” describes Joe Salkow (Pierre Gostin)´s steps, dedicated starting from that instant to make serial homicides perpetrated with dynamite. Salkow is methodical to the point of renting a room on a suburban den, where he prepares the devices that will make new victims at the flick´s elapsing. A police investigator then starts to follow his steps, which however doesn't get to stop the bath of blood outcasted.
So primary is the movie “produced” by Nizet, that even the rude flicks from those times turn pale in the face of improvised sequences, on which the basic Seventh Art principles pass at least far away from something logical: in a sequence, Salkow detonates a couple at the middle of the Californian desert; in other, he follows a lesbian couple to an inhospitable island, where blows one of them and violent the other, ripping her soon after.
The conclusion, hurried and ridiculous, is a patent sample of the opportunism level to which someone could arrive in productions from that kind. Nothing though can be compared to Pierre Gostin's histrionism, whose expressions before his victims demonstrate ecstasy, pain, regret and satisfaction at the same time. It´s The Ravager's only positive point, although the flick is worth as precursory of the movies that explored the serial killer's myth after Henry-Portrait of Serial Killer. The class would be worthwhile.

Attention!
The Ravager became a cult for old Times Square moviegoers, like Frank Henenlotter, the controversial Basket Case´s director.

The Ravager
Direction: Charles Nizet
With: Pierre Gostin, Jo Long, Lynn Hayes
Running Time: 76 min.
Media: DVD
Distribution: Something Weird Vídeo
Quality of the Analyzed Copy: Bad

Rarity Index: *****

Zaroff-O Caçador de Vidas (1932)

2007-09-23T13:17:00.000-03:00

Homem, lobo do homem

Obra-prima do Filme de Ação pôs caçador no lugar da caça, gerando dezenas de imitadores ao longo do tempo

O real propósito do Cinema, de ser acima de tudo objeto para entretenimento, foi desde cedo cultivado por realizadores norte-americanos que legaram para cinematografia universal muito mais que tolas historinhas de amor com finais felizes ou enfadonhas teorias existencialistas transformadas em celulóide. Lançado em 1932 pela mesma equipe responsável pelo sucesso do primeiro King Kong (1933), Zaroff-O Caçador de Vidas pode ser considerado o precursor das fitas do gênero “manhunt”, a caçada-humana que coloca o homem presa do homem, geralmente num cenário adverso.
Para as platéias da época, o filme trouxe uma feliz combinação de aventura, horror e suspense, elementos muito bem conjugados a quatro mãos pela dupla de diretores Irving Pichel/Ernest B. Schoedsack. A ação tem lugar numa ilha distante do Pacífico, onde, após naufrágio em que perde todos os companheiros, o playboy caçador Bob Rainsford, vai dar num castelo habitado pelo Conde russo Zaroff -vivido por Leslie Banks- cuja maior distração é enriquecer sua macabra sala de troféus com os sobreviventes que chegam ao local. O vilão assiste ao encontro de Rainsford com a bela Eve (Fay Wray), também refugiada junto ao irmão na mansarda. Ambos terão apenas uma madrugada para escapar ao conde e dois asseclas alucinados floresta adentro, além de uma matilha de mastins treinados. Caso sobrevivam ao “jogo”, poderão deixar a ilha em barco motorizado que se encontra no subsolo.
Zaroff-O Caçador de Vidas vale-se de um fator que poucas vezes no Cinema dos anos 1930 foi tão bem utilizado: invariavelmente, diálogos de forte tom dramático antecedem seqüências de ação que se encontram entre as mais fascinanantes da época. O extraordinário aproveitamento dos cenários silvícolas capturados com a câmera ágil de Henry Gerrard no terço final da fita, acrescentam um toque extra de emoção à caçada, onde a figura do sinistérrimo Conde Zaroff pontua cada take de modo irrepreensível.
Se o filme gerou polêmica, protestos e cortes -alguns atribuídos à sala de “troféus” do Conde- o impacto original, atenuado anos depois por produções declaradamente apelativas, não lhe fez justiça. De orçamento polpudo e com a invejável parceria de Merian C. Cooper (King Kong) e Samuel Z. Arkoff, Zaroff-O Caçador de Vidas é atemporal, vigoroso, enfim, destinado a divertir e prender a atenção, qualidade jamais atingida por seus sucessores.

Atenção!
O filme foi citado como “inspiração” para o lendário serial killer Zodiac, que o teria assistido numa sessão-poeira.

The Most Dangerous Game
Direção: Irving Pichel e Ernest B. Schoedsack
Com: Joel McCrea, Fay Wray, Leslie Banks
Duração: 78 min.
Meio: DVD
Distribuição: Criterion
Qualidade da Cópia Analisada: Boa
Índice de Raridade: **

Man, wolf of man

Action Films´ masterpiece put the hunter at the hunt´s place, producing dozens of impersonators along time

The true Cinema´s purpose, of being above all an object for entertainment, was early cultivated by North American moviemakers that delegated much more than foolish love histories for the universal cinematography with happy-endings or boring existentialist theories transformed in celluloid. Released in 1932 by the same team responsible for the first King Kong (1933) hit, The Most Dangerous Game can be considered the precursor of the flicks from the “manhunt” gender, the chase that places man prey of man, usually on an adverse scenery.
For the audiences from those times, the movie brought a happy adventure, horror and suspense combination, elements very well conjugated at four hands by the couple of directors Irving Pichel/Ernest B. Schoedsack. The action has room on a distant Pacific island, where, after a shipwreck on which the playboy hunter Bob Rainsford loses all his companions, he reaches a castle inhabited by the Russian count Zaroff -played by Leslie Banks- whose best amusement is to enrich his macabre trophy room with the survivors that arrive at the place. The villain attends the encounter of Rainsford with the beautiful Eve (Fay Wray), also a refuge next to her brother at the estate. Both will just have one dawn to escape the count and two hallucinated guards across the forest, besides a pack of trained watchdogs. In case they survive the “game”, they can leave the island aboard a motorized boat which is in the underground.
The Most Dangerous Game uses a factor that just a few occasions on the Cinema of the 1930´s were so well used: invariably, dialogues of strong dramatic tone precede action sequences that are among the most amazing from those times. The extraordinary use of the jungle sets captured with Henry Gerrard's agile camera at the final third of the flick, increase an extra touch of emotion to the hunt, where the figure of the haunting Count Zaroff punctuates each take in a blameless way.
If the film generated controversy, protests and cuts -some of them attributed to the Count´s “trophy” room- the original impact, lessened later years by exploitation features, didn't make justice. Of wealthy budget and with the enviable partnership of Merian C. Cooper (King Kong) and Samuel Z. Arkoff, The Most Dangerous Game is finally atemporal, vigorous, destined to amuse and to catch the attention, a quality never reached by its successors.

Attention!
The movie was mentioned as “inspiration” for the legendary serial killer Zodiac, who watched it on a suburban session.

The Most Dangerous Game
Direction: Irving Pichel and Ernest B. Schoedsack
With: Joel McCrea, Fay Wray, Leslie Banks
Running Time: 78 min.
Media: DVD

Distribution: The Criterion Collection

Quality Of The Analyzed Copy: Good

Rarity Index: **

A Noite Das Taras (1980)

2007-09-16T12:45:00.000-03:00

Viagem ao submundo erótico

Divisor de águas da Pornochanchada com roteiro de Ody Fraga transformou-se em clássico do gênero

O formato “filme em episódios”, tão difundido nos anos 1970, serviu de pretexto para que realizadores medíocres do Cinema Brasileiro tentassem faturar em pleno auge da Boca do Lixo, paraíso libertino da cidade de São Paulo à mesma época. Se no entanto produções como Pintando o Sexo já apontavam para algo mais criativo que historinhas desconexas temperadas com situações apelativas, o projeto de David Cardoso junto ao parceiro Ody Fraga num filme que sacudisse as convenções da época, surtiu pleno efeito, com bilheteria polpuda e aplauso de alguns críticos mais condescendentes.
A Noite das Taras começa com um prólogo onde três marinheiros solitários desembarcam para, cada um a seu modo, passar situações entre o sobrenatural e o inusitado, com finais dissociados. No episódio de abertura (A Carta de Érico) -dirigido pelo polêmico John Doo- missiva deve ser entregue a uma mulher que planeja suicidar-se num apartamento de São Paulo. O misterioso remetente, que encontra o primeiro marinheiro em circunstâncias misteriosas, exige a entrega da carta custe o que custar, motivando o encontro erótico do casal.
Para o episódio seguinte (Peixe Fora D´Água), David Cardoso encarrega-se de colocar a colossal Matilde Mastrangi como “femme fatalle” que planeja usar o segundo marinheiro num assalto ao próprio marido. Depois de uma transa alucinante num hotel da cidade, o crime é perpetrado com desfecho trágico, nos moldes da mais chula Literatura Pulp.
Há quem considere a terceira parte (Julio e o Paraíso) a melhor das três, graças à direção do genial Ody Fraga, mestre da perversão, que coloca o mais velho dos três marinheiros numa comuna hippie de cinco jovens decididas a provocar-lhe um ataque cardíaco depois de orgia ininterrupta. Fraga torna a experiência um pesadelo “delicioso” para o protagonista, até o aguardado clímax encerrar o filme sem maiores requintes.
O que faz de A Noite das Taras interessante, é o ritmo folhetinesco desprovido dos falsos e habituais cacoetes intelectualóides do Cinema Brasileiro de enfoque psicológico. Declaradamente oportunista a exemplo de qualquer produção oriunda da Boca do Lixo, apresenta falhas -o trio de personagens atraca no Porto do Rio de Janeiro mas o enredo se passa entre Santos e São Paulo- mas já se superpõe a exemplares contemporâneos bem menos interessantes.

Atenção!
O dublador Marthur Mathias, voz de Fred Flinstone na TV brasileira, faz um dos asseclas de Matilde Mastrangi.

A Noite das Taras
Direção: John Doo, David Cardoso e Ody Fraga
Com: Matilde Mastrangi, Arlindo Barreto, Patrícia Scalvi
Duração: 81 min.
Meio: DVD
Distribuição: Cinedistri
Qualidade da Cópia Analisada: Boa
Índice de Raridade: ***

Perversions Night (1980)

Trip to the erotic underground

Pornochanchada landmark with Ody Fraga´s screenplay became a classic from the gender

The “episodes movie” format, so spread in the 1970 years, served as an excuse so that mediocre moviemakers from the Brazilian Cinema tried to make money at the middle of the peak of Boca do Lixo´s neighborhood, a libertine paradise from the São Paulo city a long time ago. If however productions like Pintando o Sexo (Painting The Sex) already appeared for something more creative than illogical tales spiced with suggestive situations, David Cardoso's project next to his partner Ody Fraga on a film that shook the conventions from those times took full effect, with huge cash boxes and some more condescending critics' applause.
Perversions Night begins with a prologue where three solitary sailors disembark for, each one to their way, pass situations between the supernatural and the unusual, with dissociated ends. On the opening episode (Erico´s Letter) -directed by the controversial John Doo- a note should be given to a woman who plans to commit suicide in a São Paulo´s apartment. The mysterious sender, who finds the first sailor in mysterious circumstances, demands the letter delivery at any cost, motivating the couple's erotic encounter.
For the following episode (Fish Out Of Water), David Cardoso takes charge of placing colossal Matilde Mastrangi as a “femme fatalle” who plans to use the second sailor in an assault to her own husband. After an hallucinating fuck on a town hostel, the crime is perpetrated with tragic issue, in the molds of the most vulgar Pulp mags.
There is who considers the third part (Julio And The Paradise) the best among the three, thanks to the direction of brilliant Ody Fraga, a perversion master, that places the oldest of the three sailors on a hippie commune of five young girls decided to provoke him a heart attack after uninterrupted orgy. Fraga turns the experience into a delicious “nightmare” for the protagonist, until the awaited climax end the movie without much refinements.
What does of Perversion Night interesting, is the novelistic rhythm unprovided of the false and common intelectualoid habits from the Brazilian Cinema of psychological focus. Declaredly opportunist as any production originating from Boca do Lixo, it presents flaws -the trio of characters moors at the Rio de Janeiro pier with the plot happening between Santos and São Paulo- but already uprises over contemporary samples less interesting.

Attention!
Marthur Mathias, the voice of Fred Flinstone in the Brazilian TV, makes one of Matilde Mastrangi's foremen.

Perversions Night
Direction: John Dooo, David Cardoso and Ody Fraga
With: Matilde Mastrangi, Arlindo Barreto, Patrícia Scalvi
Running Time: 81 min.
Media: DVD
Distribution: Cinedistri
Quality of the Analyzed Copy: Good

Rarity Index: ***

Catch Us If You Can (1965)

2007-09-09T00:41:00.000-03:00

Rock Inglaterra adentro

Estréia de John Boorman na direção com grupo Dave Clark Five é fábula escapista no puro sentido do termo

Os tresloucados épicos Pop do inglês Richard Lester já faziam escola desde o excelente A Hard Day´s Night (lançado em 1964), que colocava os Beatles sob marcação cerrada dos fãs na Inglaterra dos anos 1960. Prova maior foi este Catch Us If You Can, tentativa do então estreante John Boorman tornar o quinteto Dave Clark Five numa sensação à imagem e semelhança dos compatriotas de Liverpool. A diferença, é que a banda -egressa do terceiro escalão da British Invasion junto ao não menos fake Herman´s Hermits- estava bem aquém do status de McCartney e companhia, para não dizer The Who, The Rolling Stones, The Animals, Hollies, Kinks e outros menos votados.
A missão de Boorman, ao tentar colocar a banda numa aventura tipo “perseguição”, resultou numa obra bem mais interessante à luz do século XXI, quando tudo produzido no período pré-psicodélico ressurgiu com charme especial. Dave Clark faz um dublê publicitário -o ingênuo Steve- num comercial de carne, quando a garota-propaganda (Barbara Ferris, vivendo a gasguita Dinah) decide empreender uma fuga maluca de carro pelo interior da Inglaterra, convencendo o amigo a acompanhá-la na estrada. Junta-se à dupla o próprio resto do DCF e os capangas da agência de propaganda que precisam detê-los antes do final do contrato de Dinah.
Catch Us If You Can funciona mais, graças ao uso inteligente de um punhado de canções do grupo e à câmera irrequieta do fotógrafo Manny Wynn, excelente nas longas panorâmicas p/b utilizadas para descrever a sensação de liberdade compartilhada entre os fugitivos. Embora o idealismo vazio dos protagonistas careça de qualquer profundidade, o filme funciona como uma sátira de costumes onde há espaço bastante para a ironia tipicamente britânica, nem sempre compreendida por quem exige mais clareza na solução de situações criadas a partir de puro nonsense.
Diga-se de passagem, o enredo ganha em criatividade à entrada do excêntrico casal Guy/Nan, vivido por Robin Bailey/Yootha Joyce, cuja função é apimentar a segunda metade da fita com tiradas absurdas. Quiseram aferrar o filme a surradas teorias sócio-filosóficas que nada tinham a ver com o real intuito de Boorman ao fazer Catch Us If You Can um veículo soporífero às pretensões do Dave Clark Five, mas apenas o final realista demais pediria uma interpretação tão condescendente. Apenas uma ingênua comédia musical polida pelos caprichos do tempo.

Atenção!
Marianne Faithful, musa dos Stones e ícone da Swinging London, chegou a ser convidada para o papel central da garota.

Catch Us If You Can
Direção: John Boorman
Com: Dave Clark, Barbara Ferris, Robin Bailey
Duração: 91 min.
Meio: DVD
Distribuição: Bruton Film Productions
Qualidade da Cópia Analisada: Excelente
Índice de Raridade: **

Rock throughout England

John Boorman´s dèbút on direction with the band Dave Clark Five is a escapist tale at the most precise meaning of the word

The crazy Pop epics by the English Richard Lester already made its disciples since the excellent A Hard Day´s Night (released in 1964), which put The Beatles under the fans heavy siege on the 1960´s England. A great testimony was this Catch Us If You Can, a John Boorman´s so an entry artist try to make the quintet Dave Clark Five into a sensation similar in image to its Liverpool fellow contrymen. The difference is that the band -coming from the British Invasion´s third echelon next to the equally fake Herman´s Hermits- was way a lot from the McCartney and company status, no to say The Who, The Rolling Stones, The Animals, Hollies, Kinks and other less mentioned.
The mission of Boorman, when trying to place the band on an “persecution” adventure kind, resulted in a much more interesting work to the 21st century light, when everything produced on the pré-psychedelic period reappeared with a special charm. Dave Clark plays a naïve advertising stunt -Steve- on a meat commercial, when the publicity-girl (Barbara Ferris, on the shouty Dinah role) decides to undertake a crazy car escape towards England country, convincing the friend to accompany her on the highway. The DCF rest joins the couple and the advertising agency bully which needs to stop them before the end of Dinah´s contract.
Catch Us If You Can works more, thanks to the intelligent use of a handful of songs from the group and to photographer Manny Wynn's unquiet camera, excellent on the long p/b surveys used to describe the freedom sensation shared among the fugitives. Although the protagonists' empty idealism lacks of any depth, the film works as a satire of habits where there is plenty space typically for the British irony, not always understood for those who demands more clarity in the solution of situations created starting from pure nonsense.
Be said of passage, the plot wins in creativity to the eccentric couple's entrance Guy/Nan, played by Robin Bailey/Yootha Joyce, whose function is to spice the flick´s second half with absurd jokes. Some wanted to tie the movie to washed social-philosophical theories that nothing had to do with Boorman´s real intention when doing Catch Us If You Can a soporific vehicle to the Dave Clark Five pretensions, but just the too much realistic end would ask for such a condescending interpretation. Just a simple musical comedy polishe by the cares of time.

Attention!
Marianne Faithful, Stones muse and a Swinging London icon, was invited to the central role of the girl.

Catch Us If You Can
Direction: John Boorman
With: Dave Clark, Barbara Ferris, Robin Bailey
Running Time: 91 min.
Media: DVD
Distribution: Bruton Film Productions
Quality of The Analyzed Copy: Excellent

Rarity Index: **

Picolle Labbra (1978)

2007-09-02T23:18:00.000-03:00

Um sonho despedaçado

Parábola romântica exibe tragédia de uma paixão redentora aos últimos momentos da I Guerra Grande Guerra

Dos típicos filmes “coming-of-age” que mostram o desabrochar da adolescência através de nem sempre felizes histórias de amor, o ítalo-hispânico Picolle Labbra (Lábios Pequenos, em Português, lançado Little Lips no mercado anglo-saxão), conseguiu a proeza de tornar-se cult antes mesmo de desaparecer das locadoras de vídeo nos anos 1980. Numa comparação distante, a fita poderia ter um paralelo no clássico Pretty Baby, de Louis Malle, contudo sem alcançar a grandiosidade daquela obra.
Nas mãos surpreendentemente hábeis do obscuro Mimmo Cattarinich, o drama de um nobre latifundiário mutilado na I Guerra -o personagem Paul, interpretado com brilho por Pierre Clémenti- ganha um contorno forte o suficiente para evitar o desperdício de uma idéia que facilmente poderia descambar à sarjeta do Soft-Porn. Paul, um homem amargurado e que só terá a verdadeira razão da sua angústia revelado aos momentos finais da fita, vê-se atraído por Eva (Katya Berger), bela pré-adolescente órfã de 12 anos que mora junto aos tios -os criados da mansarda- inspirando-lhe novo alento ao viver. O relacionamento, de início harmonioso, é ameaçado pela presença de um jovem cigano do circo que está passando nas cercanias do vilarejo.
Cattarinich logo se faz reconhecível por cinéfilos que se habituaram a identificar nos dramas do tipo, a inevitável vocação para a carga de chavões exigidos pelo gênero na época em que foi lançado: a estética de “sabonete” empregada através de planos esfumaçados, ritmo lento e longas seqüências sem diálogo -neste caso entrecortadas por uma trilha-sonora pré-New Age- cuja função será a de remeter à presença da menina.
Há sim uma clara intenção de expor um sutil erotismo, quando as reminiscências do oficial levam-no a tórridos encontros com mulheres do passado submetidas à sua volúpia; o mesmo princípio é utilizado para que o personagem de Katya Berger seja mostrado “au naturel”, contudo poupado de maiores exacerbações. Isto é o que faz de Picolle Labra a fita ideal para quem ainda enxerga em produções do tipo um mero pretexto para satisfazer a curiosidade.
De aspecto interessante, o filme só ganha consistência quando surge o elemento desaglutinador do casal e o infeliz Paul vê seu último sonho de felicidade desmoronar majestosamente. É a chance do bem colocado desfecho finalmente salvar Piccole Labra de uma pior avaliação.

Atenção!
A versão norte-americana do filme em VHS, corta nove minutos originais das cenas onde Katya Berger aparece nua.

Picolle Labbra
Direção: Mimmo Cattarinich
Com: Pierre Clémenti, Katya Berger, Michele Soavi
Duração: 86 min.
Meio: VHS
Distribuição: Indeterminada
Qualidade da Cópia Analisada: Péssima
Índice de Raridade: ***

Little Lips (1978)

A shattered dream

A romantic parable shows the tragedy of a redeeming passion at the last moments of the I World War

From the typical “coming-of-age” movies that shows the adolescence beginning through not always happy love histories, the Italic-Hispanic Picolle Labbra (Little Lips, on the Anglo-Saxon market), got the feat of becoming a cult even before even the video disappearing of the video stores in the 1980 years. By a distant comparison, the flick could have only a parallel in the Louis Malle´s classic Pretty Baby, however without reaching the grandiosity of that work.
At the hands surprisingly skilled from the obscure Mimmo Cattarinich, a nobleman landowner's drama mutilated on the I World War -the character Paul, brilliantly played by Pierre Clémenti -wins a strong contour enough to avoid the waste of an idea that easily was able to slide to the Soft-Porn drain. Paul, a sad man who only will have the true reason of his anguish revealed at the final moments from the flick, sees himself attracted by Eva (Katya Berger), a beautiful 12 years old orphan preteen that lives close to her relatives –the estate´s servants- inspiring him a new encouragement of living. The relationship, at the beginning harmonious, is threatened by a young gypsy from the circus that´s passing aroud the villa outskirts.
Cattarinich soon makes himself recognizable for moviegoers that became used to identify on the dramas of that kind, an inevitable vocation for the load of clichés demanded by the gender at those times when it was released: the soap “aesthetics” used through plans fog-filled, slow rhythm and long sequences without dialogue –on this case interrupted by a pre-New Age soundtrack- whose function will be to remember the girl's presence.
There is, of course, a clear intention to expose a subtle eroticism when the official's reminiscences take him to torrid encounters with women from the past submitted to his luxury; the same principle is used so that Katya Berger's character is shown “au naturel”, however, saved from larger exacerbations. This is what makes Little Lips the ideal flick for all who still sees in productions of this kind, a mere excuse to satisfy the curiosity.
Of interesting aspect, the film only wins consistence when the couple's unbolding element appears and poor Paul sees his last happiness dream majestically collapse. It´s the chance to the well-placed end save Little Lips of a worse evaluation.

Attention!
The VHS North American version cuts nine original minutes of the scenes where Katya Berger appears nude.

Picolle Labra
Direction: Mimmo Cattarinich
With: Pierre Clémenti, Katya Berger, Michele Soavi
Running Time: 86 min.
Media: VHS
Distribution: Undetermined
Quality of the Analyzed Copy: Terrible

Rarity Index: ***

O Ovo da Serpente (1978)

2007-08-26T00:31:00.001-03:00

Horror na alvorada nazista

Drama sombrio de Ingmar Bergman retrata a República de Weimar em trama de incidentes tortuosos

Unanimidade para a Crítica do século XX, Ingmar Bergman entrou nos anos 1970 como um dos maiores gênios do Cinema, após ter feito o nome com uma fieira de obras da estatura dos clássicos Morangos Silvestres e A Fonte e a Donzela. Para compreender O Ovo da Serpente, há que se contrapor os pesados exercícios psicólogicos do mestre sueco, ao que autores como Franz Kafka e George Orwell já preconizavam em seus amargos romances de ante-visão ao Holocausto. Por isso, a história do trapezista Abel Rosenberg -vivido por David Carradine- perpassa um misto de farsa, ironia e tragédia, combinados para um resultado aquém do esperado de um Bergman dos “velhos tempos”.
O filme, alternado por trechos curtos em “off”, começa com Rosenberg chegando a uma Berlim destroçada pela I Guerra, onde a Economia hiper-inflacionada alimenta a classe dominante judia, incubadora perfeita para aquecer o “ovo da serpente” nazista. Do encontro com a cunhada circense Manuela, surge o desenvolvimento da fita, rodada com as benesses hollywoodianas de um orçamento facilitado pelo gigantismo da Metro Goldwin Mayer. Falhas sucessivas tornaram O Ovo da Serpente difícil de digerir -uma constante da obra bergmaniana- ao mesmo tempo que fracassado no intuito de expressar o terror compartilhado pelos dois personagens centrais. Tanto Manuela (Ullmann) como Abel, parecem caricaturas do que se poderia esperar de caracterizações voltadas para um nível de instrospecção que ambos jamais chegam a aparentar.
Quando dão-se conta de estarem incluídos na terrível engrenagem cientificista do governo, reagem com esgares de terror e uma mal interpretada angústia, nada convincente para o que se esperava do mestre do intimismo psicológico. Decerto pressionado pelas contingências de bilheteria exigidas pelo estúdio, Bergman perdeu-se entre o nonsense de um denuncismo vão, anacrônico, que nada tem a ver com o esboço do thriller inicialmente pensado.
A lentidão da narrativa também faz com que o filme se torne mais e mais redundante, mesmo valorizado pela esplêndida fotografia de Sven Nykvist e o clima soturno mostrado pelo mestre, através de um sugestivo “chiaro-scuro” só quebrado por seqüências desnecessárias de Vaudeville. Como resultado, O Ovo da Serpente tornou-se um incômodo “patinho feio” na filmografia bergmaniana, digno de ser esquecido.

The Serpent´s Egg
Direção: Ingmar Bergman
Com: David Carradine, Liv Ullmann, Heinz Bennent
Duração: 129 min.
Meio: DVD
Distribuição: Metro Goldwin Mayer
Qualidade da Cópia Analisada: Excelente
Índice de Raridade: **

The Serpent´s Egg (1978)

Horror in the Nazi dawn

Gloomy Ingmar Bergman´s drama portrays the Weimar Republic in plot of tortuous incidents

Unanimity for the 20th century Critic, Ingmar Bergman entered the 1970 years as one of the biggest Cinema geniuses, after having made his name with a sequence of works from the classic Wild Strawberries and The Fountain and The Maiden stature. To understand The Serpent´s Egg, it´s imperative to oppose the Swedish master's heavy psychological exercises, to which authors like Franz Kafka and George Orwell already extolled on their bitter novels in face of a pre-vision to the Holocaust. Therefore, the trapezist Abel Rosenberg´s history -played by David Carradine- passes through a mix of farce, irony and tragedy, combined for a result far away from what was expected of an “old times” Bergman.
The movie, alternated by short pieces in “off”, begins with Rosenberg arriving in a Berlin destroyed by the I Wold War, where the hiper-inflated Economy feeds the dominant class of jews, a perfect incubator to heat up the “egg of the Nazi serpent”. From the meeting with his sister-in-law Manuela, rises the flick´s development, shot with the hollywoodian benefits of a budget facilitated by the Metro Goldwin Mayer gargantuanism. Successive flaws turned The Serpent´s Egg hard to digest -a constant of the bergmanian work- at the same time that unsuccessful on the intention of expressing the terror shared by the two central characters. So much Manuela (Ullmann) as Abel, seem caricatures than one could expect from characterizations faced to an instrospective level that both never get to look.
When they feel to be included in the government's terrible cientificist gear, they react with terror grimaces and a badly interpreted anguish, not convincing for what it was waited from the master of the psychological intimism. Certainly pressed by the cash box contingencies demanded by the studio, Bergman got lost among the nonsense of a denuncist void, anachronic, that nothing has to do initially with the sketch of the thriller thought.
The narrative slowness also does that the movies becomes more and more redundant, even valued by Sven Nykvist's splendid cinematography and the heavy atmosphere climate showed by the master, through a suggestive “chiaro-scuro” only broken for the unnecessary Vaudeville sequences. As result, The Serpent´s Egg became an unconfortable “ugly duckling” at the bergmanian philmography, worthy of being forgotten.

The Serpent´s Egg
Direction: Ingmar Bergman
With: David Carradine, Liv Ullmann, Heinz Bennent
Running Time: 129 min.
Half: DVD
Distribution: Meter Goldwin Mayer
Quality of the Analyzed Copy: Excellent

Rarity Index: **

More (1971)

2007-08-19T10:16:00.000-03:00

Transgressão: um jogo perigoso

Estréia de Barbet Schroeder é aventura existencialista com produção acima da média e excelente direção

A visão européia da Contracultura com seus anti-heróis do Flower Power envoltos em nuvens alucinógenas e um cáustico discurso libertário, gerou algumas obras cinematográficas de impacto, como o próprio clássico Blow Up, de Michelangelo Antonioni. Muito mais humanistas que certos criadores norte-americanos, os filhos do velho continente souberam afinar suas histórias pelo diapasão de um tipo de antropocentrismo expresso principalmente, na eterna busca do nômade por algo que se encontra além da simples fronteira geográfica.
Foi por esse caminho que decidiu seguir o alemão Barbet Schroeder neste More, de 1971, amarrado por uma produção luxuosa, que contou com a partitura do monstro sagrado psicodélico Pink Floyd junto à fotografia de Nestor Almendros, gênio na arte de transformar fotogramas em pintura de luz expressionista. A fita parte do jovem caronista Stefan Brückner, que chega a Paris decidido a experimentar um naco da liberdade compartilhada pela juventude da época. Não sabe ele que a amizade com um traficante estrangeiro o conduzirá a paixão por uma americana adepta do amor livre, cujo objetivo é encontrar o velho traficante alemão Ernesto Wolf, há muito refugiado no paraíso hedonista da Ilha de Ibiza.
Stefan e Estelle fogem do cerco de Wolf, habitando uma casa com vista para o azul do Mediterrâneo. Irremediavelmente atraído pelo estilo de vida naturalista da namorada, o viajante passa a experimentar todas as drogas do período, numa montanha-russa perigosa que desemboca no vício da heroína. Desintegra-se a relação do casal, até a antiga harmonia dar lugar ao caos de brigas violentas e o destino encarregar-se dos inevitáveis desdobramentos rumo à decadência.
Para tornar More mais digerível, Barbet Schroeder aproveitou o belíssimo cenário da Costa Sul européia, abusando de externas capturadas pela câmera de Almendros. Impressionante o distanciamento do realizador em relação ao par central, um tipo de frieza que seus parceiros de geração -Wim Wenders/Rainer Werner Fassbinder- ousariam imprimir ainda com maior precisão. Avesso à condescendência do público, ele reserva aos instantes finais seu momento de maior dramaticidade. À passagem dos créditos, resta o travo de um desfecho pouco palatável a quem esperava do filme uma mensagem redentora. “Romeu e Julieta”, para Schroeder, nem pensar...

Atenção!
Muito do interesse de More pode ser atribuído à música do Pink Floyd, cuja excelente trilha-sonora marcaria a carreira da banda.

More
Direção: Barbet Schroeder
Com: Mimsy Farmer, Klaus Grünberg, Heinz Engelmann
Duração: 117 min.
Meio: DVD
Distribuição: Doric Films
Qualidade da Cópia Analisada: Excelente
Índice de Raridade: **

Transgression: a dangerous game

Barbet Schroeder´s débùt is na existentialist adventure with above average production and excellent direction

The European Counterculture vision with its Flower Power anti-heroes wrapped up in hallucinogenic clouds and a caustic libertary speech, generated some works of cinematographic impact, like the Michelangelo Antonioni´s classic Blow Up. Much more humanists than certain North American creators, the old continent children knew how to tune their histories mainly for the pitch of a kind of expressed anthropocentrism, at the nomad's eternal search for something that´s beyond a simple geographical border.
It was by that way that the German Barbet Schroeder decided to go on this More, from 1971, tied by a luxurious production, that counted with the score of the psychedelic mammoth Pink Floyd next to Nestor Almendros's picture, a genius in the art of transforming frames in painting of expressionist light. The flick parts from the young hitchiker Stefan Brückner, who arrives in Paris decided to try a piece of freedom enjoyed by the youth of those times. He doesn't know that the friendship with a foreign trafficker will lead him to the passion for an American adept of free love, whose objective is to find the old German trafficker Ernesto Wolf, who has been sheltered on a lot in the hedonist paradise from the Ibiza Island.
Stefan and Estelle escape from the Wolf´s siege, sharing a house with a view for the Mediterranean blue. Hopelessly attracted by his girlfriend's naturalistic lifestyle, the traveller starts to try all the drugs from that period, in a dangerous helter-skelter ending on the heroine addiction. It dissolves the couple's relationship, until the old harmony gives place to the chaos of violent fights and the destiny takes charge of the inevitable unfoldings heading for decadence.
To turn More digestible, Barbet Schroeder took advantage from the beautiful European South Coast sets, abusing of landscapes captured by Almendros´ camera. Impressive the estrangement of the director in relation to the central couple, a kind of coldness that his partners of generation -Wim Wenders/Rainer Werner Fassbinder- would dare to print still with a larger precision. Contrary to the public's condescension, he reserves to the final moments its instant of more dramaticity. To the credits passage, remains a bitter taste for all who waited from the movie a redeeming message. “Romeo and Juliet”, for Schroeder, nor a thought...

Attention!
A lot of the interest on More can be attributed to Pink Floyd's music, whose excellent soundtrack would mark the band´s career.

More
Direction: Barbet Schroeder
With: Mimsy Farmer, Klaus Grünberg, Heinz Engelmann
Running Time: 117 min.
Media: DVD
Distribution: Doric Films
Quality of the Analyzed Copy: Excellent

Rarity Index: **

Vredens Dag (1943)

2007-08-12T17:07:00.000-03:00

Ódio em estado bruto

Clássico menosprezado de Dreyer é ensaio sobre a inveja ambientado no obscurantismo da Santa Inquisição

Carl Theodore Dreyer, mestre dinamarquês dos primórdios do Cinema, ficaria mais conhecido pela obra-prima A Paixão de Joana D´Arc (1928), cujas raízes impressionistas ajudou a fincar na cinematografia do século XX. Bem menos conhecido, Vredens Dag ( Dia da Ira) pode ser considerado seu momento de transição para as tramas de suporte dramático, menos comerciais, porém -11 longos anos após o excepcional Vampyr, de 1932- em harmonia com o estilo do mestre.
Rodado durante a ocupação nazista na Dinamarca, o filme se passa durante a época da Santa Inquisição, quando uma velha camponesa é julgada por pacto com o Demônio. Ela sabe, entretanto, que a mãe da bela Anna, atual esposa do poderoso juiz Absolom, o mesmo encarregado da sua sentença, absolvera a mãe da jovem algum tempo atrás. A posse e posterior divulgação pública do segredo não é o bastante para livrá-la da fogueira, o que precipita uma série de acontecimentos envolvendo o filho do religioso, agora apaixonado pela madrasta. Forma-se um triângulo amoroso germinado no caos, onde a presença da sogra de Anna será determinante no desenrolar do trágico desfecho.
Inequivocamente distante da facilidade narrativa que poderia garantir para a obra um lugar de proeminência na fimografia de Carl Thedore Dreyer, Vredens Dag é tecido sob a forma dos pesados exercícios filosóficos de Shakespeare, território fértil para a coexistência dos conflitos humanos. Nesse jogo, a montagem convencional é entregue à elaboradíssima sintaxe usada pelo realizador: o gradativo processo de sedução ao qual o personagem de Lisbeth Movin vai cedendo, acompanha plano a plano desse embate existencial. Inconscientemente, Anna passa a conduzir os rumos dos arquétipos da condição humana que compõem o lastro do argumento.
Do turbilhão de paixões canalizadas para o delta do amor dividido entre pai e filho -o severo Absolom consciente da provável inclinação afetiva do rebento com a mulher-Vredens Dag realimenta sua capacidade em prender o espectador até os últimos segundos. A fim de realçar as cores mais intensas da tragédia, Dreyer carrega na violência, no explícito do sangue, as quais muito poderiam ser próprias as seqüências de interrogatório. Nutrido da mesma seiva que legou as grandes realizações do Cinema ao status de “patimônio da humanidade”, a fita ganharia restauração primorosa por parte dos distribuidores norte-americanos, referencial de inconstestável importância para as novas gerações de cinéfilos.

Atenção!
Vredens Dag teve seu lançamento interrompido com a eclosão da II Guerra Mundial, mesmo sem qualquer referência ao conflito.

Vredens Dag
Diretor: Carl Theodor Dreyer
Com: Thorkild Roose, Lisbeth Movin, Sigrid Neilendam
Distribuição: Palladium Films
Duração: 97 min.
Qualidade da Cópia Analisada: Excelente
Meio: DVD

Índice de Raridade: **

Rough shaped hate

Dreyer´s underrated classic is an essay on the envy settled at the Inquisition obscurantism times

Carl Theodore Dreyer, Danish master from the Cinema origins, is better known by the masterpiece Joana D´Arc's Passion (1928), whose impressionist roots helped to fix on the 20th century filmography a mark. Much less known, Vredens Dag (Day of Ira) it can be considered his moment of transition for the support plots dramatic, less commercial, however -11 long years after exceptional Vampyr, 1932 - in harmony with the master's style.
Wheeled during the Nazi occupation in Denmark, the film happens during Santa Inquisition's time, when an old farmer is judged by pact with the Demon. She knows, however, that the mother of the beautiful Anna, the powerful judge's Absolom current wife, the same in charge of her sentence, had absolved the youth's mother some time behind. The ownership and subsequent public popularization of the secret is not enough to liberate her/it of the bonfire, what precipitates a series of events involving the son of the religious person, now impassioned by the stepmother. A loving triangle is formed, germinated in chaos, where Anna´s mother-in-law Anna presence will be decisive on the uncoiling of the tragic issue.
Unequivocally distant from the narrative easiness that could guarantee for the work a prominence place in Carl Thedore Dreyer´s filmography, Vredens Dag is woven under the form of Shakespeare's heavy philosophical exercises, a fertile territory for the coexistence of human conflicts. In that game, the conventional edition is given to the well-crafted syntax used by the director: the graddual seduction process to which Lisbeth Movin's character goes against, accompanies plan by plan from that existential collision. Unconsciously, Anna starts to lead the directions of the human condition archetypes which composes the argument´s ballast.
Out of this turmoil of passions driven to the love delta divided between father and son -the severe Absolom consciuous of the probably affective inclination of his fruit to the wife, both of them young- Vredens Dag refeeds its capacity to fasten the moviegoer until its last seconds. To contrast the most intense colors of the tragedy, Dreyer carries upon violence, on the explicitivity of blood, to which it could be seriously related the interrogatory sequences. Strenghtened with the same juice that gave to the big Cinema productions the “humanity heritage” status, the flick received a perfect restoration by the north-american distributors, a reference of undeniable importance to the new movielovers generation.

Atention!
Vredens Dag had its release interrupted with the II World War eclosion, even with no reference to the conflict.

Vredens Dag
Director: Carl Theodor Dreyer
With: Thorkild Roose, Lisbeth Movin, Sigrid Neilendam
Distribution: Palladium Films
Running Time: 97 min.
Quality of the Analyzed Copy: Excellent
Media: DVD

Rarity Index: **

Spermula (1976)

2007-08-05T13:22:00.000-03:00

Alienígenas de batom

Ficção-Científica une estética do Pornô Chique francês com manifesto feminista num futuro indeterminado

O chamado Pornô de Luxo ou “Softcore” respondia a uma fórmula bastante simples nos meados da década de 1970: abuso de filtro gaussiano (aquele velho efeito de sonho enevoado) com iluminação difusa e um cast de beldades européis da melhor qualidade. Inovador sob todos os aspectos, Charles Matton fez da sua primeira e única incursão na Ficção-Científica, um primor daquela técnica, resultando no cultuado Spermula.
Enredo mais absurdo não há: ameaçada pela proximidade de uma hecatombe que varrerá seu planeta do mapa em sete etapas de escuridão parcial, a civilização do planeta homônimo vê como salvação a Terra, onde os “spermulites” planejam fixar residência após a completa dominação da raça humana. Chegada a hora de executar o plano, a líder dos invasores envia um destacamento especial disfarçado de fêmeas determinadas a seduzir os machos terráqueos e por meio da sucção bucal (o tradicional “felattio”) drenar as energias masculinas até a extinção da espécie.
Matton foi esperto: valeu-se de um bizarro figurino inspirado pelos trajes futuristas do Metropolis de Fritz Lang e recheou a fita com seqüências recorrentes de nudez. Entre uma intervenção e outra das ordens da Big Mother em “off”, as deliciosas extraterrestres tentam levar o plano a cabo, até o momento em que a libido fala mais alto. Nem as ordens da responsável pela execução da estratégia na Terra -a spermulite Darlene (Dayle Haddon, esplendorosa)- é capaz de reverter o fracasso da empreitada, some-se a isto a presença de um semelhante andrógino de pênis minúsculo transformado em homem por engano (Udo Kier) e situações forçadas para deixar o filme com o ritmo dos musicais de Bob Fosse.
A fim de justificar a “superioridade racial” do planeta moribundo, Matton providenciou cenários luxuosos como base terrestre dos alienígenas que transitam de Rolls Royce por Paris, deitam-se preguiçosamente numa cama forrada de cetim e ostentam o estilo de vida dos milionários europeus da época. Óbvio que tantos entrechos só poderiam dar numa fita onde o nonsense impera do começo ao fim e a inverossimilhança chega a ser recurso narrativo para o realizador.
Fracasso de bilheteria ante contemporâneos de peso como Emanuelle (1974) e Madame Claude (1977), Spermula permaneceu fadado ao circuito alternativo dos “poeiras”, transformando-se em item de colecionador mais tarde elevado ao nicho dos cults.

Atenção!
Há uma versão do filme com a participação especial da ninfeta Eva Ionesco em mais um papel relâmpago.

Spermula
Direção: Charles Matton
Com: Dayle Haddon, Udo Kier, François Dunoyer
Duração: 103 min.
Meio: VHS
Distribuição:
Qualidade da Cópia Analisada: Ruim
Índice de Raridade: *****

Aliens on lipstick

Science-Fiction unites the French Porn Chic aesthetics with a feminist manifesto on an uncertain future

The so-called Luxury Porn or “Softcore” corresponded to a quite simple formula at the middles of the 1970´s decade: gaussian filter abuse (that old fogged dream effect) with diffuse illumination and a cast of european beauties of the best quality. Innovative under all aspects, Charles Matton did of his first and only incursion on the Science-Fiction, an excellence of that technique, resulting on the worshipped Spermula.
There´s no bigger absurd: threatened by the proximity of a hecatomb that will sweep their planet from the map in seven stages of partial darkness, the civilization of the homonymous planet sees as salvation the Earth, where the “spermulites” plan to make residence after the complete human race dominance. When the hour of executing the plan approaches, the invaders leader sends a special undercovered brigade of females to seduce the eathlings males and through buccal suction (the traditional “felattio”) drain the masculine energies until the extinction of the species.
Matton was smart: took a bizarre costume design inspired by the futurist clothes of Fritz Lang's Metropolis and stuffed his flick with appealing sequences of nakedness. Among an intervention or another of Big Mother orders in “off”, the delicious aliens try to take the plan to end, until the moment that the libido speaks higher. Nor the orders from the responsible for the strategy´s execution on Earth -the spermulite Darlene (Dayle Haddon, splendorous) - is able to revert the taskwork failure, added to this an androgynous creature of minuscule penis transformed in man by mistake (Udo Kier) and forced situations to turn the film on the Bob Fosse´s musical rhythm.
In order to justify the “racial superiority” of the dying planet, Matton provided luxurious sceneries as terrestrial base to the aliens, who rides on Rolls Royce around Paris, lie down lazylessly on a lined bed of satin and show the european millionaires lifestyle from those times. Obvious that so many takes could only give in a flick where the nonsense reigns from beginning to end and the unlikelihood gets to be a narrative resource for the moviemaker.
Cash box failure in confrontation of contemporaries like Emanuelle (1974) and Madame Claude (1977), Spermula resulted predestined to the alternative suburbia circuit, becoming a collector's item later elevated to the cults niche.

Attention!
There´s a movie version with the nymphette Eva Ionesco´s cameo in one more fast apparition.

Spermula
Direction: Charles Matton
With: Dayle Haddon, Udo Kier, François Dunoyer
Running Time: 103 min.
Media: VHS
Distribution: undetermined
Quality of the Analyzed Copy: Bad

Rarity Index: *****

Privilege (1967)

2007-07-29T12:07:00.001-03:00

Idolatria, semente do fim

Obra esquecida de Peter Watkins critica o poder da mídia através da ascensão de superstar imerso em problemas existenciais

O drama do mito idolatrado sempre perpassou a História do Cinema pelos mais diversos prismas, fosse através da fantasia extravagante de Ken Russell em Tommy, fosse à base do sarcasmo irresistível de Brian De Palma no magnífico O Fantasma do Paraíso ou de Alan Parker na adaptação cinematográfica para o álbum The Wall.
Retirar o objeto de culto da sua indecifrável redoma e colocá-lo a nu diante do espectador, como se a aparente superioridade do artista ruísse por trás do cruel reflexo de seu pretenso poder quando confrontado à solidão, foi tarefa do subestimado Peter Watkins, realizador inglês deste esquecido Privilege, sequer merecedor das atenções da crítica especializada no momento em que diversos títulos subestimados ganhavam destaque durante a onda revisionista verificada após o ano 2000.
A fita gira em torno do cantor Steven Shorter (Paul Jones, excelente), cujo carisma consegue catalisar a rebeldia juvenil por meio de performances incendiárias com o objetivo de induzir o público a descarregar frustrações e anseios de mudança. Ironicamente conformado ao saber-se instrumento do Governo da Inglaterra, o astro vê-se de repente, envolvido em outro plano que prevê uma falsa conversão à Igreja Católica e ao arrapendimento, numa espécie de dose cavalar de conformismo injetado no mesmo público que se habituara a idolatrar um verdaeiro ícone da inquietação. No dia marcado para uma homenagem que lhe seria feita em escala global, Shorter perde as estribeiras, declarando seu ódio reprimido para todo o mundo ouvir.
Influenciado pelo 1984 de George Orwell, Watkins fez um filme amargo, anti-comercial, onde o destaque vai para o cast acima da média, recrutado entre nomes do Cinema Inglês que só eram reconhecidos na esfera local da ilha. Definitivamente, o clima esfuziante da trajetória de Steven Shorter em contraposição ao seu irreversível processo de decadência, não torna Privilege fácil de digerir. Nos raros momentos em que o personagem se descontrai -graças à companhia da bela secretária Vanessa Ritchie, confidente e musa circunstacial- persiste a preocupação de ocultar sua face verdadeira, jamais definida como boa ou má.
A apreciação da fita anos após seu lançamento no psicodélico ano de 1967, prova que a eficácia do discurso político de protesto inserido na obra, jamais se tornaria ultrapassado. Louvável para um filme entregue à multiplicidade cultural da época.

Atenção!
O grupo Manfred Mann surge tendo Paul Jones como integrante (lead vocal) numa das seqüncias de histeria do público.

Privilege
Direção: Peter Watkins
Com: Paul Jones, Jean Shrimpton, Mark London
Duração: 103 min.
Meio: VHS
Distribuição: não determinada
Qualidade da Cópia Analisada: Péssima
Índice de Raridade: *****

Idolatry, the end´s seed

Peter Watkins´ forgotten work criticizes the media power through the ascension of a superstar immesed on existential problems

The drama of the myth always idolized, passed through Cinema History for the most several prisms, going from Ken Russell's extravagant fantasy in Tommy, to the tone of the irresistible sarcasm of Brian Of Palm in the magnificent The Ghost of Paradise or Alan Parker in the cinematographic adaptation for the album The Wall.
To remove the object of cult out of its undecipherable dome and to put it nude before the moviegoer, as if the apparent superiority of the artist crumbled behind the cruel reflex of his assumed power when confronted to the solitude, was at least a task of the underestimated Peter Watkins, English maker of this forgotten Privilege, worthy of the attentions of the specialized critic when several underestimated titles won prominence during the revisionist wave verified after the year 2000.
The flick shows the singer Steven Shorter (Paul Jones, excellent), whose charisma gets to catalyze the juvenile rebelliousness through sheer performances with the goal of inducing the public to discharge its frustrations and wills to change. Ironically conformed when knowing his use as an instrument for English Government, the star sees himself suddenly involved in other plan which foresees a false conversion to the Catholic Church and the repent, in a kind of horsy dose of conformism injected into the same public that had become used to idolize a true unquiety icon. At the date set for a homage that would be done for him on a global scale, Shorter goes nuts, declaring his repressed hate for everyone to hear.
Influenced by George Orwell´s 984, Watkins made an anti-coomercial, bitter movie, where the highlight goes to the above average cast, recruited among names of the English Cinema only recognized at the local island´s sphere. Definitively, the fuzzy atmosphere of Steven Shorter's path in opposition to his irreversible decadence process, doesn't turn Privilege easy to digestion. On the rare moments which the character relax -thanks to the pretty secretary Vanessa Ritchie, a confidant and circumstantial muse- persists the worry of hiding his true face, never defined as good or bad.
The flick´s appreciation years after its release in the psychedelic year of 1967, proves that the political protest inserted in the work, would never be surpassed. Praiseworthy for a movie delivered to the cultural multiplicity of those times.

Attention!
The band Manfred Mann appears, having Paul Jones as a member in one of the public hysteria sequence.

Privilege
Direction: Peter Watkins
With: Paul Jones, Jean Shrimpton, Mark London
Running Time: 103 min.
Media: VHS
Distribution: undetermined
Quality of the Analyzed Copy: Terrible
Rarity Index: *****

Glen And Randa (1971)

2007-07-22T01:51:00.000-03:00

Em busca de Metropolis

Fábula hippie empilha conceitos de Ficção-Científica “avant-garde” ilustrados por referências ao pós-psicodelismo

O mundo aprendeu a ser menos ingênuo quando as primeiras imagens da sangrenta Guerra do Vietnã conseguiram mobilizar a juventude dos países desenvolvidos em prol da mensagem pacifista inserida em obras como Hair e Godspell-A Esperança. Foi com esse ideal em mente, que o diretor underground Jim McBride trouxe às telas o panteísmo apocalíptico de Glen And Randa, para contar a jornada de um jovem casal em busca daquela que seria a cidade perfeita num cenário de completa destruição.
Randa (Shelley Plimpton) e o impulsivo Glen (Steven Curry), arquétipo da inquietação adolescente responsável pela ação do filme, peregrinam entre acampamentos de sobreviventes, ermos em ruínas e território inóspito, até encontrar um velhote misto de prestidigitador com showman itinerante. É ele, autodenominado The Magician, que irá abrir os olhos do rapaz, tentando dissuadí-lo da aventura de encontrar Metropolis (a mesma cidade do Superman, que Glen lera numa HQ despedaçada). Ignorando as advertências do guru, ele conduz a companheira por uma aventura cada vez mais sofrida, descobrindo um segundo homem, nômade pescador solitário, que abriga a ambos numa ruína à beira-mar, onde Randa poderá ter seu bebê em segurança.
A visão de McBride pode agradar aos amantes do chamado Cinema de Arte, pelo modo com o qual narra a aventura. Elementos como a nudez das primeiras seqüências e os takes em que Glen e Randa dissecam o próprio cavalo no desespero da fome, chegaram a chocar os órgãos censores da época, que sapecaram advertências classificatórias na fase de lançamento do filme. Mas a obra perdurou como um enigmático testamento da alvorada atômica, a aguardada hecatombe nuclear prevista nas profecias e preconizada pelos espectadores da Guerra Fria na década de 1970.
Despojado de qualquer traço de romantismo comercialesco (como A Lagoa Azul por exemplo), Glen And Randa é um filme seco, lento em algumas passagens, propositalmente vago. Portador da utopia de encontrar Metropolis custe o que custar, Glen grita os nomes de heróis do passado (a Mulher Maravilha, os Rolling Stones), ícones de uma história que jamais conhecera. O final desconcertante garante para a fita um lugar junto a exemplares do Cinema que expressaram semelhante desencanto pelo prisma do idealismo frustrado -Soylent Green, Capricórnio Um, 1984- todos tendo em comum o enfoque iconoclasta, reflexo da impotência perante a estupidez humana.

Atenção!
Curry e Plimpton haviam feito parte do musical Hair, sucesso absoluto da Contracultura nos palcos do mundo.

Glen And Randa
Direção: Jim McBride
Com Steven Curry, Shelley Plimpton, Woodrow Chambliss
Duração: 94 min.
Meio: DVD
Distribuição: UMC Pictures
Qualidade da Cópia Analizada: Razoável
Índice de Raridade: ***

In search of Metropolis

Hippie fable piles up concepts of “avant-garde” Science-Fiction pictured by references to the after-psychedelia

The world learned how to be less naive when the first images of the bloody Vietnam War got to mobilize the youth of the advanced countries on the behalf of the pacifist message inserted in works like Hair and Godspell. With that ideal in mind, the underground director Jim McBride brought to the screens the apocalyptic pantheism of Glen And Randa, telling the journey of a young couple in search of what would be the perfect city in a scenery of complete destruction.
Randa (Shelley Plimpton) and the impulsive Glen (Steven Curry), archetype of the adolescent anxiety responsible for the movie action, among survival camps, wilderness in ruins and inhospitable territory, until finding an old man mix of magician with itinerant showman. It´s him, The Magician, who will open the boy's eyes, trying to discourage him of the adventure of finding Metropolis (the same Superman city, which Glen had read on a tore comics magazine). Ignoring the guru's warnings, he leads his companion more and more for an adventure of misery, discovering a second man, nomadic solitary fisherman, who shelters both of them in a ruin by the seashore, where Randa can have her baby in safety.
The vision of McBride can please the lovers of the so called Art House, for the way he narrates the adventure. Elements as the nakedness of the first sequences and the takes on which Glen and Randa dissect their own horse on the hunger´s despair, shocked the censorship departments from those times, that applied classificatory warnings at the movie´s release phase. But the work lasted like an enigmatic testament of the atomic dawn, the expected nuclear hecatomb foreseen in the prophecies and extolled by the spectators of the Cold War on the 1970 decade.
Away from any line of popular romanticism (like The Blue Lagoon for instance), Glen And Randa is a dry film, slow in some passages, intentionally vague. Bearer of the utopia on finding Metropolis at any cost, Glen screams the names of heroes from the past (The Wonder Woman, The Rolling Stones), icons of a history that he never knew. The disconcerting endind guarantees for the flick a place next to the Cinema which expressed a similar disillusion by the frustrated idealism prism -Soylent Green, Capricorn One, 1984- all having in common the iconoclast focus, an impotence reflex of the human impotence.

Attention!
Curry and Plimpton had been part of the musical Hair, an absolute Counterculture success at the world´s stages.

Glen And Randa
Direction: Jim McBride
With Steven Curry, Shelley Plimpton, Woodrow Chambliss
Running Time: 94 min.
Media: DVD
Distribution: UMC Pictures
Quality of the Analyzed Copy: Reasonable

Rarity Index: ***

Artisten in der Zirkuskuppel: die Ratlos (1968)

2007-07-15T12:33:00.000-03:00

Circo, metáfora do passado alemão

Raríssimo exercício cerebral de Alexander Kluge demonstra todo o hermetismo de um criador voltado para o seu tempo

Para as leis do universo circense, conceitos como sobrevivência, crueldade e nomadismo sempre fizeram parte de um estilo de vida que existe paralelamente à realidade gregária das cidades com suas leis e costumes, o chamado “status quo” da normalidade. O circo de concepção diversa a este panorama, idealizado por Alexander Kluge -o mais radical rebento de uma geração formada por gênios que se projetaram além do circuito de arte germânico, caso de Reiner Werner Fassbinder e Werner Herzog- contrariava os preceitos do tradicionalismo, propondo-se radicalmente avesso ao convencional. Foi por isso talvez, que o lançamento de Artisten in der Zirkuskuppel: die Ratlos na Europa de 1968, chocou mesmo aqueles embriagados pela atmosfera libertária do período.
O roteiro assinado por Kluge, mostra o que a jovem empresária Leni Peickert é capaz de fazer ao decidir montar um circo de proposta simbolista com referências veladas ao passado alemão: desafiando conceitos clássicos do espetáculo há séculos desenvolvido por artistas das mais diversas nacionalidades, Leni projeta uma ousada encenação que vira de cabeça para baixo as convenções de quem encontra pela frente.
Ao estilo dos brasileiros autores do revolucionário Cinema Marginal, Alexander Kluge desrespeita a montagem acadêmica das seqüências ordenadas cronologicamente, armando um “puzzle” vigoroso de entrechos contundentes, onde takes do III Reich surgem amparados por trechos de Yesterday (cantados em Italiano!), adestramento e longas negociações entre a moça e seus pretensos colaboradores. Figuras do passado de Leni vão ajudando a compor um mosaico de nuances emocionais contraditórias em sobreposição ao revisionismo crítico do realizador expresso por contundentes inserções reais que deixam Artisten in der Zirkuskuppel: die Ratlos ao nível de um semi-documentário extemporâneo.
O filme tem seu andamento ditado por interrupções de uma voz feminina em “off” encarregada de situar a protagonista no único fio de linearidade providenciado para o espectador. Apenas mais um dos recursos de um filme que faz as obra mais complexas de Ozu, Bergman ou Tarkovsky parecerem ingênuas histórias da Carochinha. Uma estocada dilacerante no ventre do conformismo estético, orquestrada com habilidade pelo gênio alemão imerecidamente jamais reconhecido como tal.

Atenção!
A atriz Hanellore Hoger (Leni Peickert) teria uma bem-sucedida carreira na TV alemã, tornando-se bastante popular em seu país.

Artisten in der Zirkuskuppel: die Ratlos
Direção: Alexander Kluge
Com: Hanellore Hoger, Sigi Graue, Alfred Edel
Duração: 104 min.
Meio: VHS
Distribuição: Kairos-Film
Qualidade da Cópia Analisada: Péssima
Índice de Raridade: *****

The Artist In The Circus Dome (1968)

Circus, a metaphor of the German past

Rare cerebral exercise of Alexander Kluge demonstrates all the hermetism of a creator turned upon his time

By the laws of the circus universe, concepts like survival, cruelty and nomadism were always part of a lifestyle that exists parallel to the gregarious reality of the cities with its laws and habits, the so called normality “status quo”. The circus of conception diverse from this scenario, idealized by Alexander Kluge –the most radical burst from a generation formed by geniuses that were projected besides the Germanic Art House circuit, case of Reiner Werner Fassbinder and Werner Herzog- thwarted the traditionalism precepts, radically intending contrary to the conventional. It was perhaps for that, that the release of The Artist In The Circus Dome in Europe on 1968, shook even those intoxicated by the freedom atmosphere from that era.
The screenplay signed by Kluge, shows what the young entrepreneur Leni Peickert is able to do when deciding to set up a circus of simbolist proposal with veiled references to the German past: challenging classic concepts of the show for centuries developed by artists from the most several nationalities, Leni projects a daring staging that turns upside down conventions of those who she finds on her way.
Set à lá the revolutionary Marginal Brazilial Cinema authors style, Alexander Kluge disrespects the academic edition of chronologically sequences, preparing a vigorous puzzle of contusing u-turns, where takes of the III Reich appear aided by takes of Yesterday (sung in Italian!), training and long negotiations between the girl and her assumed collaborators. Figures from Leni´s past help to compose a mosaic of contradictory emotional tones in superposition to the critical revisionism of the director expressing contusing real inserts that makes The Artist In The Circus Dome on the level of a extemporary semi-documentary.
The film has its course dictated by interruptions of a feminine voice in “off” in charge of placing the protagonist at the only linearity thread provided for the moviegoer. Just one of the many resources from a movie that makes the most complex works of Ozu, Bergman or Tarkovsky seem naive fairy tales. A ripping thrust on the womb of the aesthetic conformism, orchestrated with ability by the German genius unfairly never recognized as such.

Attention!
Actress Hanellore Hoger (Leni Peickert) would have a successful career on the German TV, becoming quite popular in her country.

Artisten in der Zirkuskuppel: die Ratlos
Direction: Alexander Kluge
With: Hanellore Hoger, Sigi Graue, Alfred Edel
Running Time: 104 min.
Media: VHS
Distribution: Kairos-Film
Quality of the Analyzed Copy: Poor

Rarity Index: *****

Clean, Shaven (1995)

2007-07-08T20:09:00.000-03:00

O preço da paranóia

Esquizofrenia e auto-destruição combinam-se para o pior em um dos mais perfeitos cults sobre a obsessão

A cinematografia norte-americana underground, com sua galeria de mitos estradeiros, heróis marginais e o eterno pendor para as aventuras inconseqüentes, deu em personagens que se encontram no limite entre a sanidade mental e o desequilíbrio controlado, fulcro da pequena obra-prima Clean, Shaven.
Celebrado no circuito alternativo e alçado ao panteão dos cults quase uma década depois, o filme acompanha alguns dias na vida do obcecado Peter Winter, recém-liberado de um asilo, cujo aparente objetivo é resgatar a filha do lar onde atualmente vive com uma família adotiva. Winter decide seguir os passos da menina, observado de perto por um arguto investigador atraído pela série de crimes bárbaros atribuídos a ele e que estão aterrorizando o interior dos Estados Unidos. A exemplo do Sling Blade de Billy Bob Thornton -outra gema relegada ao esquecimento- o tratamento dado a Clean, Shaven por Kerrigan, permite que o espectador acompanhe o processo esquizofrênico do personagem central, sem os cacoetes moralistas do Cinema comercial da época, palco de heróis e bandidos vistos maniqueisticamente.
Para apoiar a ação de Peter Winter, foi providenciada uma “trilha-sonora” composta por estática de rádio, conversas paralelas em background e ruídos industriais, um conturbado universo mental regido por absoluta paranóia. Raros são os diálogos inseridos no roteiro, primor de concisão e foco narrativo estável sobre a imagem do homem em função das circunstâncias. Inimigo da própria imagem que tenta impedir para si mesmo a qualquer custo (jornais, fita-adesiva, espelhos eliminados) Winter atravessa um tortuoso labirinto de auto-mutilação, ao imaginar que carrega consigo dois chips implantados na unha do dedo médio e no alto do couro cabeludo, impressão confessada à filha numa das últimas seqüências. Meticulosamente “limpo e barbeado”, é presa fácil da ansiedade que guia seus atos, mesmo escondido no aconchego do automóvel que lhe serve de veículo e residência.
Esse abrigo transitório, levado aos confins de cada parada erma, transforma-se num só organismo perpetuador da tortura solitária atravessada por um Winter cada vez mais perturbado. Clean, Shaven foi encarado como um estudo da obsessão em estágio avançado, parábola de solidão e agonia contada sem artifícios inverossímeis. Mérito do inspirado Kerrigan em seu impactante produto.

Atenção!
Clean, Shaven levou dois anos para ser rodado, até a visão do diretor ser plenamente correspondida.

Clean, Shaven
Direção: Lodge Kerrigan
Com: Peter Greene, Alice Levitt, Megan Owen
Duração: 79 min.
Meio: DVD
Distribuição: DSM III
Qualidade da Cópia: Boa
Índice de Raridade: **

The paranoia price

Schizophrenia and self-destruction combine for the worst in one of the most perfect cults on obsession

The North-American underground cinematography, with its gallery of roadrunners myths, marginal heroes and the eternal inclination for inconsequent adventures, gave in characters there are on the limit between mental sanity and controlled unbalance, fulcrum of the small masterpiece Clean, Shaven.
Celebrated in the alternative circuit and later almost raised to the cults pantheon one decade after, the movie accompanies some days in obsessed Peter Winter´s life, recently-liberated of an asylum, whose apparent objective is to rescue his daughter from the home where now she lives with an adoptive family. Winter decides to follow the girl's steps, closely observed by a subtle investigator attracted by the series of barbaric crimes attributed to him and that are terrifying the United States country. Like the sample of Billy Bob Thornton´s Sling Blade -other yolk relegated to oblivion- the treatment gave by Kerrigan to Clean, allows the moviegoer to accompany the central character's schizophrenic process, without the moralist vision of the commercial Movies from those times, a stage of heroes and thieves maniqueistically seen.
To support Peter Winter´s action, a “soundtrack” was composed by radion stati, parallel chats in background and industrial noises, a disturbed mental universe governed by absolute paranoia. Rare are the dialogues inserted on the screenplay, an excellence on conciseness and stable narrative focus on the man's image aboard the circumstances. Enemy of his own image that he tries to block for himself at any cost (newspapers, stickers, eliminated mirrors) Winter crosses a tortuous self-mutilation maze, when imagining that he carries inside himself two chips implanted on the middle finger´s nail and at the high of his scalp, an impression admitted to the daughter in one of the last sequences. Meticulously “clean and shaved”, he´s an easy prey of the anxiety that guides his acts, even hidden on the shelter of the automobile that serves him like vehicle and residence.
That transitory place, took to the boundaries of each solitary stop, becomes on a unique organism conductor of the solitary torture crossed by a Winter more and more disturbed. Clean, Shaven was faced as a study of the obsession in advanced stage, a parable of solitude and agony told without unlikely artifices. A merit of an inspired Kerrigan on his shattering product.

Attention!
Clean, Shaven took two years to be shot, until the director's vision being fully corresponded.

Clean, Shaven
Direction: Lodge Kerrigan
With: Peter Greene, Alice Levitt, Megan Owen
Running Time: 79 min.
Media: DVD
Distribution: DSM III
Quality of the Copy: Good

Rarity Index: **

Mistérios do Organismo (1971)

2007-07-01T01:35:00.000-03:00

A ditadura do orgasmo

Alegoria de protesto com nuances de documentário provocou obra controversa do sérvio Dusan Makavejev

Difícil identificar os poucos países nos quais W.R. - Mistérios do Organismo, lançado em 1971, não enfrentou problemas com a Censura. Sardônico, contundente e por demais hermético para os padrões da cinematografia ocidental, o filme conquistou a Crítica da época, trazendo ao seu realizador o status de cineasta de linguagem complexa e anti-comercial. Na verdade, W.R. são as iniciais do psicanalista austríaco Wilhelm Reich, notabilizado pela associação do orgasmo com a capacidade para se obter desta energia benefícios que estariam além da compreensão humana.
Reich bolou um tipo de “máquina geradora do prazer” (o polêmico Orgone Acumulator), cuja estrutura de caixote reservava ao usuário a oportunidade de fruir dos maravilhosos efeitos decorrentes da descarga de prazer fosse via masturbação ou ato sexual. O objetivo de Makavejev na primeira meia hora do filme, é inserir o espectador numa espécie de documentário ilustrado por depoimentos de gente que conviveu com o gênio, habitantes da cidadezinha norte-americana onde se exilou após a fuga da ditadura bolchevique, colegas de experimentos, simpatizantes e opositores.
São inseridas performances de grupos artísticos, sketches aleatórios nos quais a sexualidade é pintada como componentes indissociável da liberdade e um tênue fio narrativo dedicado a duas moças liberais em plena Cortina de Ferro dos anos 1960, quando a antiga União Soviética vivia sob o peso da mentalidade stalinista. Desse mosaico abstrato, sincopado por feéricas explosões de euforia, gozo e sofrimento -vide as chocantes imagens de eletro-choques reais em pacientes de um manicômio- Makavejev espreme o sumo de uma verdade que já estava implícita nos estudos do mestre austríaco perseguido pelo conservadorismo tacanho das correntes tradicionalistas: a potência do orgasmo, se manipulada, seria capaz de mudar o mundo, alterar o comportamento das sociedades e concretizar a utopia de uma civilização onde o significado mais próximo da doutrina comunista libertar-se-ia do jugo histórico de opressão ao qual terminou sendo associado.
Por vezes incômoda, a fita celebra a supremacia do falo (na seqüência onde o membro de um modelo é moldado em gesso para reprodução em tamanho natural), expande os conceitos da heterossexualidade e ataca o totalitarismo, o rancor e a hipocrisia. Pouco entretanto restou para que as futuras gerações a partir dali aprendessem de fato a lição.

Atenção!
Falado em Inglês e Servo-Croata, o filme influenciaria o cult Natural Born Killers, de Oliver Stone

W.R. – Misterije Organizma
Diretor: Dusan Makavejev
Com Milena Dravic, Ivica Vidovic, Jagoda Kaloper
Duração: 85 min.
Meio: DVD
Distribuição: Neoplanta Film
Qualidade da Cópia Analisada: Razoável
Índice de Raridade: ****

W.R. - Mysteries Of The Organism (1971)

The orgasm dictatorship

Protest allegory with documentary nuances provoked the controversial work of the Serbian Dusan Makavejev

It´s hard to identify the few countries on which W.R. - Mysteries Of The Organism, released in 1971, didn't face problems with Censorship. Sardonic, contusing and for many much hermetic by the patterns of the western cinematography, the film conquered the Critic of those times, bringing to its maker a film director of complex and anti-commercial language status. Actually, W.R. are the Austrian psychoanalyst's Wilhelm Reich initials, made known by the association of the orgasm with the capacity to obtain from this energy benefits that would be beneath human understanding.
Reich planned a kind of “machine generator of pleasure” (the controversial Orgone Acumulator), whose box structure reserved to the user the opportunity to own the wonderful current effects of the pleasure discharge that goes through masturbation or the sexual act. The objective of Makavejev on the first movie´s half hour, is to insert the moviegoer in a kind of documentary ilustrated by persons that lived together with the genius, inhabitants of the North American town where he was exiled after the escape from the Bolshevik dictatorship, friends of experiments, sympathetics and opponents.
Performances of artistic groups are inserted, aleatory sketches on which sexuality is painted as an intimate component of freedom and a thin narrative line dedicated to two liberal girls at the middle of the Iron Curtain on the 1960 years, when the old Soviet Union lived under the weight of the Stalinist mentality. From this abstract mosaic, syncopated by frantic euphoria explosions, joy and suffering -see the shocking images of real eletro-shocks in patients from an insane asylum- Makavejev squeezes the juice of a truth that was already implicit at the austrian master's studies pursued by the short conservatism of the traditionalistic currents: the power of orgasm, if manipulated, it would be capable to change the world, to alter the behavior of societies and to render the utopia of a civilization where the closest meaning to the communist doctrine would be freed of the historical yoke of oppression to which it ended associated.
Sometimes disgusting, the flick celebrates the phallus supremacy (in the sequence where the member of a model is molded in plaster for reproduction in natural size), expands the concepts of heterossexuality and attacks totalitarianism, the fury and the hypocrisy. Just a bit survived remained so that the future generations starting from there learned the lesson in fact.

Attention!
Spoken in English and Servant-Croatian, the movie would influence the Natural Born Killers cult, by Oliver Stone

W.R. – Misterije Organizma
Director: Dusan Makavejev
With Milena Dravic, Ivica Vidovic, Jagoda Kaloper
Running Time: 85 min.
Media: DVD
Distribution: Neoplanta Film
Quality of the Analyzed Copy: Reasonable

Rarity Index: ****

Race With The Devil (1975)

2007-06-24T20:41:00.000-03:00

Inferno no meio do nada

Road Movie põe casais em pé de guerra com seita satanista de caipiras no interior norte-americano

As inóspitas paragens americanas das estradas empoeiradas e habitantes nada hospitaleiros do “country”, sempre deram em roteiros de aventura para road movies temperados com violência e -nem sempre- criatividade. Não foi este o caso do excelente Race With The Devil, gema perdida dos anos 1970 que acabou sendo redescoberto por revisionistas e caçadores de preciosidades daquele período.
Dirigido pelo desconhecido Jack Starret, o filme narra o pesadelo de dois casais que decidem partir para uma aventura no Meio-Oeste americano a bordo de um sofisticado trailer equipado com tudo o que de mais moderno havia na época. Ao estacionar em localidade paradisíaca, o grupo testemunha insólito ritual de Magia Negra onde mocinha é sacrificada perante figuras encapuçadas e toda a sorte de elementos caractéristicos das seitas satanistas. Flagrados em plena celebração, os integrantes do macabro festim decidem dar cabo dos xeretas, perpetrando toda a sorte de armadilhas ao longo do caminho de volta para a suposta segurança. No trajeto, a denúncia ao xerife local -justamente o lídero do culto- e seus asseclas propociona o suspense que torna a fita cada vez mais interessante.
Race With The Devil foi lançado quando os “filmes-catástrofe” estavam em pleno auge, fazendo dos roteiros que transformavam hecatombes da natureza e grandes acidentes em hits imediatos de bilheteria. Na contra-mão daquela onda de blockbusters, coloca o personagem de Peter Fonda -ícone da geração Flower-Power graças ao cult Sem Destino- mais como personagem coadjuvante à ação do destemido Frank Stewart, vivido por Warren Oates. De ritmo acelerado, a produção conta com direção de punho forte, montagem espetacular e soluções que se aproximam do verossímil, à exemplo do clássico campestre Amargo Pesadelo (Deliverance, de 1972).
Ao contrário do que se verificou no Cinema de Ação das décadas posteriores, Race With The Devil não apresenta a violência gratuita como forma de sublimar falhas eventuais do argumento: cada confronto tem uma razão de ser bem fundamentada, embora as duas companheiras dos “heróis” apresentem visíveis erros de constituição, como peças decorativas do estereótipo “mulher-frágil-à-deriva-das-circunstâncias”. Com desfecho inesperado e um cast de apoio acima da média, o filme representa uma exceção à regra dos surrados conflitos de estrada.

Atenção!
O diretor Jack Starret surge numa ponta como um frentista de beira-de-estrada e virtual integrante da seita.

Race With The Devil
Direção: Jack Starret
Com: Peter Fonda, Warren Oates, Loretta Swit
Duração: 88 min.
Meio: DVD
Distribuição: Anchor Bay
Qualidade da Cópia Analisada: Excelente
Índice de Raridade: **

Hell at the middle of nowhere

Road Movie puts couples at war with a satanist sect of hillbillies in the North American country

The inhospitable American spots of dusty highways and the country´s aggressive inhabitants, always made adventure screenplays for road movies spiced with violence and -nor always- creativity. It was not the case of the excellent Race With The Devil, a lost yolk from the 1970 years that ended being rediscovered by revisionists and hunters of preciousness from that period.
Directed by the unknown Jack Starret, the movie narrates the nightmare of two couples that decide to leave for an adventure on the American Middle-west on board of a sophisticated trailer equipped with everything of most modern at those times. When parking at an idilical place, the group witness an unusual black magic ritual where a girl is sacrificed before hooded figures and all the kinds of elements of the satanist sects. Caught in the middle of the celebration, the members of the macabre party decide to terminate the spies, perpetrating all the kind of traps along the way back for the supposed safety. Along the itinerary, the accusation to the local sheriff -just the cult leader- and his accolytes, give the thriller that turns the flick more and more interesting.
Race With The Devil was released when the “disaster-movie” was at the middle of the peak, doing from the screensplays that transformed Nature hecatombs and great accidents in immediate box office hits. On the opposite way of that blockbusters wave, it places the Peter Fonda´s character -an icon from the Flower-Power generation thanks to the cult Easy Rider- more like a supporting element to the action of the fearless Frank Stewart, lived by Warren Oates. Of fast rhythm, the production counts with a strong direction, spectacular edition and solutions approaching to the probable, like the rural classic Deliverance, 1972.
Unlike what was verified on the Action Cinema from the subsequent decades, Race With The Devil doesn't present free violence as a form of exalting eventual argument flaws: each confrontation has a well based reason, although the two “hereos” companions present visible constitution errors, like ornamental pieces of the “fragile-woman-drift-to-circumstances” stereotype. With an unexpected issue and a supporting cast above the average, the movie represents an exception to the rule of the rotten highway conflicts.

Attention!
The director Jack Starret appears like an off-the-road gas station attendant and virtual sect´s member.

Race With The Devil
Direction: Jack Starret
With: Peter Fonda, Warren Oates, Loretta Swit
Running Time: 88 min.
Media: DVD
Distribution: Anchor Bay
Quality of The Analyzed Copy: Excellent

Rarity Index: **

Shadows (1959)

2007-06-17T00:42:00.000-03:00

A América em preto-e-branco de Cassavetes

Filme inaugural do realizador é crônica amarga de costumes fotografada sem os meio-tons da hipocrisia

John Cassavetes, ator, dramaturgo e cineasta de múltiplas facetas, rodou seu primeiro filme em uma América de contrastes raciais indissociáveis do perfil segregacionista daquela sociedade. A espinha-dorsal de Shadows é o dia-a-dia de um grupo de amigos novaiorquinos da classe-média baixa, onde ocorre um triângulo amoroso entre mocinha mestiça, negro boa-praça e um almofadinha underground interessado em levá-la para a cama. Ao conhecer a família da garota, o jovem racista vê diante de si o dilema de precisar decidir ou não pela continuidade do namoro ou esquecê-lo para sempre.
De montagem magistral e câmera nervosa, o filme transcorre sobre closes recorrentes dos grupos e personagens, colocando o espectador no epicentro de narrativas em paralelo contadas num ritmo febril. Deliciosamente vulgar e propensa ao assédio dos dois amantes que lhe fazem a corte, a provocante Lelia pouco se dá conta de que seu jogo cruel entre eles irá aos poucos envolver o restante da família, até a ameaça de desintregação do lar. A impostura da moça, cujo passaporte para o mundo “branco” poderá ser garantido pela união com o namorado da suposta elite, cai por terra quando seus irmãos decidem intervir na dissolução da farsa, protagonizando confrontos nos quais a tensão praticamente salta da tela.
Shadows é movido a um fulgurante score jazzístico, com cenografia “beatnick” expressa através da indumentária do excelente cast magnificamente dirigido pelo mestre. Esse retrato fiel ao submundo novaiorquino, na alvorada dos anos 1970 cantado por artistas como Lou Reed e o comediante Lenny Bruce, parece motivar a fibra raçuda dos tipos vistos no filme, dos inferninhos enfumaçados, apartamentos minúsculos caindo aos pedaços e toda a sorte de gente envolvida com o mundo do crime.
Quase não há espaço para a divagação existencialista, a pausa pensativa à janela, na medida em que Cassavetes põe a nu sua galeria crudelíssima de temperamentos explosivos, sem chances para qualquer tipo de condescendência. É mais uma amostra do que o Cinema anti-comercial norte-americano foi capaz de produzir quando a Indústria Hollywoodiana apostava nos épicos históricos e musicais grandiloqüentes. Uma obra que poderia ser classificada como “noir-hardcore”, bem distante do que as platéias convencionais gostariam de ver à época. Mais que objeto de estudo, a prova definitiva da perícia de John Cassavetes por trás das câmeras.

Atenção!
A observação final de que o filme seria um “improviso”, ainda intriga aos críticos e pesquisadores da obra.

Shadows
Direção: John Cassavetes
Com: Lelia Goldoni, Rupert Crosse, Hugh Hurd
Duração: 81 min.
Meio: DVD
Distribuição: Geneon (Pioneer)
Qualidade da Cópia Analisada: Boa
Índice de Raridade: ***

Cassavete´s black-and-white America

The moviemaker´s débùt is a bitter chronic of habits photographed without hypocrit semitones

John Cassavetes, actor, screenplayer and film director of multiple facets, shot his first movie on an America of racial contrasts unseparated from the segregational profile of that society. The spinal-chord of Shadows is, so, the day-by-day of a group of new yorker friends from the low middle-class, where a loving triangle among an afro-american girl, a sweet nigger and a fake playboy interested on taking her to bed. When knowing the girl's family, the young racist sees before himself the dilemma of needing to decide or not for the date´s continuity or to forget it forever.
Of magisterial edition and a nervous camera, the film elapses on appealing group and characters closes, placing the moviegoer at the epicenter of narratives in parallel counted on a feverish rhythm. Deliciously vulgar and ready to accept the two lovers' proposals, the provocative Lelia barely feels that her cruel game among them will involve the rest of the family piece by piece, `til the threat of the house´s desintegration. The girl's masquerade, whose passport for the “white” world can be guaranteed by the union with the supposed elite´s boyfriend, crashes when her siblings decide to intervene in the dissolution of the farce, playing confrontations on which the tension practically jumps out of the screen.
Shadows is moved by a blazing jazzy score, with the “beatnicks” set expressed through the costumes of the excellent cast magnificently directed by the master. That picture faithful to the new yorker underground, at the dawn of the 1970´s sung by artists like Lou Reed and the comedian Lenny Bruce, seems to motivate the hard fiber of the kinds seen on the movie, from smokey ballrooms, tiny apartments falling to pieces and all the kind of people involved with the world of crime.
There is hardly space for the existentialist digression, the thoughtful pause to the window, as Cassavetes puts to naked his crude gallery of explosive tempers, with no chances for any kind of condescension. It´s one more sample than the North American anti-commercial Cinema was capable to produce when the Hollywoodian Industry was betting on the historical epics and grandiloquent musicals. A work that could be classified as “noir-hardcore”, very far from what the conventional audiences would like to see at those times. More than an object of study, the definitive proof of John Cassavetes's expertise behind the cameras.

Attention!
The final observation that the film would be an “improvising”, still intrigues the work´s critics and researchers.

Shadows
Direction: John Cassavetes
With: Lelia Goldoni, Rupert Crosse, Hugh Hurd
Running Time: 81 min.
Media: DVD
Distribution: Geneon (Pioneer)
Quality of the Analyzed Copy: Good

Rarity Index: ***

Funny Games (1997)

2007-06-10T11:07:00.000-03:00

Violência sem causa aparente

Ponto alto de Michael Haneke mostra família austríaca vítima de dupla insana em show de metalinguagem

Cineasta de múltiplas facetas, mas particularmente centrado sobre a classe média da Nova Europa pós-queda do Muro de Berlim, o alemão Michael Haneke apresentou esta obra-prima em 1997, subvertendo os limites do thriller tradicional pelo exercício da meta-linguagem com o próprio espectador.
Funny Games se passa numa luxuosa casa de campo, onde pai, mãe e filho pretendem descansar após viagem de carro. Batem-lhes à porta um rapaz aparentemente bem-intencionado ao qual junta-se um parceiro psicótico de maneiras polidas e queda pelo sadismo mórbido. Ambos transformam a noite da família num inferno, onde tortura lenta, ironia e brincadeiras infrutíferas de adivinhação, conduzem a um clímax extremamente violento, de pontuação linear e instigantes surpresas a cada reviravolta.
Usando de uma dinâmica de insidiosa perícia nos diálogos entre o personagem do delinqüente Paul (Arno Frisch, estupendo) e o casal Anna/Georg (Susanne Lothar/Ulrich Mühe) Haneke ignora qualquer noção de humanidade, descrevendo a crueldade ritualística dos agressores em ritmo de comportada parábola sobre o relacionamento das vítimas. Paul e Peter -que teóricos mais imaginativos poderiam interpretar como referências aos apóstolos de Cristo- fogem aos estereótipos conhecidos do Cinema norte-americano, cuja motivação ao crime geralmente é tratada sob uma ótica maniqueísta, de inevitável punição para contentamento das platéias.
Por isso o filme não se atém aos conceitos formulaicos do “mocinho tratado como mocinho, bandido tratado como bandido”. De estética fria e contida ao economizar no grafismo requerido às seqüências de maior impacto, a direção mantém o interesse num incômodo crescente, segredo do autor para livrar Funny Games dos chavões habituais. Todo-poderoso nessa história, Paul interefere no enredo por meios propositalmente inverossímeis -o uso do controle-remoto em “rewind” durante a “quase morte” de Peter- jamais deixando-se levar ao sabor das circunstâncias.
Vítima de um remake através do próprio Haneke 10 anos depois de lançado, o original dificilmente poderia ter sua força atenuada por motivos estritamente comerciais. Um cult para iniciados, anti-moral, anti-bons costumes, anti-heroísmo redentor, como a sarcástica expressão de cumplicidade de Paul com o espectador comprova antes de mais um ataque. Stanley Kubrick teria inveja...

Atenção!
Os diálogos entre Paul e Peter incluem menções à dupla da MTV Beavis And Butthead, pirralhos mal-criados do canal.

Funny Games
Direção: Michael Haneke
Com: Susanne Lothar, Ulrich Mühe, Arno Frisch
Duração: 104 min.
Meio: DVD
Distribuição: Kino Video
Qualidade da Cópia Analisada: Excelente
Índice de Raridade: *

Violence with no apparent cause

Michael Haneke´s pinnacle shows an Austrian family victim of an insane couple in a meta-language show

Film director of multiple facets, but particularly centered on the New Europe middle-class after the fall of the Berlin Wall, the German Michael Haneke presented this masterpiece in 1997, subverting the limits of the traditional thriller for a meta-language exercise with the own moviegoer.
Funny Games happens at a luxurious country house, where father, mother and son intend to rest after a car trip. It´s when an apparently good-faced young man with polished ways followed by a psychotic partner tempered with a morbid sadism knocks on their door. Both transform the family´s night in a living hell, where slow torture, irony and pointless divination games, lead to an extremely violent climax, of linear punctuation and energetic surprises at each u-turn.
Using of an insidious dynamics expertise on the dialogues among the criminal character Paul (Arno Frisch, amazing) and the couple Anna/Georg (Susanne Lothar/Ulrich Mühe) Haneke ignores any humanity's notion, describing the ritualistic aggressors' cruelty in a rhythm of good-behaviour parable about the victims' relationship. Paul and Peter -that more imaginative theoretical could interpret as references to the Christ's apostles- escape to the known stereotypes of the North-American Cinema, whose motivation for crime is usually treated under maniqueist optics, of inevitable punishment to the audience´s joy.
Therefore the movie doesn´t belong to the formulaic concepts of “good guy treated like good guy, bad guy treated like bad guy”. Of cold aesthetics and contained when saving on the graphism requested to the larger impact sequences, the direction maintains the interest in a growing disgust, the author's secret to liberate Funny Games from the habitual clichés. Almighty in all this history, Paul intereferes on the plot for means propositally unlikely –the control-remote use in “rewind” during Peter´s “almost death”- never letting go by the circumstances´ flavor.
Victim of a remake through the own Haneke 10 years after having been released, the original hardly could have its force lessened strictly by commercial reasons. A cult for initiated ones, anti-moral, anti-good habits, anti-redeeming heroism, like the sarcastic Paul´s expression of complicity with the moviegoer proves before one more attack. Stanley Kubrick would have been envy...

Attention!
The dialogues between Paul and Peter include mentions to the MTV couple Beavis And Butthead, the channels´ brats.

Funny Games
Direction: Michael Haneke
With: Susanne Lothar, Ulrich Mühe, Arno Frisch
Running Time: 104 min.
Media: DVD
Distribution: Kino Vídeo
Quality of the Analyzed Copy: Excellent

Rarity Index: *

Nude On The Moon (1961)

2007-06-03T21:10:00.000-03:00

Delírio nudista nas estrelas

Expedição maluca encontra colônia de celenitas peladas em paraíso lunar, num clássico do Filme B

O sonho da almejada ida do homem a lua, só concretizado em 1969, ganhou inúmeras interpretações, desde o ancestral Voyage Dans La Lune, de Georges Méliès, mas nunca com tanta ênfase quanto na década de 1960 onde se insere este curioso exemplar B produzido a quatro mãos pela dupla de oportunistas Raymond Phelan/Doris Wishman, o primeiro como “diretor oficial” do embuste.
Nude On The Moon traz particularmente a marca do mitológico Wishman, cujo principal objetivo era enquadrar matronas peitudas em trajes sumários, no filme inseridas numa insólita colônia nudista (!) encontrada ao acaso por dois físicos espaciais determinados a explorar o mundo lunar após um deles ganhar vultosa herança de US$ 3 milhões. O sortudo em questão, Dr. Jeff Huntley -interpretado pelo galã de quinta categoria William Mayer- compartilha com o parceiro Lester Brown o plano de chegar à Lua secretamente, recolher algumas amostras do terreno e concluir um ousado levantamento biológico das espécies celenitas. Paquerado na Terra pela secretária que alimenta paixão escondida por ele, Huntley passeia pela superfície do satélite, encontra uma raça de seres telepatas e logo se apaixona pela Rainha do lugar (a mesma Marietta que interpreta a funcionária).
O caráter necessariamente “camp” de Nude On The Moon não atenua falhas narrativas de Ficção-Científica alinhavadas com diálogos estapafúrdios e seqüencias monótonas, boa parte delas dedicada ao passeio dos astronautas pela superfície da Lua, um “Éden” enigmático que não esconde a escandalosa aparência de “resort” temático. Sem respeitar qualquer convenção lógica, Phelan transporta seus personagens de um lugar para outro como quem vai de casa à padaria: a saída dos cientistas da Terra então, é um primor do nonsense, com ambos galgando uma espécie de andaime que leva a um foguete só mostrado externamente, quando a decolagem se fez há mais de um minuto.
Tanto improviso retira do filme o ingrediente preliminar de qualquer bom “Sci-Fi” que se preze: a sofisticação cenográfica, aqui reduzida a um punhado de sets esdrúxulos, paupérrimos e só justificados pela exibição gratuita da nudez preconizada pelo velho Wishman. Este excesso de equívocos transforma Nude On The Moon no mais tosco exemplar de sua era, um teatrinho mambembe de finalidade exploradora, que até na época do lançamento sequer deve ter convencido ao público adulto.

Atenção!
A concepção planetária absurda do filme permite que a Terra vista do espaço esteja com os continentes invertidos.

Nude On The Moon
Direção: Raymond Phelan
Com William Mayer, Lester Brown, Marietta
Duração: 83 min.
Meio: DVD
Distribuição: Indeterminada
Qualidade da Cópia Analisada: Boa
Índice de Raridade: **

Nudist delirium at the stars

A crazy expedition finds a colony of naked celenites at the lunar paradise, on a B-Movies classic

The dream of the longed man's departure to the moon, only rendered in 1969, won countless interpretations, from the ancestral Voyage Dans La Lune, by Georges Méliès, but never with as many emphasis as in the 1960 decade where interferes this onlooked B sample four-handed produced by the opportunist couple Raymond Phelan/Doris Wishman, the first like the hoax “official” director.
Nude On The Moon brings the mark of the mythological Wishman, whose main objective was to frame breasty matrons particularly in summary clothes, inserted on the movie in an unusual nudist colony (!) found at random by two space physicians determined to explore the lunar world after one of them win a huge inheritance of US$ 3 million. The lucky in question, Dr. Jeff Huntley -played by the fifth class gallant William Mayer- shares with the partner Lester Brown the plan of arriving privately to the Moon, to pick up some land samples to finish a daring biological survey on the celenite species. Flirted on Earth by the secretary that keeps a hidden passion for him, Huntley walks through the satellite´s surface, he finds a race of telepats and soon falls in love with the Queen of the place (the same Marietta who plays his employee).
The characteristic necessarily “camp” of Nude On The Moon doesn't minimize the narrative flaws of the Science-Fiction basted with peculiar dialogues and yawning sequences, a good part of them dedicated to the astronauts' walk by the Moon surface, an enigmatic “Éden” that doesn't hide the scandalous appearance of a “thematic resort”. With no respect to any logical convention, Phelan transports his characters from a place to another like anyone who goes from the house to the bakery: the scientists´ exit out of the Earth, is a nonsense winner, with both of them climbing a kind of scaffold that takes to a rocket only shown externally, when the take-off takes less than one minute.
So much surprise removes the movie from the preliminary ingredient of any good respectable “Sci-Fi”: the scenographic sophistication, here reduced to a handful of strange sets, very poor and only justified for the free exhibition of the nakedness extolled by the old Wishman. This excess of misunderstandings transforms Nude On The Moon in the roughest copy of its age, a shoddy theater of exploiting purpose, that even at the time of its release, couln´t convinced the adult public.

Attention!
The absurd planetary movie conception allows the view of the Earth from space, with inverted continents.

Nude On The Moon
Direction: Raymond Phelan
With: William Mayer, Lester Brown, Marietta
Running Time: 83 min.
Media: DVD
Distribution: Undetermined
Quality of the Analyzed Copy: Good

Rarity Index: **

O Expresso do Horror (1973)

2007-05-27T18:56:00.000-03:00

Massacre trans-siberiano

Extraterrestre maligno aterroriza trem russo, num dos maiores clássicos do Trash de todos os tempos

Cult absoluto menosprezado à mesma medida que raro até meados dos anos 2000, O Expresso do Horror foi concebido como clássico precoce, nos estertores do Cinema Britânico de Terror, quando produtoras do calibre da Hammer já experimentavam um inexorável declínio. Mesmo assim, a idéia de unir dois ícones eternos do gênero -Christopher Lee e Peter Cushing- à figura carismática do eterno “Kojak” Telly Savalas, resultou num espetáculo de engenhosa concepção, uma gema de merecido apreço, daqueles exemplares que tornam-se maiores que o próprio desafio do tempo.
Na trama, o antropólogo amoral Alex Caxton (Lee) encontra uma criatura pré-histórica congelada em desconhecido estágio de hibernação, cuja importância reside na resposta ao enigma da evolução humana. Desconhece Caxton que o espécime -encaixotado para transporte no Expresso Trans-Siberiano- provém de um planeta distante e que fora esquecido após a passagem de sua civilização sobre a Terra há milhares de anos. Aliado ao antigo rival Dr. Wells (Cushing), o inescrupuloso cientista depara-se com uma série de mortes terríveis, já que o monstrengo usa de força mental para sugar as informações neurais dos passageiros, uma galeria de tipos situados entre a velha aristocracia européia e personagens exóticos da população russa. A intervenção do Capitão Kazan (Savalas), um ex-cossaco megalomaníaco, agrava a situação ao ponto da carnificina, quando os mortos são reanimados pela força alienígena, àquelas alturas abrigadas no corpo de um religioso fanático, determinado a servir o inimigo a qualquer custo.
Esse cruzamento de Horror, Ficção-Científica e “body-count” conduzido com extrema habilidade pelo espanhol Eugenio Martín, vale-se da ambientação claustrofóbica, de seqüências quase que exclusivamente ambientadas no expresso do título, para maturar o clima de tensão sofrida em ritmo cada vez mais acelerado, ao qual a situação cronológica (o ano de 1907) ajuda a intensificar. Criativo, Martín contrapõe o rigor científico da dupla de protagonistas ao primitivismo de figuras como o Padre Pujardov, interpretação do excelente Alberto de Mendoza.
Valorizado pela maquiagem teatral empregada para chocar o espectador sem concessões ao verossímil e uma montagem prodigiosa, o filme foi um fracasso de bilheteria e terminou ignorado pela Crítica Especializada que só daria conta do equívoco ao subestimá-lo, muitos anos depois.

Atenção!
O mesmo trem usado no set das filmagens serviu como cenário para o drama de época Nicholas And Alexandra (1972).

Pánico En El Transiberiano
Direção: Eugenio Martín
Com: Christopher Lee, Peter Cushing, Telly Savalas
Duração: 90 min.
Meio: DVD
Distribuição: Euroshock
Qualidade da Cópia Analisada: Razoável
Índice de Raridade: ***

Trans-Siberian massacre

Evil extraterrestrial terrifies a Russian train, in one of the biggest Trash classics from all the times

An absolute cult despised to the same measure that rare even at the middle of the 2000 years, Horror Express was conceived as a precocious classic, at the end of the British Terror Cinema, when companies from the Hammer´s caliber, already tried a relentless decline. Even so, the idea of uniting two eternal icons of the gender -Christopher Lee and Peter Cushing- to the charismatic figure of the eternal “Kojak” Telly Savalas, resulted in a show of intelligent conception, a yolk which deserved appreciation, one of those copies that become larger than the own challenge of time.
In the plot, the amoral anthropologist Alex Caxton (Lee) finds a frozen pre-historic creature in unknown hibernation state, whose importance resides in the answer to the enigma of the human evolution. Caxton ignores Caxton that the specimen -encased for transport on the Trans-Siberian Express- comes from a distant planet and that was forgotten after the passage of his civilization on Earth a thousands years before. An ally to the old rival Dr. Wells (Cushing), the unscrupulous cientist comes across a series of terrible deaths, since the monster uses of mental force to suck the passengers' neural information, a gallery of types located between the old European aristocracy and exotic characters from the Russian population. Captain Kazan's intervention (Savalas), a megalomaniac former-Cossack, worsens the situation to the point of the carnage, when the deads are revived by the alien force, at that moment sheltered in the body of a fanatic religious person, certain to serve the enemy at any cost.
This crossing of Horror, Science-Fiction and “body-count” led with extreme ability by the Spanish Eugenio Martín, uses a claustrophobic ambience, sequences almost that were exclusively adapted in the express from the title, to mature the climate of suffered tension in a rhythm more and more accelerated, to which the chronological situation (the year of 1907) helps to intensify. Creative, Martín opposes the scientific rigidity of the protagonists' couple to the primitivism of kinds like Priest Pujardov, role of the excellent Alberto de Mendoza.
Valued by the theatrical make-up used to shock the moviegoer with no concessions to the logical and prodigious edition, the flick was a cash box flop and resulted unknown for the Specialized Critic which would only recognized the misunderstanding of underestimating it, many years later.

Attention!
The same train used in the set of the shots served as scenery for the time drama Nicholas And Alexandra (1972).

Horror Express
Direction: Eugenio Martín
With: Christopher Lee, Peter Cushing, Telly Savalas
Running Time: 90 min.
Media: DVD
Distribution: Euroshock
Quality of the Analyzed Copy: Reasonable

Rarity Index: ***

Salon Kitty (1977)

2007-05-20T18:26:00.001-03:00

Perversões no III Reich

Trama de espionagem durante a Alemanha Nazista reveste exemplar controverso de Tinto Brass

Gênio do erotismo europeu, de carreira irregular e gosto impecável para o cast feminino de biscas da melhor qualidade, Tinto Brass teve nos 1970 uma filmografia de momentos extravagantes, bem mais ambiciosos que sua fase posterior limitada a personagens que sustentam argumentos sem consistência (Miranda, Monella-A Travessa entre outros). O que se pode depreender de Salon Kitty, auge do fausto “brassiano”, é que o tradicional erotômano embarcara na onda do Nazi Exploitation de então, determinado a enveredar pela originalidade de uma história que devassa as “supostas” taras do Nazismo, eterno manancial para enriquecer a cinematografia de qualquer realizador que se propusesse a lucrar gordas bilheterias na época.
O filme parte do delírio megalomaníaco do oficial da SS Wallenberg (Helmut Berger), em abalar as estruturas do comando ao usar gravações comprometedoras de seus comparsas durante encontros com prostitutas de luxo recrutadas na fina flor da aristocracia germânica. Para tal, o lobo ambicioso utiliza os serviços da marafona Madam Kitty que concorda em ceder seu bordel ao plano urdido em segredo. Entra em cena a jovem Margherita (Teresa Ann Savoy), cuja presença na casa será decisiva para arruinar a estratégia de Wallenberg após um inesperado romance com outro servo do Führer nas hostes da SS.
Mais dispersivo que congruente, o filme recebeu de Brass um tratamento semelhante ao clássico Cabaret, de Bob Fosse: do nada surgem números musicais coreografados à esmo para ilustrar o ambiente perverso da Berlim marcada pelos abusos da elite totalitarista. A assinatura peculiar do mestre está evidenciada nos closes generosos da anatomina feminina, nádegas voluptuosas, seios enquadrados com preciosismo e até nudez masculina que raras vezes merece atenção do diretor. Personagem mais interessante da trama, Margherita foi por sua vez delineada como um trunfo de caráter dúbio -ela esconde da família a condição de serva sexual do Reich- para mover o roteiro rumo às suas melhores surpresas.
Tanto empenho não evita o ritmo arrastado das situações descritas, a falta de agilidade na resolução dos conflitos mais básicos e o peso natural do “kitsch” empregado para dar verossimilhança ao cenário histórico. São componentes que deixam Salon Kitty aquém do status de clássico do gênero, tal qual outras adaptações menos felizes.

Atenção!
A obra teve os cenários entregues ao oscarizado Ken Adam, também responsável pela ambientação luxuosa de Barry Lyndon.

Salon Kitty
Direção: Tinto Brass
Com: Helmut Berger, Teresa Ann Savoy, Ingrid Thulin
Duração: 133 min.
Meio: DVD
Distribuição: Trans-American
Qualidade da Cópia Analisada: Razoável
Índice de Raridade: **

Perversions on the III Reich

Espionage plot around the Nazi Germany covers a controversial Tinto Brass sample

Genius of the European eroticism, of irregular career and an impeccable taste for the feminine cast of the best quality tramps, Tinto Brass had in the 1970´s a filmography of extravagant moments, much more ambitious than his limited subsequent phase of characters that sustain arguments without consistence (Miranda, Monella, among others). What can be concluded of Salon Kitty, peak of the “brassian” luxury, is that the traditional erotomaniac had embarked aboard the Nazi Exploitation wave from those times, decided to lead upon the originality of a history that trespasses the “supposed” Nazi viciouses, eternal fountain to enrich the cinematography of any moviemaker who was eager to profit from gross cash offices on that era.
The movie starts from the SS officer Wallenberg (Helmut Berger) megalomaniac delirium on affecting the structures of the command when using his fellows´ compromising recordings during encounters with luxury prostitutes recruited at the Germanic aristocracy´s elite. For such, the ambitious wolf uses the services of the pimp Madam Kitty who agrees on giving up her brothel to the secretly warped plan. So enters the scene the young Margherita (Teresa Ann Savoy), whose presence at the house will be decisive to ruin Wallenberg´s streategy after an unexpected romance with other Fühere servants among the SS hostes.
More spare than bent, the flick received from Brass a treatment similar to the classic Cabaret, by Bob Fosse: from the vacuum emerge musical sets coreographed at random to illustrate the perverse Berlin atmosphere marked by the totalitarist elite abuses. The master's peculiar signature is evidenced on the generous closes of the feminine anatomy, voluptuous buttocks, breasts framed with preciosity and even the masculine nakedness that rarely deserves the director's attention. The most interesting character from the plot, Margherita wass for her turn delineated as a joker of dubious character -she hides from the family the condition of a sexual Reich servant- moving the screenplay towards its best surprises.
So much pledge doesn't avoid the dragged rhythm of the described situations, the agility lack on the resolution of the most basic conflicts and the natural weight of the employed “kitsch” to give coherence to the historical scenery. They are components that leave Salon Kitty away from the classic status of the gender, just like other less happier adaptations.

Attention!
The movie had the sets given to the oscarized Ken Adam, also responsible for Barry Lyndon's luxurious scenes.

Salon Kitty
Direction: Tinto Brass
With: Helmut Berger, Teresa Ann Savoy, Ingrid Thulin
Running Time: 133 min.
Media: DVD
Distribution: Trans-American
Quality of the Analyzed Copy: Reasonable

Rarity Index: **

Freaks (1930)

2007-05-13T23:53:00.000-03:00

O grande horror da comédia humana

Romance desfeito reveste drama da condição humana em obra-prima atemporal de Todd Browning

Não fosse considerado extremamente polêmico e inovador para os rígidos padrões morais da década de 1930, Freaks provavelmente não passaria de mais um romance açucarado daquele período, com final redentor e circunvoluções dramáticas dignas da mitologia existencialista que desfazia casamentos duradouros por vias da tentação feminina. O que diferencia o filme das produções oportunistas ou do Horror tradicional que chegou a atrair público numeroso no estilo dos “Monstros da Universal”, é o ambiente escolhido por Todd Browning para situar seu enredo: os bastidores de um circo onde o chamado “elenco de apoio” é formado por aberrações da Natureza exploradas pela gananciosa administração local.
No grupo, o anão Hans apaixona-se pela trapezista mau-caráter Cleopatra, abandonando a mulher que não consegue demovê-lo de unir-se à vigarista: de olho na fortuna que Hans tem a herdar, Cleopatra passa a ministrar-lhe doses periódicas de veneno, até as criaturas perceberem o ardil, intervindo na hora certa. Filmado com realismo que chega a incomodar, Freaks deixou a MGM em maus lençóis, quando a ansiedade natural das platéias foi substituída pelo choque provocado por seus protagonistas, uma galeria de figuras alheias ao propósito da “aceitação social”.
Sob o ponto de vista psicológico, a interrelação dos “monstros” funciona como um anteparo ao preconceito da socidade dita “civilizada”, pressuposto reafirmado na célebre seqüência da comemoração ao casamento de Hans com Cleopatra, quando o grupo saúda o suposto ingresso da megera na comunidade, através de um cântico rimado. Browning dispensa sutilezas, fixando a câmera numa impiedosa fotografia que não poupa o espectador do confronto com a anomalia.
Ao trabalhar com atores e figurantes marcados pela deformidade real -uma condição praticamente impensável para os valores do Cinema Contemporâneo- direção e produção desafiaram todos os conceitos de intolerância ao desconhecido: personagens como as bizarras Irmãs Siamesas e Prince Randian (The Living Torso) jamais inquietam pelo que sugerem de desconhecido e aterrador, mas sim pelo viés da perversa curiosidade comum às massas “normais”. Disso, Freaks pode ser avaliado como obra para reflexão, contrariando aos próprios desígnios do autor, que lhe augurara sucesso por motivos simpáticos à satisfação dos produtores.

Atenção!
A trilha de escândalo suscitada pelo filme, motivou seu banimento em alguns países onde seria solenemente ignorado.

Freaks
Direção: Todd Browning
Com: Wallace Ford, Leila Hyams, Olga Baclanova
Duração: 64 min.
Meio: DVD
Distribuição: MGM
Qualidade da Cópia Analisada: Boa
Índice de Raridade: ***

The human´s comedy great horror

Undone romance covers the human condition drama in a atemporal Todd Browning´s masterpiece

If not considered extremely controversial and innovative for the rigid moral patterns of the 1930 decade, Freaks probably wouldn´t come across the most fancy romances from those times, with a redeeming end and dramatic convolutions worthy of the existentialist mythology that undid durable marriages on the roads of the feminine temptation. What makes the movie different from the opportunist productions or the traditional Horror which got to attract a numerous audience in the “Universal Monsters” vein, was the atmosphere chosen by Todd Browning to place his plot: the back stages of a circus where the so called “supporting cast” is formed by Nature aberrations explored by the greedy local administration.
In the group, the dwarf Hans falls in love with acrobat Cleopatra, a bad character, abandoning his wife who doesn't get to dissuade him of joining the mistress: eyes over the fortune which Hans is ready to inherit, Cleopatra starts to supply him periodic doses of poison, until the creatures noticing the artifice and intervening on time. Shot with a realism that gets to move, Freaks left MGM in bad sheets, when the natural anxiety for the desired public was substituted by the shock provoked by its protagonists, a gallery of figures strange to the purpose of “social acceptance”.
Under a psychological point of view, the “monsters” interrelation works as a screen to the prejudice of the “civilized” society, a presupposition reaffirmed in the celebrated sequence of the marriage commemoration of Hans with Cleopatra, when the group salutes the supposed entrance of the shrew in the community, through a rhymed song. Browning spares subtileness, fastening the camera in a merciless picture that doesn't save the spectator from the confrontation with the anomaly.
When working with actors and stunts practically marked by the real deformity -a condition unthinkable for the Contemporary Movies values- direction and production challenged all the intolerance concepts to the stranger: characters like the bizarre Siamese Sisters and Prince Randian (The Living Torso) never disturb for that they suggest of unknown and terrifying, but for the inclination of the perverse curiosity common to the “normal” masses. From that, Freaks can be evaluated as a work for reflection, thwarting the author's own designs, who had predicted success for nice reasons to the producers´ satisfaction.

Attention!
The scandal raised by the movie, motivated its banishment in some countries where it would be solemnly ignored.

Freaks
Direction: Todd Browning
With: Wallace Ford, Leila Hyams, Olga Baclanova
Running Time: 64 min.
Media: DVD
Distribution: MGM
Quality of the Analyzed Copy: Good

Rarity Index: ***

Rolls Royce Baby (1975)

2007-05-06T18:55:00.000-03:00

Ninfomania sem pelos

Fantasia pornô alemã remete a regressão ninfômana, com referências ao erotismo luxuoso de Jess Franco

A pornografia dos anos 1970, de mulheres longilíneas e basta cabeleira pubiana, teve das suas exceções estéticas, o que só poderia mesmo ser proveniente do território europeu. Rodado pelo obscuro Erwin C. Dietrich -aqui cognominado Michael Thomas- Rolls Royce Baby tornou-se um cult “triple xxx” por ousar artifícios que seriam considerados anti-comerciais, a começar do uso de poucos personagens num enredo por demais linear para confrontar-se aos verdadeiros clássicos Emanuelle e Histoire D´O.
Na história, a diva Lina Romay interpreta uma ninfomaníaca aristocrata, cujo passado envolveu aventuras pelo submundo e progressiva ascensão social até o momento em que o filme de fato se inicia. Vê-se Liza Romay -o personagem, de nome propositalmente associado à sua atriz- depilando-se num cenário “art-déco”, enquanto uma narrativa em “off” declara seus propósitos a partir de então: “Gostaria de ser uma criança, mas vou fingir que sou. Meu corpo será tão suave e lisinho quanto o de uma menina. Vou fazer uma brincadeira. Vou ser uma garotinha de novo. Os homens me desejarão como se eu fosse uma virgem”, pensa determinada. Não se sabe por qual razão, Romay banca essa espécie de regressão erótica, contratando um motorista vizinho para que lhe conduza num imponente Rolls Royce preto às cercanias. Objetivo: experimentar inflamados encontros com homens comuns, na sua maioria caroneiros.
O elo entre púbis feminino depilado e infância, faz de Rolls Royce Baby uma espécie de ensaio ao desejo do inconsciente masculino em recriar suas primeiras experiências sexuais. Michael Thomas pensou decerto em conquistar o espectador através da própria fantasia do personagem central em satisfazer a esse desejo específico do macho adulto, como se Liza Romay usasse a região da vulva depilada, para atrair cada presa a uma irresistível teia de sedução.
Lamentavelmente o filme descamba para a esterilidade criativa, ao seguir sem apresentar novidades na trajetória sexual da protagonista: apenas a coleção de amantes ao longo da fita, é pretexto para que as melhores partes de sua anatomia ganhem o merecido destaque. Ao final, a aguardada seqüência de lesbianismo também não chega a entusiasmar, frustrando a quem esperava uma performance mais explosiva de Romay, prejudicada pela abordagem discreta da câmera em um instante que merecia melhor tratamento. Rolls Royce Baby, contudo, é grata surpresa do Erotismo da época.

Atenção!
O diretor Erwin C. Dietrich foi responsável pela produção de vários clássicos eróticos do espanhol Jess Franco.

Rolls Royce Baby
Direção: Michael Thomas
Com Lina Romay, Erik Falk, Roman Huber
Duração: 85 min.
Meio: DVD
Distribuição: Erotic Classics
Qualidade da Cópia Analisada: Excelente
Índice de Raridade: **

Shaved nymphomania

German porn flick is linked to nympho regression, with references to Jess Franco's luxurious eroticism

The 1970 years´ pornography, of skinny women and thick pubian hair, had its aesthetic exceptions, which only could be originated from the European territory. Shot by the obscure Erwin C. Dietrich -here with the nickname Michael Thomas- Rolls Royce Baby became a “triple xxx” cult for daring artifices that would be considered anti-commercial, coming from the few characters' use in a plot too much linear to confront the true classics Emanuelle and Histoire D´O.
In the history, diva Lina Romay plays an aristocrat nymphomaniac, whose past involved underground adventures and a progressive social ascension until the moment the movie in fact begins. There´s Liza Romay -the character, of name propositally associated with the actress- being waxed on a “art-déco” set, while a narrative in “off” declares her purposes starting from then: “I wish I were a child but I will pretend. My body will be as smooth and hairless as an infant. I will play a game. I will be a little girl again. Men will desire me as they would a virgin", she positively thinks. It´s not known for which reason Romay supports this kind of erotic regression, hiring a neighboring driver for leadind her in an imposing black Rolls Royce to the outskirts. Objective: to try inflamed encounters with common men, on its majority, hitchikers.
The link between waxed feminine pubis and childhood, does from Rolls Royce Baby a kind of rehearsal to the desire of the masculine unconscious on creating again their first sexual experiences. Michael Thomas certainly thought about conquering the moviegoer through the central character's own fantasy in satisfying that specific adult male desire, as if Liza Romay used the waxed vulva area to attract each prey for an irresistible seduction web.
Unfortunately the movie slides to the creative sterility, when proceeding without presenting innovations in the protagonist's sexual path: just the lovers' collection along the flick, is an excuse for the best parts from her anatomy to win the deserved prominence. At the end, the awaited lesbianism sequence doesn't also get to animate, frustrating all those who expected a more explosive Romay performance, prejudiced for the discreet camera approach in an instant that deserved a better treatment. Rolls Royce Baby, however, is a thankful surprise of the Eroticism from those times.

Attention!
Director Erwin C. Dietrich was responsible for the production of several erotic classics of the Spanish Jess Franco.

Rolls Royce Baby
Direction: Michael Thomas
With: Lina Romay, Erik Falk, Roman Huber
Running Time: 85 min.
Media: DVD
Distribution: Erotic Classics
Quality of The Analyzed Copy: Excellent

Rarity Index: **

Trog (1970)

2007-04-29T13:06:00.000-03:00

Ama-seca de monstrengo

Aberração pré-histórica assombra Inglaterra de 1970 com última atuação do mito Joan Crawford

Desde as primeiras criações do mestre Lon Chaney, quando as platéias ainda respondiam atemorizadas ao apelo dos monstros da Universal, o Cinema aprendeu a humanizar aberrações da natureza por mais primitivas que fossem. Nesse contexto, o caso do curioso Trog -melancólica despedida de Joan Crawford das telas num papel ridiculamente aquém das suas possibilidades- só conseguiu atrair a atenção da mídia sensacionalista cujos segmentos mais bem informados fizeram questão de ignorar solenemente a patuscada Sci-Fi lançada sem o mínimo impacto em 1970.
Produzido pela Warner como subproduto de momentos gloriosos da Sétima Arte -A Laranja Mecânica por exemplo- o filme foi rodado em locações inglesas com grande parte de externas a sugerir a indigência do orçamento minguado. Crawford interpreta a obcecada Dra. Brockton, uma antropologista que se propõe a abrigar uma criatura simiesca descoberta por expedição em caverna esquecida nos arredores de um vilarejo remoto. Considerado o cobiçado “elo perdido” que explicaria a origem do homem no planeta, Trog passa a receber noções de Arte, Inglês (!) e coordenação motora por parte da obstinada Brockton, mesmo sofrendo pressão do empreiteiro Sam Murdock (Michael Gough, que “paga o filme”) para eliminar a besta sem maior cerimônia. O final caminha para o inevitável confronto entre civilização e barbárie, quando a criatura rapta uma garotinha, refugiando-se no seu habitat original.
A direção de Freddie Francis, conhecido por uma série de filmes de Terror lançados nas décadas de 1960 e 1970, surpreendeu aos admiradores de Crawford que lhes seguiam os passos como uma das mais prestigiadas estrelas da cena Hollwoodiana de antanho. Paupérrimo, o roteiro da fita encadeia tentativas de assustar ao espectador através de aparições do monstrengo nos momentos nos quais perde a paciência com o populacho da cidadezinha enfrentada pela Dra. Brockton.
Crédito especial merece o dublê Joe Cornelius, cuja máscara grotesca de gorila arremeda um histrionismo de quinta categoria, segredo do filme fascinar até hoje aos amantes do Trash mais divertido. Perdida no absurdo da trama, La Crawford obedece à primária direção de Francis como pobre joguete entregue aos caprichos do bicharoco, dando show de canastrice nas cenas de julgamento onde defende seu ideal “científico”. O fracasso não perdoou sua ousadia.

Atenção!
A indumentária de Trog foi “herdada” dos sets de Stanley Kubrick no clássico 2001-Uma Odisséia no Espaço

Trog
Direção: Freddie Francis
Com: Joan Crawford, Michael Gough, Bernard Kay
Duração: 93 min.
Meio: DVD
Distribuição: Warner Bros.
Qualidade da Cópia Analisada: Ruim
Índice de Raridade: ***

Nanny for a monster

Prehistoric aberration astonishes 1970´s England with the last performance of the Joan Crawford myth

Since master Lon Chaney's first creations, when the audiences still answered frightened to the appeal of the Univeral monsters, Cinema learned how to humanize Nature aberrations no matter how primitive they went. On that context, the case of the curious Trog -a melancholic Joan Crawford farewell from the screen on a role ridiculously away form her possibilities- only got to attract the attention of the sensationalist media whose segments better informed insisted on solemnly ignoring the disastrous Sci-Fi released without the minimum impact in 1970.
Produced by Warner like a sub-product of glorious Seventh Art moments -A Clockwork Orange for instance- the movie was shot at England sets with great part of externals to suggest the poverty of a decreased budget. Crawford plays the obsessed Dr. Brockton, an anthropologist who intends to shelter a simious creature discovered by an expedition under a forgotten cave in the surroundings of a remote villa. Considered it a coveted “missingt link” which would explain the man's origin in the planet, Trog starts to receive notions of Art, English (!) and motive coordination on the part of the determined Brockton, even suffering the contractor Sam Murdock´s pressure (Michael Gough, who “pays the movie”) to eliminate the beast without more ceremony. The end walks for the inevitable confrontation between civilization and barbarism, when the creature kidnaps a girl, taking refuge on his original habitat.
Freddie Francis' direction, known by a series of Horror flicks released in the decades of 1960 and 1970, surprised the Crawford's admirers that followed her steps as one of the most prestiged stars from the hollywoodian scene´s past . Very poor, the movie screenplay chains attempts of scaring the moviegoer through the monster appearances in the moments which it loses the patience with the mob´s town faced by Dr. Brockton.
A special credit deserves the stunt Joe Cornelius, whose grotesque gorilla mask copies a fifth category histrionism, the film´s secret to keep fascinating lovers of the most entertaining Trash. Lost in the absurdity of the plot, La Crawford obeys Francis' primary direction as a poor object given to the fiend cares, giving a joker´s show on the judgement scenes where she defends her scientific “ideal”. The flop didn't forgive her daring.

Attention!
Trog´s costume was inherited from the Stanley Kubrick´s sets out of the classic 2001-A Space Odyssey

Trog
Direction: Freddie Francis
With: Joan Crawford, Michael Gough, Bernard Kay
Running Time: 93 min.
Media: DVD
Distribution: Warner Bros.
Quality of the Analyzed Copy: Bad
Rarity Index: ***

L´Ultimo Gladiatore (1964)

2007-04-22T22:55:00.000-03:00

Império à beira do abismo

Esboço de épico romano inscreveu-se no rol dos “Sword And Sandals” mais celebrados pelos amantes do Trash

Excelentes imitadores da glória épica do Cinema norte-americano desde o auge do gênero nos anos 1950, os italianos fizeram com que produções financiadas com o puro intuito de seduzir o público europeu daquele período, ganhassem mercado às custas das mais estapafúrdias adaptções históricas. No caso de L´Ultimo Gladiatore -lançado nos Estados Unidos como Messalina Against The Son of Hercules- a idéia era narrar o que um suposto rebento do semi-deus Hércules faria se colocado no cenário de 41 dC, ou seja, quando o Imperador Calígula governava Roma numa corte proporcional em luxúria e extravagância.
Dirigido pelo mesmo Umberto Lenzi que se tornaria clássico entre os admiradores do bizarro Trash europeu dos 1970, o filme parte de uma sangrenta batalha do tirano contra os bretões, quando o musculoso Glaucus é aprisionado após ver seus aliados sucumbirem diante da fúria latina. Tratado por Calígula como preso especial, o bretão é mandado para a arena onde destrói oponente a oponente no braço, até recusar-se a estripar o último deles sob as ordens do César. Um gesto intempestivo do herói provoca a ira do tirano, que o condena ao calabouço sob os olhares cobiçosos da belíssima Messalina. Ela começa a conceber um plano a envolver Glaucus como responsável pela trama que ceifa a vida de Calígula.
De componentes cenográficos majestosos -o que implicou na utilização de sets inteiros com pinturas “matte”- L´Ultimo Gladiatore tropeça no desempenho risível do seu cast, uma massa amorfa de canastrões do porte de Richard Harrison, ensebado de óleo para interpretar o filho de Hércules além de Charles Borromel, um histriônico Calígula, na escola do Coringa de César Romero da série televisiva Batman.
Embora o script tortuoso não permita a Lenzi escapar de incoerências recorrentes como a “genial” idéia de Messalina aprisionar a escrava Ena -paixão do herói- quando tudo já parece perdido, a conspiração armada nos bastidores do Senado é bem trabalhada, prova que confirma o propósito educativo da fita, além do intuito de apenas satisfazer aos que preferiam assistir aos combates de Glaucus.
Para o que se esperava de um “Sword And Sandals” na mais pura acepção do termo, L´Ultimo Gladiatore não escapa aos chavões inúmeras vezes tentados, mas propõe-se como tentativa bem acima da média.

Atenção!
As dimensões de um monocromático Coliseu, dificilmente poderiam comparar-se à imponência do original.

L´Ultimo Gladiatore
Direção: Umberto Lenzi
Com Richard Harrison, Lisa Gastoni, Charles Borromel
Duração: 98 min.
Meio: DVD
Distribuição: PEA
Qualidade da Cópia Analisada: Razoável
Índice de Raridade: ***

Messalina Against The Son Of Hercules (1964)

Empire on the edge of abyss

Roman epic sketch enrolled on the most celebrated “Sword And Sandals” list by the Trash lovers

Excellent impersonators of the epic North American Cinema glory from the peak of the gender in the 1950 years, the Italians did that productions financed with the pure intention of seducing the European public from that period won market to the costs of the most peculiar historical adaptations. In the case of L´Ultimo Gladiatore -released in the USA as Messalina Against The Son of Hercules- the idea was to narrate what a supposed branch of the semi-god Hercules would do if placed in the scenery of 41 dC, in other words, when Emperor Caligula governed Rome in a proportional court in lust and extravagance.
Directed by the same Umberto Lenzi that would become classic among the admirers of the bizarre European Trash from the 1970´s, the movie comes from a bloody battle of the tyrant against the Bretons, when the muscular Glaucus is arrested after seeing his allies succumb before the Latin fury. Treated by Caligula as special prisoner, the Breton is ordered for the arena where he destroys opponent by opponent with his fists, until refusing to unbowel the last of them under the Caesar's orders. An inopportune gesture of the hero provokes the tyrant's anger, who condemns him to prison under greedy glances of the beautiful Messalina. She begins to conceive a plan to involve Glaucus as responsible for the plot that harvests the life of Caligula.
Of majestic cenografic components –which implied in the use of whole sets on “matte” paintings -L´Ultimo Gladiatore trips in the laughable acting of its cast, an amorphous mass of overactings by the Richard Harrison's mark, greased of oil to play the son of Hercules besides Charles Borromel, a histrionic Caligula, in the school of the Cesar Romero´s Joker from the Batman TV series.
Although the tortuous script doesn't allow Lenzi to escape of appealing incoherences like the “brilliant” Messalina´s idea to arrest the slave Ena -a hero´s passion- when everything seems already lost, the conspiracy armed at the Senate´s backstage is well worked, a prove that confirms the flick´s educational purpose, besides the intention of just to satisfy those who preferred to watch Glaucus´s combats.
For what it was waited of a “Sword And Sandals” in the purest meaning of the term, L´Ultimo Gladiatore doesn't escape to the countless clichés tried, but purposes itself like an attempt well above the average.

Attention!
The dimensions of a monochromatic Coliseum, hardly could be compared to the original portliness.

L´Ultimo Gladiatore
Direction: Umberto Lenzi
With Richard Harrison, Lisa Gastoni, Charles Borromel
Running Time: 98 min.
Media: DVD
Distribution: PEA
Quality of the Analyzed Copy: Reasonable
Rarity Index: ***

Psych-Out (1968)

2007-04-15T21:58:00.000-03:00

Fuzz, ácido e flores

Auge da cultura psicodélica é mostrada com tons vibrantes em fantástica realização independente dos 1960

Na História da Cultura Pop e muito particularmente na cidade de San Francisco, o ano de 1967 pode ser considerado fundamental para toda uma geração que se esbaldou com Rock de primeira categoria, liberdade ao extremo e contestação em doses fartas, ingredientes que tornaram Psych-Out no mais fiel retrato do período. Embora subestimado diante de obras como o cult Easy Rider -melhor assimilado pelo Establishmente, diga-se de passagem- o filme foi lançado em 1968 como vigoroso registro da estética psicodélica, onde marijuana, LSD e STP representavam as drogas da moda, responsáveis pelo componente transgressor buscado por jovens da classe-média norte-americana imbuídos da Cultura Flower Power.
Psych-Out é centrado sobre o personagem da fugitiva Jennie (Susan Strasberg), abrigada por uma comuna hippie onde uma banda liderada pelo freak Stoney (Jack Nicholson, soberbo) encarrega-se de dar-lhe apoio para que encontre o irmão Steve (Bruce Dern, numa interpretação antológica). Vítima de um trauma familiar, Jennie é surda, mas tem a capacidade de compreender a linguagem dos novos amigos através dos movimentos labiais. Determinada a encontrar Steve a qualquer custo, ela circula pelo underground de Frisco, ganhando a inesperada solidariedade de Stoney e seus companheiros chapados.
Nessa espécie de odisséia lisérgica dirigida pelo mesmo Richard Rush do excelente O Substituto, a ingênua Jennie funciona como suporte para o que Stoney e toda uma galeria de coadjuvantes de peso protagonizam, entre noitadas intermináveis, consumo constante de drogas e uma fina ironia destilada com inteligência por Nicholson nas seqüèncias mais dramáticas. Fator quer torna o filme ainda mais interessante, é a brilhante trilha-sonora, com espaço para grupos como The Strawberry Alarm Clock -Incense And Peppermints é o tema principal- e The Seeds, visto na encenação de um funeral delirante, onde toca ao ar-livre.
Para os arqueólogos do Psicodelismo, apaixonados por tudo o que o cruzamento de Haight-Ashbury foi capaz de render naquele ano mágico, Psych-Out é delícia inigualável, patrocinada pelo gênio do produtor Dick Clark, sumidade eternizada pelas obras de valorização do espírito teenager americano e inconteste defensor do Rock ´n´ Roll desde os seus primórdios.

Atenção!
O ator negro Max Julien seria visto em papéis da onda Blaxploitation que cresceu com força total na década posterior

Psych-Out
Direção: Richard Rush
Com: Jack Nicholson, Dean Stockwell, Susan Strasberg
Duração: 101 min.
Meio: DVD
Distribuição: American International
Qualidade da Cópia Analisada: Excelente
Índice de Raridade: *

Fuzz, acid and flowers

Peak of the psychedelic culture is shown with vibrant tones on a fantastic independent production from the 1960´s

On the Pop Culture History and very particularly in San Francisco city, the year of 1967 can be considered essential for an entire generation that thrashed around with first category Rock, extreme freedom and resistence in full doses, ingredients that turned Psych-Out in the most faithful picture from that period. Although underestimated before works like the cult Easy Rider –by the way, better assimilated by the Establishment- the movie was released in 1968 as a vigorous registration of the psychedelic aesthetics, where marijuana, LSD and STP represented the fashion drugs, responsible for the transgressor component looked by the north-american youth from the middle-class dipped with the Flower Power Culture.
Psych-Out is centered on the character of fugitive Jennie (Susan Strasberg), sheltered by a hippie commune where a band led by the freak Stoney (Jack Nicholson, superb) takes charge of giving her support so that she finds her brother Steve (Bruce Dern, in an anthological playing). Victim of a family trauma, Jennie is deaf, but she has the capacity to understand the new friends' language through labial movements. Certain to find Steve at any cost, she circulates around the Frisco underground, winning the unexpected solidarity of Stoney and his stoned companions.
At this kind of lysergic odyssey directed by the same Richard Rush of the excellent The Substitute, naive Jennie works like a support for the one that Stoney and an entire gallery of supporting fellows of relevance play, among endless debauchery nights, constant consumation of drugs and a fine irony distilled with intelligence by Nicholson in the most dramatic sequences. A factor that turns the movie more interesting, is the brilliant soundtrack, with room for bands like The Strawberry Alarm Clock -Incense And Peppermints as the main theme- and The Seeds, seen at the staging of a delirious funeral, where it plays open-air.
For the Psychedelia archaeologists, impassioned by everything that the Haight-Ashbury crossroad was capable to give on that magic year, Psych-Out is an unequaled delicacy, sponsored by the genius of producer Dick Clark, a genius eternalized by works of valorization of the American teenager spirit and an undeniable defensor of the Rock ´n´ Roll since its origins.

Attention!
The black actor Max Julien would be seen in roles of the Blaxploitation wave that grew with total force in the subsequent decade

Psych-Out
Direction: Richard Rush
With: Jack Nicholson, Dean Stockwell, Susan Strasberg
Running Time: 101 min.
Media: DVD
Distribution: American International
Quality of the Analyzed Copy: Excellent

Rarity Index: *

Zeta One (1969)

2007-04-08T00:15:00.000-03:00

Chamando planeta Kitsch...

Extravagância nonsense mostra as cores da Swingin` London ancorada em roteiro absurdo e beldades peladas

Ao final dos anos 1960, quando as cores da saudosa Swingin` London começavam a desbotar antevendo a desilusão da década de 1970 -por sinal bem menos interessante- o Cinema Britânico ainda vivia de comédias influenciadas pelo acabamento “à lá Richard Lester” de ilustrar o período: minissaias, contrastes psicodélicos, perseguições nos charmosos subúrbios londrinos e um subtexto dos thrillers baseados na figura carismática do James Bond criado por Ian Fleming.
A narrativa absurda de Zeta One tenta unir todos esses elementos numa confusa amálgama temperada com a nudez de modelos tentadoras, tendo a Ficção-Científica como suporte para o fraco roteiro. Nos primeiros 20 minutos, o filme resume-se a uma enfadonha conversa do agente secreto James Word com sua diretora Ann Olsen -a deliciosa dinamarquesa Yutte Stensgaard- que pede-lhe para narrar o que parece ser um plano diabólico traçado no planeta Angvia, paraíso habitado unicamente por mulheres. Comandadas pela personagem Zeta do título, elas se vêem ameaçadas quando uma organização passa a perseguí-las num espécie de contra-golpe que visa a dominação da raça. Superior em estratégia e tecnologia, o grupo feminino usa as informações de Word para reagir aos inimigos, círculo de velhotes atoleimados cuja liderança está nas mãos do patético Major Borden (o caricatural James Robertson Justice).
Confuso e mal-alinhavado, o roteiro de Zeta One tenta parodiar as fitas de espionagem de então, com um grafismo que só traz algum atrativo pelo uso da estética psicodélica dos 1960. Desse inusitado cruzamento de Barbarella com 007, Michael Cort aproveita a plástica das suas “atrizes” para infundir mais interesse ao espectador. Já que as asseclas de Zeta não se furtam a usar de superpoderes como telecinesia para superar as limitações da raça humana, resta aos coadjuvantes servirem de fútil pretexto ao desenrolar da história.
Amantes da Cultura Pop que poucas vezes na História do Século XX rendeu tipos e moda tão curiosos, encontrarão na fita uma boa razão de pesquisa. Já quem prefere encarar Cinema pelo viés da Arte digna de apreciação, descartará de imediato esse canhestro exemplar da Comédia. No meio do caminho, o próprio cast sacrificado em tal empulhação, que acabou legando a Zeta One um triste destino junto aos piores filmes do gênero em todos os tempos.

Atenção!
O tele-trasporte usado pelas nativas de Angvia remete aos shows lisérgicos de Rock, na época do clube UFO.

Zeta One
Direção: Michael Cort
Com: Yutte Stensgaard, James Robertson Justice, Anna Gäel
Duração: 84 min.
Meio: DVD
Distribuição: Image Entertainment
Qualidade da Cópia Analisada: Boa
Índice de Raridade: *

Calling planet Kitsch...

Nonsense extravaganza shows the Swingin ` London colors anchored on an absurd screenplay and naked beauties

At the end of the 1960 years, when the Swingin ` London colors began to fade away foreseeing the disillusion of the 1970 decade -by the way much less interesting- British Cinema still lived from comedies there influenced by the Richard Lester finishing to depict the period: miniskirts, psychedelic contrasts, persecutions around the charming london suburbs and a subtext of the thrillers based on the James Bond charismatic figure created by Ian Fleming.
The Zeta One absurd narrative tries to unite all those elements in a confused amalgam blended with the nakedness of tempting models, having Science-Fiction as a support for the weak screenplay. On the first 20 minutes, the movie is summarized to a boring chat of the secret agent James Word with his director Ann Olsen -the delicious Danish Yutte Stensgaard- who asks him to tell what seems to be a diabolical plan in the planet Angvia, a paradise inhabited only by women. Commanded by the character Zeta from the title, they are threatened when an organization starts a pursue in a kind of counter-attack that looks to the race´s domination. Superior in strategy and technology, the feminine group uses the informations of Word to react to the enemies, a circle of foolish old men, whose leadership is in the pathetic Major Borden´s hands (the caricatural James Robertson Justice).
Confused and bad-sewed, Zeta One´s screenplay tries to parody the spy flicks from those times, with a graphism that only brings some attraction for the use of the psychedelic aesthetics from the 1960´s. From this unusual crossing of Barbarella with 007, Michael Cort takes advantage upon the plastic of his “actresses” to infuse more interest to the moviegoer. Since Zeta´s servants doesn´t avoid to use their superpowers like telecinesia to overcome the human race limitations, it´s due to the supporting actors to serve like a futile pretext on the history´s uncoiling.
Pop Culture lovers that for few times on 20th Century History saw kinds and fashion such curious, will find in the movie a good reason to research. But those who prefer to face Cinema by the Art meanings worthy of appreciation, will immediately discard that disastrous Comedy sample. In the middle of the road, the own cast sacrificed in such a masquerade, that ended up leaving Zeta One to a sad destiny among the worst films from the gender ever.

Attention!
The tele-trasport used by the Angvia natives reminds to the Rock lysergic shows at those times on the UFO club.

Zeta One
Direction: Michael Cort
With: Yutte Stensgaard, James Robertson Justice, Anna Gäel
Running Time: 84 min.
Media: DVD
Distribution: Image Entertainment
Quality of the Analyzed Copy: Good

Rarity Index: *

Tendres Cousines (1980)

2007-04-01T01:07:00.000-03:00

No alvorecer do desejo

Fita atípica de David Hamilton explora sexualidade da adolescência no contexto da II Guerra Mundial

David Hamilton, gênio da fotografia erótica dos 1970, apaixonado por ninfetas européias de tez aveludada e perfil caucasiano, decidiu transpor a estética sofisticada dos seus livros para o Cinema com resultados nem sempre aprovados pela Crítica. Do pequeno rol de cinco produções destinadas principalmente ao circuito europeu, Tendres Cousines é o menos indicado para quem supõe encontrar na tela o mesmo nível de erotismo obtido por exemplo, em Bilitis (do ano anterior), que apesar do roteiro pueril, continha algumas das melhores imagens do mestre.
A narrativa de Tendres Cousines opta por um script linear, que se passa alguns dias antes de eclodir a II Guerra Mundial numa propriedade campestre da Provence, na França. Lá, uma família da classe alta conta as horas para aquele idílico cenário desmoronar face ao conflito que se encarregará de afastar os homens da casa rumo ao campo de batalha. O filme é narrado pelo menino Julien, de 14 anos, que chega de uma escola religiosa suiça para reencontrar a prima de 15 -Anja Schüte, estonteante- por sua vez apaixonada por um truão exibicionista, cujo maior interesse é conquistar as mocinhas da região. Julien, a princípio desiludido ante a indiferença da menina, cede aos apelos eróticos da criadagem, mas continua a alimentar a paixão que lhe rende novos entreveros no casarão.
Fotografado com a mesma luz difusa que os admiradores de Hamilton já conhecem da sua obra estática, Tendres Cousines é mais uma vez pretexto para uma criação imagética de altíssimo padrão, calcada em nudez feminina da melhor qualidade. Meio Comédia de Costumes, meio Drama Familiar, o filme por vezes atola-se no tédio de modorrentas seqüências dialogadas, onde situações de desfecho cômico por pouco não arruinam a proposta original de se mostrar a desintegração do clã feudal.
Apático, o desempenho do péssimo Thierry Tevini na pele do adolescente é um amontoado de linhas recitadas sem qualquer expressão, no que a presença das belas coadjuvantes em nada ajuda. Do arcabouço panteísta que o fotógrafo usa para ilustrar esse enredo de pobre desdobramento, o espectador termina lucrando uma hora e meia de bocejos, embalado por uma trilha-sonora instrumental de gosto duvidoso. Melhor faria Just Jaeckin (Emanuelle), esteta do Pornô-Chique, decerto bem menos pretensioso que o colega inglês das adolescentes de ígnea libido.

Atenção!
Anja Schüte, que interpreta Julia, tornou-se estrela da TV alemã, conhecida por séries de sucesso e telefilmes.

Tendres Cousines
Direção: David Hamilton
Com: Thierry Tevini, Anja Schütte, Hannes Kaetner
Duração: 90 min.
Meio: DVD
Distribuição: Crown International Pictures
Qualidade da Cópia Analisada: Razoável
Índice de Raridade: ****

At the desire´s dawning

Atypical David Hamilton´s flick explores the teen sexuality by the II World War context

David Hamilton, genius of the erotic photography from the 1970´s, impassioned by European nymphettes of velvet skins and Caucasian profile, decided to transpose the sophisticated aesthetics from hist books for the Movies with results not always approved by the Critics. From the small list of five productions destined mainly to the European circuit, Tendres Cousines is the least suitable for those who supposes to find in the screen the same level of eroticism obtained, for instance, in Bilitis (from the previous year) which in spite of the puerile screenplay, contained some of the master's best images.
Tendres Cousines's narrative opts for a linear script, that happens some days before the II World War unfolding in a rural property from Provence, in France. There, a high class family counts the hours for that idyllic scenery to collapse face to the conflict that will take charge of moving away the men from the house, heading them for the battlefield. The movie is narrated by the boy Julien, 14 years old, who arrives from a Swiss religious school to meet again his cousin of 15 -Anja Schüte, stunning- for her turn in love with an exibitionist moron, whose larger interest is to conquer the girls from the area. Julien, at first being disappointed in the face of the girl's indifference, gives in to the erotic appeals from the servants, but continues to feed the passion that surrenders him with new incidents at the big house.
Photographed with the same diffuse light that Hamilton admirers already know from his static work, Tendres Cousines is once again an excuse for an imagetic creation of high pattern, stepped on in feminine nakedness of the best quality. Half Comedy of Habits, half Family Drama, the film per times gets stuck in the tedium of sleepy dialogued sequences, where situations of comic issue almost ruin the original purpose of showing the feudal clan disintegration.
Apathetic, the terrible Thierry Tevini's acting at the adolescent's skin is a heap of lines recited without any expression, on which the beautiful coadjuvant womens´ presence doesn´t help in anything. From the pantheistic support that the photographer uses to illustrate that plot of poor unfolding, the spectator finishes profiting an hour and a half of yawns, wrapped by an instrumental soundtrack of doubtful taste. Best would make Just Jaeckin (Emanuelle), a Porn-Chic´s aesthet, certainly much less pretentious than his English friend from the igneous libido adolescents.

Attention!
Anja Schüte, who plays Julia, became a star from the German TV, known by successful series and telefilms.

Tendres Cousines
Direction: David Hamilton
With: Thierry Tevini, Anja Schütte, Hannes Kaetner
Running Time: 90 min.
Media: DVD
Distribution: Crown International Pictures
Quality of the Analyzed Copy: Reasonable
Rarity Index: ****

Fiend Without a Face (1958)

2007-03-25T22:39:00.000-03:00

Vampirismo cerebral

Exemplar nonsense da paranóia nuclear retrata pânico diante da ameaça de bizarros sangue-sugas cerebrais

Quando os Estados Unidos mergulharam fundo na paranóia da Guerra Fria e seus fantasmas da radiação (meados da década de 1950 até os 1970), o terreno para produções como o inglês Fiend Without A Face tornou-se fertilíssimo, nutrido por todo tipo de ameaça urdida por estúdios interessados em engrossar suas bilheterias. Fiend Without a Face é da Metro Goldwin Mayer, ou seja, orçamento polpudo em relação aos ridículos projetos da safra “B”, que nem por isso também deixavam de atrair público ao circuito de cinemas da periferia.
A trama parte das mortes misteriosas dos habitantes de Winthrop, um distrito do estado canadense de Manitoba, onde fora instalada uma base militar destinada a pesquisas com radiação para monitoramento de radar. De início atribuídas à radiação nuclear provocada pelo projeto, as poucas vítimas iniciais vão se multiplicando, até a materialização do mal se revelar como uma espécie de verme vampiresco que suga cérebro e medula através de duas perfurações dorsais. Envolvido na investigação, o Major Jeff Cummings (Marshall Thompson, de Daktari) trava contato com a irmã do primeiro homem desaparecido conduzindo à suspeita de um terrível experimento empreendido por um cientista local interessado em lidar com a força do pensamento.
Experiente no trato com o Cinema de Ficção, Arthur Crabtree contou com artifícios bem utilizados para valorizar a narrativa de Fiend Without a Face: ao contrário do horror evidente ou de mostrar logo nas primeiras seqüências a forma repugnante das criaturas -cérebros de borracha ligados ao que se assemelha à espinha dorsal humana- deixa no ar o que estaria causando terror à população da pacata Winthrop. Só com o aumento da potência emitida pela estação de radares da base militar e a conseqüente proliferação dos seres, o espectador trava seu primeiro contato com os tais “demônios sem face” do título original.
À manutenção do suspense por dois terços do filme, deve-se o interesse que conduz a fita a um desfecho apressado, bem típico das produções da época. Montado com rigor e valorizado por intepretação acima da média do cast, o filme gerou inúmeros imitadores, até a intragável paródia de Tim Burton lançada nos anos 1990 (Mars Attacks!). Divertido, instigante e surpreendente, Fiend Without a Face superou o teste do tempo em um nicho paralelo aos clássicos da Ficção-Científica dos 1950.

Atenção!
Os efeitos especiais, grande parte em stop-motion, foram produzidos na Alemanha, antecipando futuros “flicks” semelhantes.

Fiend Without a Face
Direção: Arthur Crabtree
Com: Marshall Thompson, Kim Parker, Peter Madden
Duração: 74 min.
Meio: DVD
Distribuição: Metro Goldwin Mayer
Qualidade da Cópia Analisada: Boa
Índice de Raridade: *

Cerebral vampirism

Nonsense sample from the nuclear paranoia, portrays panic before the threat of bizarre brain leeches

When the United States dipped down on the Cold War paranoia and its radiation ghosts (at the middle of the 1950 decade up to the 1970`s), the land for productions such as the English Fiend Without a Face became very fertile, nurtured by every kind of threat warped by studios interested on enlarging their cash boxes. Fiend Without a Face is from Metro Goldwin Mayer, in other words, fleshy budget in relation to the ridicules projects out of the “B” crop, that nor for this reason also stopped attracting public to the movies circuit from the suburbs.
The plot starts from the mysterious Winthrop inhabitants deaths, a district of the Canadian state of Manitoba, where a military base had been installed destined to researches with radiation for radar scanning. At the beginning attributed to the nuclear radiation provoked by the project, the few initial victims come to a multiplying effect, until the materialization of the evil revealed as a kind of vampiresc worm that sucks brain and marrow through two holes. Involved in the investigation, Major Jeff Cummings (Marshall Thompson, from Daktari) makes contact with the first disappeared man's sister leading to the suspicion of a terrible experiment undertaken by a local cientist interested in working with the force of thought.
Expert in the treatment with the Fiction Cinema, Arthur Crabtree counted with artifices well used to enrich the Fiend Without a Face narrative: unlike the evident horror or to showing alreade on the first sequences the repugnant creatures form -latex brains linked to what resembles to the human spine- he spreads vaguely what would be causing terror to the quiet Winthrop population. Only with the increase of the potency emitted by the radars station from the military base and the consequent beings proliferation, the moviegoer takes his first contact with the so called “fiends without a face” from the original title.
The suspense maintenance for two thirds of the movie is given by the interest that leads the flick to a hurried issue, very typical from those times productions. Edited with rigidity and valued by a playing above the average by the cast, the film generated countless impersonators, until the disgusting Tim Burton's parody released in the 1990 years (Mars Attacks!). Entertaining, estimulating and surprising, Fiend Without a Face overcame the test of time in a parallel niche to the classic Science-Fiction from the 1950´s.

Attention!
The special effects, mainly in stop-motion, were produced in Germany, advancing future “similar flicks”.

Fiend Without a Face
Direction: Arthur Crabtree
With: Marshall Thompson, Kim Parker, Peter Madden
Running Time: 74 min.
Media: DVD
Distribution: Meter Goldwin Mayer
Quality of the Analyzed Copy: Good

Rarity Index: *

Revenge Of The Virgins (1959)

2007-03-18T02:23:00.000-03:00

O Velho Oeste de topless

Supra-sumo do Trash californiano gerou Western com índias semi-nuas envolvidas na Febre do Ouro

Numa época em que seios de fora e um belo par de coxas desnudas poderiam representar a caçada implacável dos censores, fitas como Revenge Of The Virgins (A Vingança das Virgens) dificilmente lucrariam outra conseqüência que não o desprezível nicho das subproduções destinadas ao esquecimento. Foi isso que ocorreu à obra do desconhecido Peter Perry ao ser lançada no circuito de poeiras onde poderia gerar bilheteria mais promissora.
Entregue a um cast da pior qualidade, recrutado entre coadjuvantes de terceira categoria em produções mais sofisticadas, o filme parte de um roteiro esdrúxulo para justificar o pobre argumento ambientado no Velho Oeste americano: interessado em investir na compra de um salloon, o ambicioso Mike Burton decide convencer a noiva a empreender uma expedição rumo às montanhas onde um velho explorador jura haver pepitas de ouro no leito de um riacho rico no minério. Burton recruta mais dois colaboradores entre os habitantes do vilarejo, que se comprometem a acompanhar o casal e seu guia visionário até o suposto “Eldorado” angeleno. Ao encontrar dois vigaristas interessados no mesmo objetivo, o grupo passa a enfrentar conflitos internos, sabendo estar em território apache onde perambula um grupo reduzido de índias dispostas a eliminar um a um dos aventureiros.
Repleto de seqüências absurdas, típicas das subproduções que aproveitavam sets de filmes maiores numa prática mais tarde popularizada pelo mestre do “B” Roger Corman, Revenge Of The Virgins não cansa o espectador, tal o ritmo das situações apresentadas sem muita preocupação com encadeamento cronológico. Mostradas como selvagens ladinas, obcecadas pelo extermínio dos exploradores da terra, as apaches retratadas por Perry lembram starlets de algum “teste-do-sofá” feito no submundo hollywoodiano da época: dançam coreografias ridículas à Mãe Natureza, trilham a mata em fila indiana e reverenciam a líder branca Yellow Gold (!), uma “Barbie” muda, que por falta de texto na língua indígena, enquadra-se ao silêncio generalizado junto às companheiras pele-vermelhas.
Nessa espécie de “body-count” primitivo, o artifício da traição dá as cartas, providenciando um final impiedoso ao grupo, regado à flechadas disparadas e situado na pitoresca narração em “off” que também abre o filme.

Atenção!
O roteiro de Revenge Of The Virgins foi escrito por Edward D. Wood Jr. com o pseudônimo Peter Lar Roche.

Revenge Of The Virgins
Direção: Peter Perry
Com: Charles Veltmann Jr, Jodean Russo, Stanton Pritchard
Duração: 53 min.
Meio: DVD
Distribuição: Something Weird Video
Qualidade da Cópia Analisada: Boa
Índice de Raridade: ***

The Old West on topless

Top of Californian Trash generated a Western with semi-nude Indians involved in the Gold Fever

On a time when appearing breasts and a beautiful pair of nude thighs could represent the censors' implacable hunt, flicks like Revenge Of The Virgins hardly would profit from another consequence than not the despicable niche of subproductions destined to oblivion. It happened to the unkown Peter Perry´s work when released on the outside circuit where it could generate a more promising profit.
Delivered to a cast of the worst quality, recruited among third category supportings in more sophisticated productions, the movie starts from a picturesque script to justify the poor argument adapted at the Old American West: interested in investing on the purchase of a salloon, the ambitious Mike Burton decides to convince his bride to undertake an expedition heading for the mountains where an old explorer swears there are nuggets of gold on the bed of a rich stream in the ore. Burton recruits two more collaborators among the villa inhabitants, that commit to accompany the couple and their visionary guide until the supposed angelene “Eldorado”. When finding two interested cons with the same goal, the group comes to face internal conflicts, knowing that is stepping on Apache territory where wanders a reduced group of Indians decided to eliminate one by one of the adventurers.
Full of absurd sequences, typical of the subproductions that took advantage from the bigger movie sets on a practice later popularized by “B” master Roger Corman, Revenge Of The Virgins doesn't tire the spectator, such the rhythm of the situations presented without much of concern with a chronological linkage. Shown as smart savages, obsessed by the land exploiters' extermination, the Apaches portrayed by Perry look like starlets from some “sofa-test” done at the hollywoodian underground from those times: they dance ridiculous choreographies to Mother Nature, walk the forest in single line and reverence white leader Yellow Gold (!), a mute “Barbie”, who for a text lack on the indigenous language, is framed to a widespread silence next to her red-skin friends.
On this kind of primitive “body-count”, the betrayal artifice commands the action, providing a merciless end to the group, provided by arrow shots discharged and placed at the picturesque “off” narration that also opens the film.

Attention!
Revenge Of The Virgins screenplay was written by Edward D. Wood Jr. with the pseudonym Peter Lar Roche.

Revenge Of The Virgins
Direction: Peter Perry
With: Charles Veltmann Jr, Jodean Russo, Stanton Pritchard
Running Time: 53 min.
Media: DVD
Distribution: Something Weird Vídeo
Quality of the Analyzed Copy: Good

Rarity Index: ***

Female Trouble (1974)

2007-03-11T13:04:00.000-03:00

O doce charme da fealdade

John Waters vira pelo avesso o establishment norte-americano em uma de suas obras mais controversas

Que ninguém se engane: enquanto a Crítica institucionalizada preferiu optar pelo intelectualismo de Woody Allen principalmente na fase das comédias sofisticadas pós-Manhattan, gênios underground como o controverso John Waters amargaram o descontentamento do conformismo pouco afeito aos arroubos insensatos do mestre. Trash por excelência e ainda não cooptado pelo sistema por completo -o que seria sutilmente aceito a partir do excelente Cry-Baby, de 1990- Waters faz no seu segundo lote de filmes uma acidérrima paródia aos costumes da terra do Tio Sam, colocando valores familiares em xeque no microcosmo da pacata Baltimore dos 1970.
Female Trouble foi o roteiro reservado ao travesti Divine -um ator subestimado, histriônico, mas de extrema utilidade para as fantasias dementes do realizador- cuja missão na fita é o de interpretar a psicopata suburbana Dawn Davenport desde seus dias de adolescente problemática, até o trágico final entregue às grades de uma penitenciária de segurança máxima. Ao contrário no entanto de perpassar o dramalhão moralista, Waters trata sua galeria de arquétipos do submundo americano sem a menor condescendência, promovendo gags crudelíssimas, onde escatologia, palavrões, nudez gratuita e perversões das mais variadas formas perspontam o decorrer do argumento.
Pela trajetória da gorducha Dawn, tipos bizarros se sucedem ao estilo da vizinha invejosa Ida, outra caracterização magistral de Edith Massey que rivaliza com Divine em desempenho extravagante. A aparente inconseqüência do roteiro -escrito pelo próprio Waters- obedece ao formato de biografia quadrada, sem sofisticação narrativa ou digressões pretensiosas bastante comuns na Comédia de Costumes. Esta aparente linearidade confere às aventuras da tresloucada Davenport, um quê de surrealismo plantado em plena realidade do dia-a-dia suburbano, com seus cortadores de grama, quintais atulhados e salões de beleza apinhados de fofoqueiras.
Mestre da concisão, o gênio underground dá seu recado evitando tergiversar por elipses modorrentas ou takes contemplativos. O cinema de Waters é enxuto, rápido, dado a avalanches de diálogos desbocados, o supra-sumo do escracho. Comparado ao hit Pink Flamingos -lançado em 1972 e responsável pela projeção internacional do mito- Female Trouble vai muito mais longe na exacerbação da grande neurose americana, sem concessões a qualquer atitude de respeito àquela sociedade.

Atenção!
Earl Peterson, o marido caminhoneiro de Dawn, também é interpretado por Divine com impressionante dissociação de personalidades.

Female Trouble
Direção: John Waters
Com: Divine, Edith Massey, David Lochary
Duração: 89 min.
Meio: DVD
Distribuição: New Line Cinema
Qualidade da Cópia Analisada: Excelente
Índice de Raridade: **

The sweet charm of ugliness

John Waters turns upside down the North American establishment in one of his most controversial works

Should nobody commit such an error: while the institutionalized Critic preferred to choose Woody Allen´s intelectualism mainly about the phase of sophisticated comedies after-Manhattan, underground geniuses like the controversial John Waters embittered the conformism´s dissatisfaction less able to the master's senseless ravishments. Trash par excellence and still not entirely taken by the system –which would be subtlelty accepted from the excellent Cry-Baby (1990) on- Waters does in his second pack of films an extreme acid parody to the Uncle Sam land´s habits, placing family values on check at the microcosm of the quiet Baltimore from the 1970´s.
Female Trouble was the particular screenplay for transvestite Divine -an underestimated actor, histrionic, but of extreme usefulness for the moviemaker´s insane fantasies- whose mission on the flick was to play the suburban psychopath Dawn Davenport since his days of troubled adolescent, until the tragic end delivering to the grids of a maximum security prison. Instead however of perpassing the moralist melodrama, Waters treats his gallery of archetypes from the American underground without the smallest condescension, promoting crude gags, where scatology, bad words, free nakedness and perversions from the most varied forms elapses the argument.
Across the path of the fat Dawn, bizarre kinds appears on the envious neighbour Ida´s style, another magisterial Edith Massey characterization that competes with Divine on extravagant acting. The apparent script inconsequence -written by the own Waters- obeys the format of a square biography, without narrative sophistication or the quite common sitcom pretentious digressions. This aparent linearity puts to into the insane Davenport´s adventures, a kind of surrealism planted at the middle of the suburban cotidian routine, with its lawn mower, blocked backyards and packed beauty parlors with gossipers.
Master of the conciseness, the underground genius gives his message, avoiding to shuffle for boring ellipses or contemplative takes. The Water´s movies are dried, fast, able to an unrestrained dialogues avalanche, a disorder overdose. Compared to the hit Pink Flamingos –released in 1972 and responsible for the myth´s international projection- Female Trouble goes far away in the the great American neurosis exacerbation, with no concessions to any attitude of respect for that society.

Attention!
Earl Peterson, Dawn´s truck driver boyfriend, was also played by Divine with an impressive personality dissociation.

Female Trouble
Direction: John Waters
With: Divine, Edith Massey, David Lochary
Running Time: 89 min.
Media: DVD

Distribution: New Line Cinema

Quality of The Analized Copy: Excellent

Rarity Index: **

La Luna (1979)

2007-03-04T20:00:00.000-03:00

Recôndita paixão

Bertolucci maldito ousou tocar no tema do Incesto com admirável sutileza e magistral interpretação de Jill Clayburgh

A estupidez e o moralismo que hoje crassam até mesmo nas hostes da Psicanálise moderna e seus seguidores manipulados, condenaram a obra-prima La Luna -um Bertolucci pré-comercial rodado antes do estouro de O Último Imperador- ao esquecimento. O filme pertence ao ciclo de dramas interpessoais do mestre italiano, quando a contestação política de fitas como A Estratégia da Aranha deram lugar ao estudo da sexualidade também abordado, por exemplo, em O Último Tango em Paris, outro puxão de tapete na Censura da época.
Aqui, a cantora lírica Caterina Silveri (Jill Clayburgh, vencedora do Globo de Ouro de 1979 pelo papel) mergulha numa crise existencial agravada pelo vício do filho Joe em heroína após enviuvar inesperadamente em Nova York. Determinada a regressar à Itália, onde pretendia voltar a aprofundar-se no Canto, convence Joe a acompanhá-la, mesmo contrariando o garoto. Em Roma, o relacionamento entre mãe e filho aflora em rompantes de paixão reprimida, o que envolverá a descoberta do pai verdadeiro do rapaz e o enfrentamento cada vez mais sério dos conflitos íntimos de Caterina.
Graças à habilidade do fotógrafo Vittorio Storaro em capturar o universo intimista do realizador, La Luna torna-se um filme de poderosos contrastes: em particular, as expressões faciais do par central -mãe e filho- ganham relevo e dramaticidade à luz italiana das paisagens urbanas e campestres de estudado cromatismo. Habitualmente explícito, Bertolucci não usa de meias-tintas para ilustrar a paixão proibida de Caterina e Joe: todo o gestual de carícias, olhares, beijos na boca, masturbação, interfere graficamente sem jamais parecer grosseiro como quis crer a vontade puritana nos idos de 1979. O filme, composto na mesma dinâmica das óperas de Giuseppe Verdi -Il Trovatore, Um Ballo Di Maschera, Rigoletto- que o personagem principal interpreta, só peca por estender-se em demasia, falha atenuada por uma montagem inteligente, de ritmo bem compassado.
Nesse painel de emoções dissimuladas, onde a Lua figura imperativa na abertura e na conclusão, encerra-se o mito materno do entrecho edipiano, a primeira mulher do homem em sua existência, cujas amarras o imberbe Joe reluta em soltar. Dessa polaridade resulta um filme de filigranas surpreendentes e lirismo incontido sob a regência do prodigioso Bertolucci.

Atenção!
Limitado a uma ponta como servente de pedreiro, o comediante Roberto Benigni surge numa seqüência inusitada, de rápido desfecho.

La Luna
Direção: Bernardo Bertolucci
Com: Jill Clayburgh, Matthew Barry, Veronica Lazar
Duração: 142 min.
Meio: VHS
Distribuição: 20th Century Fox
Qualidade da Cópia Analisada: Ruim
Índice de Raridade: *****

Hidden passion

Cursed Bertolucci dared to touch on the Incest theme with admirable subtileness and magisterial Jill Clayburgh playing

The stupidity and the moralism that grow today an the hostes of the modern Psychoanalysis and its manipulated followers, condemned the masterpiece La Luna -a pre-commercial Bertolucci shot before The Last Emperor's blowout- to the oblivion. The movie belongs to the cycle of the Italian master's interpersonal dramas, when the political reply of flicks such as The Spider´s Stratagem gave place to the study of the sexuality also approached, for instance, on The Last Tango In Paris, another cup under those time´s Censorship.
Here, the lyrical singer Caterina Silveri (Jill Clayburgh, 1979 Golden Globe´s winner for the role) dives unto an existential crisis worsened by the son's addiction Joe in heroine after an unexpectedly widowing in New York. Certain to return to Italy, where she intended to go deep on the Chanting again, she convinces Joe to accompany her, even thwarting the boy. In Rome, the relationship between mother and son surfaces in eruptions of repressed passion, which will involve the boy's true father discovery and the more and more serious facing of Caterina´s intimate conflicts.
Thanks to photographer Vittorio Storaro's ability in capturing the director´s inner universe, La Luna becomes a movie of powerful contrasts: in matter, the central pair facial expressions -mother and son- gain relief and dramaticity under the light of the urban and rural Italy landscapes of a studied cromatism. Habitually explicit, Bertolucci doesn't use of stocking-inks to illustrate Caterina and Joe´s forbidden passion: the whole gestual of caresses, glances, kisses in the mouth, masturbation, graphically interferes never looking rude like wanted to believe the puritan will on the ides of 1979. The movie, composed by the same dynamics of Giuseppe Verdi's operas - Il Trovatore, Um Ballo Di Maschera, Rigoletto- that the main character interprets, only sins for extending in excess, a flaw lessened by an intelligent edition, from well paced rhythm.
On this panel of dissembling emotions, where the Moon shows itself imperative in the opening and conclusion, the maternal myth of edipian take keeps up, the man's first woman on his existence, whose ropes the beardless Joe hesitates to lose. From this polarity results a movie of surprising filigrees and unrestricted lyricism under the regency of prodigious Bertolucci.

Attention!
Limited to a cameo like a bricklayer's servant, comedian Roberto Benigni appears on an unusual sequence, of fast issue.

La Luna
Direction: Bernardo Bertolucci
With: Jill Clayburgh, Matthew Barry, Verônica Lazar
Running Time: 142 min.
Media: VHS
Distribution: 20th Century Fox
Quality of the Analyzed Copy: Bad

Rarity Index: *****

Venus In Furs (1967)

2007-02-25T14:36:00.000-03:00

Prazer pela humilhação

Sem decidir-se entre o apelativo e o experimental, filme recriou universo de Sacher-Masoch com o charme psicodélico dos 1960

Mitificado por dezenas de releituras ao longo das décadas, Venus In Furs (1870), romance clássico de Leopold Von Sacher-Masoch, ganhou esta bizarra adaptação americana produzida em 1967 com o aval da Box Office de Nova York. Pontos comuns do filme, elementos como a montagem descontinuada e o desempenho amador do cast arrebanhado no círculo de amigos do diretor Joe Marzano, encarregaram-se de dar à versão o tom de curiosidade cultuada pelos colecionadores do Filme B mais burlesco, por sinal especialidade da distribuidora nos seus profícuos anos de existência.
Marzano preferiu distender o roteiro que tinha em mãos ao limite do Sexploitation rasteiro, embora tolhido pelo moralismo da época: talvez por isso mesmo, seqüências inteiras que obrigassem nudez ou takes “ousados” dos personagens, tenham sido reduzidas a sketches onde “sexo com roupa” impera de ponta a ponta. O filme parte da vidinha quadrada do quarentão David, vendedor de sapataria, em cujas mãos vem parar por acaso um exemplar da obra de Sacher-Masoch. Intrigado pelo texto, ele vê despertar em si os recônditos mais obscuros de sua sexualidade regidos ao sabor da relação “dominador-dominado” e princípio fundamental da doutrina sado-masoquista.
É quando David encontra uma misteriosa mulher da alta-sociedade que após conduzí-lo à sua mansão campestre, apresenta-lhe uma galeria de tipos guiados por hábitos incomuns à norma do sexo. De câmera criativa, Marzano compõem suas cenas na base de um experimentalismo que cheira às toscas montagens teatrais off-Broadway de outrora: estabelecido o set, ao grupo de atores (?) contratado é dada a ordem para improvisar o gestual clássico do Sexploitation, aqui convertido nas lições praticadas pelos pervertidos, entre as quais o intrigante banho de leite mostrado com impressionante realismo.
A progressão da jornada de David pelos subterrâneos que se propõe a percorrer, é habilmente mostrada como divagação onírica onde nexo poucas vezes corresponde à coesão da narrativa convencional; tal aspecto, anos mais tarde, provocaria a admiração dos estudiosos de Cinema convencidos de que o aspecto de “sonho” sugerido pelo filme, teria sido intuito de Marzano. Quem melhor compreende a época, perceberá contudo a sorte do realizador ao lidar com a própria inépcia na montagem, razão de Venus In Furs parecer absurda obra de vanguarda na esteira da Nouvelle-Vague.

Atenção!

Os atores escalados para Venus In Furs podem ser vistos em diversas produções da Box Office também às expensas do produtor Harry Novak.

Venus In Furs
Direção: Joe Marzano
Com: Ellinore, Shep Wild, Pat Barnett
Duração: 65 min.
Meio: DVD
Distribuição: Box Office International Pictures
Qualidade da Cópia Analisada: Boa
Índice de Raridade: ***

Pleasure by humiliation

Not deciding between the exploitation and the experimental, movie recreated Sacher-Masoch´s universe with the 1960´s psych appeal

Mythicized by dozens of reviews along the decades, Venus In Furs (1870), the Leopold Von Sacher-Masoch´s classic novel, received this bizarre American adaptation produced in 1967 with the guarantee from New York´s Box Office. Common points of the movie, elements like the discontinued edition and the cast´s amateur acting herded among the director's Joe Marzano friends circle, took charge of giving to this version, the curiosity tone worshipped by collectors of the more burlesq B-Movie, by the way a specialty along its useful years of existence.
Marzano preferred to distend the screenplay that he had in hands to the limit of the crude Sexploitation, although hindered for the time´s moralism: perhaps for that reason, whole sequences that forced nakedness or “daring” takes from the characters, have been reduced to sketches where “sex with clothes” reigns from one tail to another. The movie starts from the squared forty-year-old David´s routine, a shoe store salesperson, in whose hands falls a copy of the Sacher-Masoch´s work by chance. Bestirred by the text, he sees wake up on himself the most obscure secrets of his sexuality governed to the flavor of the “ruler-dominance” relationship and the sado-masochist's fundamental doctrine principles.
It´s when David finds a mysterious high-society lady that after leading him to her rural mansion, presents a gallery of types guided by uncommon habits to the sex norm. Of creative camera, Marzano composes his scenes over a experimentalism basis that smells to the rough formerly theatrical shows off-Broadway: established the set, to the actors' group (?) contracted is given the order to improvise the classic Sexploitation gestures, here converted into the lessons practiced by the perverts, among the ones the intriguing milk bath depicted with impressive realism.
The progression of David´s journey through undergrounds that he intends to follow, is shown like a dreamlike digression where connection little times corresponds to the conventional narrative cohesion; such aspect, years later, would provoke the Cinema specialists' admiration convinced that the “dream” aspect suggested by the flick, would have been a Marzano´s intention. For those who better understands those times, will notice however the moviemaker´s luck when working with his own uncapacity to the editon, the reason for Venus In Furs having become an absurd work of vanguard on the Nouvelle-Vague´s mat.

Attention!

The actors cast for Venus In Furs are also in several Box Office productions, to the producer Harry Novak´s expenses

Venus In Furs
Direction: Joe Marzano
With: Ellinore, Shep Wild, Pat Barnett
Running Time: 65 min.
Media: DVD
Distribution: Box Office International Pictures
Quality of the Analyzed Copy: Good

Rarity Index: ***

O Comboio do Medo (1977)

2007-02-18T13:45:00.000-03:00

Em nome da ambição

Fracasso astronômico de William Friedkin adaptou O Salário do Medo com muito mais realismo que o original

A sina do remake é permanecer à sombra do original, até que revisionistas arrependidos -um vício dos críticos surgidos após 1983- resolvam fazer justiça anos depois, pesando o valor da pretensa “imitação”. Foi este o caso do excelente O Comboio do Medo, tentativa de William Friedkin repetir o sucesso de O Exorcista, desta vez com adaptação do clássico cinematográfico de Henri-Georges Clouzot. Perfeccionista doentio, o americano aproveitou a linha-mestra do script original para retocar a obra com mais ação e menos profundidade psicológica, aspecto que não prejudica a releitura.
O filme começa desconexo, bastante confuso, expondo os episódios que levam quatro personagens distintos -todos em situações que exigem a fuga imediata dos seus respectivos países- a procurarem refúgio numa empresa petrolífera sul-americana. Lá, num fim-de-mundo de condições sub-humanas, aceitam o desafio de transportar nitroglicerina volátil em dois caminhões caindo aos pedaços por uma selva tropical de relevo traiçoeiro.
Roy Scheider -na pele do ex-gangster Jackie Scanlon- dirige um dos veículos, seguido de perto pelo árabe Kassem. Cada qual é acompanhado por um navegador que também se reveza ao volante. É quando O Comboio do Medo realmente entra nos eixos, deixando para trás um primeiro terço incongruente e desprovido de ritmo. Na jornada do quarteto, a geografia da floresta contribui para o agravamento da situação num cenário assolado por borrascas impiedosas, lama e empecílios de toda sorte.
Obstinados para levar a carga explosiva até seu destino, Scanlon, Victor Manzon, Nilo e Kassem entregam as próprias vidas ao sabor das circunstâncias que mostram-se cada vez mais difíceis. Nesse abismo paradoxal, onde esperança e desalento chocam-se o tempo todo sem possibilidade de retorno, os quatro personagens tem a Natureza como reflexo conturbado dos seus fantasmas interiores, sombras ameaçadoras ampliadas a cada dificuldade surgida.
Que espectadores desavisados não esperem condescendência de Friedkin: avesso aos caminhos hollywoodianos do contentamento, amargo e -tal como em O Exorcista- dado a desfechos perversos, ele providencia um dos mais inusitados finais para a fita. Não à toa, O Comboio do Medo teve desempenho vergonhoso nas bilheterias da época, lançando o próprio nome do realizador ao esquecimento.

Atenção!
Parte do impacto do filme pode ser atribuído à excelente trilha-sonora do grupo alemão Tangerine Dream, uma obra-prima do gênero.

Sorcerer
Direção: William Friedkin
Com: Roy Scheider, Bruno Cremer, Francisco Rabal
Duração: 121 min.
Meio: DVD
Distribuição: Columbia Pictures
Qualidade da Cópia Analisada: Boa
Índice de Raridade: **

Sorcerer (1977)

In the name of ambition

Astronomical William Friedkin´s failure adapted The Wages of the Fear with much more realism than the original

The destiny of remakes is to rest under the originals´ shade, until that regreted revisionists –a critics addiction appeared after 1983- decide to make justice years later, weighing the value of the assumed “imitation”. It was the case of the excellent Sorcerer, an William Friedkin´s attempt to repeat The Exorcist's success, this time with an adaptation of Henri-Georges Clouzot's movie classic. An unhealthy perfectionist, the American took advantage of the original script masterplan to retouch the work with more action and less psychological depth, an aspect that doesn't harm the review.
The movie begins nonsenseless, quite confuse, exposing episodes that take four different characters -all in situations that demand the immediate escape from their respective countries- seeking refuge on a South American oil company. There, in an end-of-world of sub-human conditions, they accept the challenge of transporting volatile nitroglycerine in two trucks falling to pieces into a tropical jungle of treacherous topography.
Roy Scheider –under the skin of the former-gangster Jackie Scanlon- drives one of the vehicles, closely pursuited by the Arabian Kassem. Each one of them is accompanied by a navigator that´s also alternated to the steering wheel. It´s when Sorecerer really enters the tracks, leaving a first incongruous third back, with no rhythm. On the quartet´s journey, the forest geography contributes to the situation´s worsening at a merciless tempests set, assorted by mud and difficulties of every kind.
Obstinate to take the explosive load until its destiny, Scanlon, Victor Manzon, Nilo and Kassem give their own lives to the circumstances trail, more and more difficult. Through this paradoxical abyss, where hope and discouragement are hit all the time without possibility of return, the four characters have Nature as a disturbed reflex over their interior ghosts, lowering shades enlarged to each barrier.
Shall imprudent spectators don't expect for the Friedkin´s condescension: contrary to the hollywoodian ways of satisfaction, bitter and -such as in The Exorcist- given to perverse issues, he provides one of the most unusual ends for the flick. Not by chance, Sorcerer had a shameful performance in the box offices of those times, throwing the own name of the moviemaker into oblivion.

Attention!
Part of the movie´s impact can be attributed to the excellent German band Tangerine Dream´s soundtrack, a masterpiece from the gender.

Sorcerer
Direction: William Friedkin
With: Roy Scheider, Polish Cremer, Francisco Rabal
Running Time: 121 min.
Media: DVD
Distribution: Columbia Pictures
Quality of the Analyzed Copy: Good

Rarity Index: **

La Bimba Di Satana (1980)

2007-02-11T23:27:00.000-03:00

Fantasmas hilariantes

Pastiche apelativo sem a mínima congruência sepultou Horror Italiano de vez, com enredo obtuso e interpretações canhestras

Tradicionalmente respeitável mesmo com a eterna pecha de “macaqueador” dos ingleses e norte-americanos, o Cinema Italiano até a década de 1980 viveu de erros e acertos, do Giallo ao Horror entronizado pelo gênio Mario Bava. Não foi entretanto com tanta inspiração que o oportunista Andrea Bianchi -sob o pseudônimo Alan W. Cools- lançou La Bimba Di Satana em 1980: o filme, de produção indigente e contornos de dramalhão gótico, é uma coleção de chavões ambientados num castelo só enquadrado ao longe, como sinistra mansarda de acontecimentos sobrenaturais.
A fita começa da morte de uma matrona misteriosamente preservada numa espécie de câmara mortuária localizada nos subterrâneos da propriedade. Acontece que o lacaio da família -um sinistro mordomo satanista dedicado a invocar o espírito da patroa- termina contribuindo para a possessão da filha da morta, a tentadora Mariangela Giordano (Myria), que por sua vez “incorpora” o espírito da mãe através de incursões eróticas na calada da noite. Participam do imbroglio, o viúvo e senhor da casa (Aldo Sambrell, canastríssimo), a cunhada freira e um paraplégico -irmão do patriarca- que parece saber mais do que deveria.
Bianchi vai procedendo a um tipo de “body count” extremamente inverossímil, onde os personagens são um a um ceifados sob circunstâncias absurdamente construídas. Ninguém se preocupa em chamar a polícia, ninguém toma qualquer providência concreta, enquanto o indigesto misto de magia negra com kardecismo mal explorado serve de alicerce à seqüência de mortes inexplicadas. Objetos de desejo velado entre o cast masculino, a ninfeta “possuída” e a madura Jacqueline Dupré alternam-se por strips casuais, episódios de masturbação e até um banho desproposital no doente da casa, puro fetichismo barato explorado pela direção.
Tecnicamente paupérrima, a fita aproveita um score de Rock Progressivo sem muita coesão, enquanto o nonsense dá as cartas para mostrar a tragédia no castelo. Já que susto mesmo La Bimba Di Satana não consegue pregar, pinceladas de erotismo restam esparsas para compensar a exibição. Desprovido das características mais eficazes de interesse do Cinema de Terror europeu dos anos 1970, o filme segue claudicante até uma conclusão estapafúrdia. Não à toa, amargou o ostracismo que merecia no próprio nicho do Trash mais desbragado.

Atenção!
La Bimba Di Satana é uma refilmagem de um Nunexploitation mais popular de Biachi, Malabimba, lançado em 1979 com certo sucesso.

La Bimba Di Satana
Direção: Alan W. Cools (Andrea Bianchi)
Com: Jacqueline Dupré, Giancarlo Del Luca, Mariangela Giordano
Duração: 92 min.
Meio: VHS
Distribuição: Inderterminada
Qualidade da Cópia Analisada: Razoável
Índice de Raridade: ***

Hilarious ghosts

Appellative pastiche without the minimum consistency buried the Italian Horror once and for all, with an obtuse plot and disastrous acting

Traditionally respectable even with the eternal mark of English and North American “mimic”, Italian Cinema until the 1980 decade lived from mistakes and successes, from the Giallo to the Horror by genius Mario Bava. Though it was not with so much inspiration that the opportunist Andréa Bianchi -under the pseudonym Alan W. Cools- released La Bimba Di Satana in 1980: the flick from modest production and contours of a Gothic melodrama, is a collection of clichés adapted on a castle only framed at the distance, as a sinister estate for supernatural events.
The movie begins mysteriously from the death of a matron preserved on a kind of mortuary chamber located at property undergrounds. Happens that the family servant –a sinister satanist butler dedicated to invoke the boss' wife spirit –ends contributing to the daughter's of the dead possession, the tempting Mariangela Giordano (Myria), who for his turn “incorporates” the mother's spirit through erotic incursions in the silence of the night. Composing the imbroglio, the house´s widower and gentleman (Aldo Sambrell, overacting), the sister-in-law nun and a paraplegic –the patriarch´s brother- who seems to know more than he would.
Bianchi goes proceeding a kind of "body count” extremely unlikely, where the characters are absurdly harvested one by one under built circumstances. Nobody worries in calling the police, nobody takes any concrete providence, while the indigestible mix of black magic with kardecism badly explored serves as a foundation to the sequence of unexplained deaths. Objects of veiled desire among the masculine cast, the possessed “nymphette” and the mature Jacqueline Dupré alter for casual strips, masturbation episodes and to a desproposital bath in the house´s patient, pure cheap fetishism explored by the direction.
Technically very poor, the movie takes advantage of a Progressive Rock score without much cohesion, while nonsense rules on to show the tragedy at the castle. Since true fright La Bimba Di Satana doesn't get to make, eroticism brushstrokes remain scattered to compensate the exhibition. Unprovided from the most effective characteristics of interest of European Terror Cinema from the 1970 years, the flick crippling follows until a peculiar conclusion. Not at random, embittered the ostracism that it deserved on the own niche of the most unchained Trash.

Attention!
La Bimba Di Satana is a remake of a more popular Nunexploitation by Biachi, Malabimba, released in 1979 with certain success.

La Bimba Di Satana
Direction: Alan W. Cools (Andrea Bianchi)
With: Jacqueline Dupré, Giancarlo Del Luca, Mariangela Giordano
Running Time: 92 min.
Media: VHS
Distribution: Undetermined
Quality of The Analized Copy: Reasonable

Rarity Index: ***

A Anunciação (1984)

2007-02-04T01:37:00.000-03:00

O homem na espiral da existência

Realizador húngaro parte do Genesis para desdobramento histórico/filosófico em torno de cast inteiramente infantil

A palavra que melhor pode expressar A Anunciação com o máximo de fidelidade, é “ousadia”. Para o realizador húngaro András Jeles, debruçado sobre o texto original de Imre Madách, não bastou trabalhar com uma temática por si carregada de componentes teo-filosóficos, arquetipagem mitológica e sintaxe cinematográfica enraizada na dramaturgia. Jeles utilizou-se de um cast formado quase exclusivamente de crianças, para desenvolver o argumento bíblico do surgimento do homem na aurora da Terra.
Adão e Eva (Péter Bocsor/Júlia Mérö) descobrem o fruto proibido e ao receberem a visita do anjo Lúcifer, mergulham em transe, instados a contemplar episódios futuros da História da Humanidade, da Grécia Antiga à Inglaterra assolada pela Peste. São quadros fotografados com extremo rigor, dotados de um proposital senso de sacralização bastante peculiar aos mestres da Renascença, nos quais o elenco declama trechos adaptados por Madách entre coreografias lúdicas e entrechos dramáticos. Ao encadeamento das seqüências, Jeles preferiu imprimir recursos como o suporte cenográfico aberto -todos os planos rodados em externas de ambientação primitivista- dispensando artifícios clássicos da cinematografia mundial.
Que o espectador não espere pudores ou noções hipócritas impostas pela Indústria cinematográfica calcada em grandes bilheterias ou parâmetros moralistas: A Anunciação contém tudo o que incomoda à visão tradicional da pureza infantil, da criança como ser inocente, distante do “pecado”, da violência, da perfídia e da perversão. Todo o elenco de meninos e meninas entre os 8 e 12 anos contracena fielmente atrelado a diálogos “adultos”, eruditos, odes filosóficas de altíssimo nível intelectual onde incesto, traição, ódio, paixão, erotismo, inveja e covardia são representados num todo estético avesso a qualquer convenção cultural que não a fidelidade ao script. Isto quer dizer que sangue, nudez, sexo ou a sugestão deste, perpassam o filme com naturalidade oposta ao que se formalizou até mesmo na Europa ocidental da antiga Cortina de Ferro onde a Hungria esteve politicamente inserida até os idos da Perestroika.
Assistir ao filme, também implica estar culturalmente apto a compreender os acontecimentos ilustrados por András Jeles, já que o encadeamento do enredo está o tempo todo comprometido com o discurso inserido na mobilidade dos personagens centrais a cada episódio: isto quer dizer que recursos ilustrativos/figurativos compõem a tessitura dramática exposta através de componentes que ultrapassam a morfologia de um roteiro habitual. Coexistem aí, cânticos, jograis aleatórios, gestual atípico e vocabulário muito próprio do Teatro Clássico. Alegorias, por sinal, são componentes cênicos utilizados para a construção do imenso flashback empregado por Jeles no encadeamento da fita, uma inesquecível jóia imerecidamente lançada ao esquecimento.

Atenção!
Os enquadramentos da fotografia a quatro mãos de Béla Ferenczy e Sándor Kardos privilegiam supercloses em primeiro plano, para destaque do discursante principal em cena.

Angyali Üdvözlet
Direção: András Jeles
Com: Péter Bocsor, Júlia Mérö, Eszter Gyalog
Duração: 101 min.
Meio: VHS
Distribuição: Award Films
Qualidade da Cópia Analisada: Ruim
Índice de Raridade: *****

The Annunciation (1984)

The man on the existence´s spiral

Hungarian director started from Genesis to historical/philosofical unfolding around an entire infantile cast

The word that best can express The Annunciation with the maximum fidelity, is “daring”. To the Hungarian moviemaker András Jeles, leaned over Imre Madách's original text, was not enough to work with a thematic for itself loaded of teo-philosophical components, mythological archetypal and cinematographic syntax rooted on dramaturgy. Jeles used of a cast formed almost exclusively by children, to develop the biblical argument of the man's appearance at the dawn of Earth.
Adam and Eve (Péter Bocsor/Júlia Mérö) discover the forbidden fruit and when receiving angel Lucifer's visit, dive in trance, urged to contemplate future episodes of the Humanity's History, from the Old Greece to an England grounded by the Plague. They are pictures photographed with extreme rigidity, endowed with a deliberate sense of a quite peculiar sacralization to the Renaissance masters, on which the cast declaims excerpts adapted by Madách between ludic choreographies and dramatic issues. To the linkage of the sequences, Jeles preferred to print resources as the open cenographic support -all the plans shot in externals of primitivist ambience- abandoning classic artifices from the world cinematography.
Should the moviegoer doesn't expect shame or hypocritical notions imposed by the Movies Industry stepped on great box offices or moralist parameters: The Annunciation contains everything that bothers the traditional vision of the infantile purity, of the child being innocent, away from the “sin”, from the violence, from the treachery and perversion. The whole cast of boys and girls between 8 and 12 years old interplays faithfully harnessed to adult “dialogues”, erudite, philosophical odes of high intellectual level where incest, betrayal, hate, passion, eroticism, envy and cowardice are represented on a aesthetic contrary to any cultural convention that not fidelity to the script. This means that blood, nakedness, sex or the suggestion of this, crosses the film naturally opposed to what was formalized even at the Western Europe or the Iron Curtain from where Hungary was politically inserted until the Perestroika ides.
To watch the movies, also implicates to be culturally capable on understanding the events depicted by András Jeles, since the linkage of the plot is all the time committed to the speech inserted on the central characters mobility at each episode: this means that ilustrative/figurative resources composes the dramatic web exposed through components that surpass the morphology of an habitual screenplay. There they all coexist, songs, aleatory jesters, atypical gestual and a very own vocabulary from the Classic Theater. Allegories, by the way, are a scenic component used for the construction of the immense flashback put by Jeles like the movie linkage, an unforgettable jewel undeservedly thrown to the oblivion.

Attention!
The four-handed cinematograph framings by Béla Ferenczy and Sándor Kardos privileges supercloses on first perspective, for the prominence of the main speaker at scene.

Angyali Üdvözlet
Direction: András Jeles
With: Péter Bocsor, Júlia Mérö, Eszter Gyalog
Running Time: 101 min.
Media: VHS
Distribution: Award Films
Quality of the Analyzed Copy: Bad
Rarity Index: *****

Pi (1997)

2007-01-28T00:24:00.000-03:00

Afogado em números

Obra experimental de Darren Aronofsky funde numerais e teorias religiosas no mesmo universo, com roteiro de múltiplas possibilidades

Diametralmente oposto ao Cinema Comercial hollywoodiano das bilheterias astronômicas e manipulação em escala industrial, o underground sobrevive graças a posturas como a da produtora Artisan –ícone dos anos 1990- responsável entre outras façanhas, pelo hit supervalorizado A Bruxa de Blair.
Como nem tudo é perfeito na lógica tortuosa da aceitação pública, Pi não teve a mesma sorte através do estúdio, vindo a tornar-se daquelas gemas perdidas e só redescobertas anos depois, quando o pretenso impacto do lançamento original já se esvaíra por completo. Hermético, acelerado e fruto da estética perfeccionista do desconhecido Darren Aronofsky em parceria com o roteirista Sean Gullete, o filme fotografado em estupendo preto-e-branco segue os passos do operador de bolsa de valores Maximillian Cohen (Gullete), cuja mente é habitada por complicadíssimas equações, logaritmos, seqüências exponenciais e todo o tipo de teoria Matemática expressa em vertiginosos raciocínios. Cohen representa um supercomputador ambulante, que decompõe objetos e a própria Natureza, árvores, automóveis, pessoas, insetos, para descobrir o número-chave responsável pelos padrões da criação universal com o auxílio de um aparato tecnológico criado por ele mesmo num apartamento caindo as pedaços.
Chega o dia em que uma organização financeira de fins escusos decide abordá-lo, em contraposição a um grupo judeu cujo objetivo é, de posse do resultado expresso num complexo algarismo de 216 dígitos, descobrir o verdadeiro nome de Deus. Na cabeça de Max, desenrola-se o caos de precisar conciliar uma misteriosa seqüência, com os objetivos conflitantes dos seus perseguidores. Participam da trama, além das duas organizações inimigas, o mentor de Cohen -matemático aposentado que tenta dissuadir o rapaz da compulsão numérica- e uma vizinha de prédio indiana interessada em ajudá-lo a recuperar a sanidade mental.
Pi foi concebido como uma engenhosa combinação de planos minuciosamente arquitetados para funcionarem como arcabouço imagético da trilha-sonora eletrônica e dos efeitos acústicos inseridos de forma brilhante na metragem. São reverberações, estalidos, silvos, projetados como sombras do subconsciente concreto de Cohen, que encadeados a uma signagem bem própria de elipses, espirais e esboços enquadrados em macro, perfazem o mosaico narrativo da fita. Um presente aos que vêem em Cinema tratado como obra de arte, algo muito a frente do seu tempo.

Atenção!
Por ser múltiplo de 12, o número 216 encerra ligações com elementos que vão de um corpo de júri aos signos do zodíaco.

Pi
Direção: Darren Aronofsky
Com: Sean Gullete, Mark Margolis, Ben Shenkman
Duração: 84 min.
Meio: DVD
Distribuição: Artisan
Qualidade da Cópia Analisada: Excelente
Índice de Raridade: *

Drowned in numbers

Darren Aronofsky experimental work founds numeral and religious theories in the same universe, with a screenplay of multiple possibilities

Diametrically opposite to the holywoodian Commercial Cinema of astronomical box offices and manipulation on a industrial scale, underground survives thanks to postures like the one of Artisan producer -a 1990 years icon- responsible among other feats, for the overrated hit The Blair Witch Project.
As nor everything is perfect by the tortuous public acceptance´s logic, Pi didn't have the same luck through the studio, becoming one of those lost gems only rediscovered years later, when the assumed impact of the original release had already entirely spilled. Hermetic, accelerated and fruit of the unknown Darren Aronofsky´s perfectionist aesthetics in partnership with screenwriter Sean Gullete, the movie photographed in amazing black-and-white follows the steps of the stock exchange operator Maximillian Cohen (Gullete), whose mind is inhabited by complicated equations, logarithms, exponential sequences and all the whole kind of Mathematical theory express in vertiginous reasonings. Cohen represents a walking supercomputer, that decomposes objects and the own Nature, trees, automobiles, people, insects, just to discover the key-number responsible for the universal creation patterns with the aid of a technological apparatus created by him on an apartment falling to pieces.
Then, comes the day when a financial organization of dark ends decides to approach him, in opposition to a Jewish group whose objective is, having the expressed result in a compound cipher of 216 digits, to discover the true name of God. In the Max head, the chaos is uncoiled in need to reconcile a mysterious sequence, with his pursuers' conflicting objectives. Integrating the plot, besides the two enemy organizations, are Cohen´s mentor -the mathematician who tries to discourage him from the numeric compulsion- and an Indian girl neighboor of building, interested in helping him to recover the mental sanity.
Pi was conceived thoroughly like a smart combination of plans built for work as an imagetic support to the electronic soundtrack and inserted acoustic effects by a brilliant way on its running time. There are reverberations, clicks, whistles, projected like shades of Cohen´s concrete subconscious, all chained to a very own ellipses, spirals and framed sketches signage in macro, forming the movie´s narrative mosaic. A present for all who see on Cinema treated like a masterpiece, something very ahead from its time.

Attention!
For being multiple of 12, the number 216 contains connections with elements that goes from a jury to the zodiacal signs.

Pi
Direction: Darren Aronofsky
With: Sean Gullete, Mark Margolis, Ben Shenkman
Running Time: 84 min.
Media: DVD
Distribution: Artisan
Quality of the Analyzed Copy: Excellent

Rarity Index: *

Amor Estranho Amor (1982)

2007-01-21T18:47:00.000-03:00

Inocência até certo ponto

Fábula pornô de Walter Hugo Khoury explorou meandros freudianos com elenco de deusas brasileiras dos anos 1980

Ambicioso ao ponto de buscar uma implausível ligação com a obra mais hermética de Ingmar Bergman na gênese do Cinema cerebral, o cineasta paulista Walter Hugo Khouri realizou uma série de filmes voltados à psique freudiana dos traumas infantis e relações incestuosas. Amor Estranho Amor, momento mais ambicioso do mestre, conta com as participações platinadas de Tarcísio Meira, Mauro Mendonça e um punhado de atrizes estonteantes, entre as quais Vera Fischer literalmente saltava aos olhos.
Foi entretanto graças à participação da animadora de programas infantis Xuxa Meneghel, que a fita caiu em desgraça, maculando a carreira de Khouri sob a acusação do realizador explorar nudez gratuita, sobretudo a do menino de 12 anos que interpreta (?) o personagem Marcelo no papel central. Alter-ego do diretor, Marcelo já era figura recorrente quando Amor Estranho Amor ganhou as telas. Verdade seja dita: nunca no Cinema Brasileiro, pedofilia e incesto caminharam de mãos dadas com tanta liberdade, ao ponto da lapidar seqüência final provocar protestos de falsos moralistas quase duas décadas mais tarde.
No roteiro original, Meira faz o papel de um abastado Governador paulista às vésperas de um golpe político em 1937. Mantenedor de uma nababesca mansão em bairro elegante da capital, promove reuniões regadas a sexo com figurões do poder convidados sob as mais escusas intenções. No comando da casa, a cafetina Laura (Íris Bruzzi) domina um numeroso grupo de mulheres, das quais Fischer é a mais cobiçada, porém “reserva especial” do corrupto. Chega o dia em que o garoto Marcelo, filho dela, é deixado pela avó nos portões do casarão. Recatado como convinha a um menino da época, ele não demora a ser assediado pelas cortesãs do lugar, até ser alojado num sótão de onde passa a espionar os episódios que se desenrolam céleres. O “drama” do garoto começa, quando o Governador chega disposto a homenagear um inimigo político (Mendonça), dando-lhe como prenda a falsa virgem Tamara (Meneghel). Tudo é mostrado em flashback, durante visita de Marcelo muitas décadas depois.
Amparado por uma equipe de mitos da técnica cinematográfica brasileira -o fotógrafo Antonio Meliande por exemplo- Khouri realizou um filme nitidamente oportunista, correspondente intelectualóide ao “Terrir” de Ivan Cardoso, com muita mulher nua e noções edipianas de almanaque.

Atenção!
Xuxa Meneghel, teria ordenado a caça às cópias em VHS, com o intuito de “preservar sua fictícia imagem inocente.”

Amor Estranho Amor
Direção: Walter Hugo Khouri
Com: Vera Fischer, Tarcísio Meira, Mauro Mendonça
Duração: 110 min.
Meio: VHS
Distribuição: Vestron
Qualidade da Cópia Analisada: Razoável
Índice de Raridade: ****

Love Strange Love (1982)

Not so true on innocence

Walter Hugo Khoury´s porn fable explored freudian intrigues with cast of Brazilian goddesses' from the 1980 years

Ambitious to the point of looking for an implausible link with Ingmar Bergman's most hermetic work in the genesis of cerebral Cinema, Walter Hugo Khoury, the film director from São Paulo, accomplished a series of movies turned to the freudian psyche out of infantile traumas and incestuous relationships. Love Strange Love, the master´s most ambitious moment, counts on the platinum actings of Tarcísio Meira, Mauro Mendonça and a handful of stunning actresses, among them Vera Fischer literally inspired looks.
It was although for the participation of the children TV shows entertainer Xuxa Meneghel that the flick fall in misfortune, blemishing Khouri´s career under the accusation of exploring free nakedness, most of all, the one from the 12 year-old boy that plays (?) the character Marcelo at the central role. The director's alter-ego, Marcelo, was already a returning figure when Love Strange Love got to the silver screen. Plain truth: never on the Brazilian Cinema, pedophillia and incest walked hand on hand with so much freedom, to the point of the cutting final sequence provoke the false moralists' protests almost two decades later.
On the original screenplay, Meira plays the character of a wealthy Governor from São Paulo to the vespers of a political coup in 1937. Keeper of a nababesc mansion on an elegant neighborhood from the capital, he promotes meetings hailed to sex with important persons from the elite, invited under the more suspect reasons. At the house´s command, the courtier Laura (Íris Bruzzi) dominates a numerous group of women, from whom Fischer is the more coveted, however like the corrupt´s “special bonus”. Comes the day when the boy Marcelo, son of her, is left by his grandmother at the mansion gates. Reserved like typical from a kid of those times, soon he becomes besieged by the place´s courtiers, until being housed on an attic from where he starts to spy some episodes on the run. The drama of the kid begins, when the Governor arrives willing to honor a political enemy (Mendonça), giving him like a gift, the false virgin Tamara (Meneghel). All is shown in flashback, during a visit from Marcelo many decades later.
Aided by a team of myths from the Brazilian cinematographic technique -cinematographer Antonio Meliande- Khouri made a movie sharply opportunist, an intelectualoid correspondent to Ivan Cardoso's “Terrir” gender, with a lot of nude women and edipian almanac notions.

Attention!
Xuxa Meneghel would have commanded the hunt of the VHS copies, with the intention of “preserving her fictitious innocent” image.

Love Strange Love
Direction: Walter Hugo Khouri
With: Vera Fischer, Tarcísio Meira, Mauro Mendonça
Running Time: 110 min.
Media: VHS
Distribution: Vestron
Quality of the Analyzed Copy: Reasonable

Rarity Index: ****

The Ghastly Ones (1968)

2007-01-14T20:37:00.000-03:00

Festim macabro

Gore primitivista banido na Inglaterra até hoje, plantou semente com o mote “casa habitada por maníacos no meio do mato”

De Wes Craven a George A. Romero, de Stanley Kubrick a Sam Raimi, o Cinema de Horror sempre encontrou no tema das propriedades macabras, um excelente motivo para ambientar carnificinas onde certos aspectos obrigatórios do Gore são ressaltados na busca por bilheterias de respeito. Colocado no rol das fitas pioneiras do gênero, The Ghastly Ones levou a assinatura de Andy Milligan, nome influenciado pela maquiagem grotesca dos antigos “flicks” italianos do mestre Mario Bava, ou seja, caracterizações absurdamente góticas em castelos empoeirados, hóspedes marcados para morrer e todo o imaginário pertinente às “românticas” sessões drive-in.
O que Andy Milligan fez de diferente neste The Ghastly Ones, foi utilizar o “leitmotiv” batido dos herdeiros de mansão afastada -no filme, três casais ambiciosos- cujos destinos cruzam com um insólito trio de empregados dedicados a fazer da prometida estada, um absurdo carrossel de mutilações tratadas com surpreendente realismo por Milligan. O fio condutor da história remete à dupla de interesseiros Hattie e Martha, esta encarregada de chegar ao local para participar da partilha junto às outras duas irmãs gananciosas. Um dos empregados, retardado mental interpretado por Hal Borske, representa o suspeito número um essencial, apresentado numa cena de estripamento animal, quando crava os dentes num coelhinho que fazia o repasto nas cercanias.
Adepto do improviso e paupérrimos enquadramentos responsáveis por closes cansativos na maior parte das seqüências, Andy Milligan transforma The Ghastly Ones num correspondente mais primário ao que Herschell Gordon Lewis produzia com muito mais habilidade. É entretanto graças ao humor-negro infundido nas entrelinhas, que o filme safa-se de uma classificação menos condescendente: o desfecho apressado, sem mais entrechos que confiram inteligência à trama, denunciam a indigência criativa do roteirista, mais preocupado no encadeamento dos sustos pretensos de pouco efeito.
Para complicar, o tom de sub-produção imposto na cola dos “flicks” ancestrais de Roger Corman, só reveste The Ghastly Ones da pátina de curiosidade cafona, talvez o motivo de ter sido considerado “cult” por pesquisadores do gênero. Notável mesmo, só a interpretação da excelente Maggie Rodgers no papel da governanta Hattie, o que ainda conseguiu livrar a fita do completo esquecimento.

Atenção!
Hal Borske, ator predileto de Milligan, chegou a ser queimado de verdade pelo realizador durante as filmagens.

The Ghastly Ones
Direção: Andy Milligan
Com: Veronica Radburn, Hal Borske, Maggie Rogers
Duração: 81 min.
Meio: DVD
Distribuição: Indeterminada
Qualidade da Cópia Analisada: Razoável
Índice de Raridade: ***

Macabre party

Primitive Gore, banished in England ´til these days, planted seed with the motto “desert house for isolated maniacs”

From Wes Craven to George A. Romero, from Stanley Kubrick to Sam Raimi, Horror Cinema always found on the macabre estates theme, an excellent reason to adapt carnages where certain obligatory aspects of Gore are pointed out in search of respectable cash. Placed at the row of the flicks pioneers on the gender, The Ghastly Ones took Andy Milligan's signature, name influenced by the grotesque make-up of master Mario Bava's old Italian flicks, in other words, characterizations absurdly Gothic in powdered castles, guests marked to die and all the imaginary pertinent to “romantic” drive-in sessions.
What Andy Milligan did of different on this The Ghastly Ones, was to use the rusty leitmotiv of heirs' from a far away mansion –in the movie, three ambitious couples- whose destinies cross with an unusual trio of employees dedicated to do frrom the promised stay, an absurdity carrousel of treated mutilations with surprising realism by Milligan. The conductive plot shows the couple of selfishes Hattie and Martha, she, encharged of arriving at the place to participate on the share with two other greedy sisters. One of the employees, a mental interpreted by Hal Borske, represents the essential number one suspect, presented in a scene of animal stripping, when he nails the teeth on a rabbit that made a meal at the outskirts.
Follower of improvising and very poor framing responsible for tiresome closes in most of the sequences, Andy Milligan transforms The Ghastly Ones in a more primary correspondent to those Herschell Gordon Lewis produced with much more ability. Thanks to the black-humor infused by implied sense, the movie escapes from a less condescending classification: the hurried issue, without more tags that could apply more intelligence to the plot, denounce the screenwriter´s creative poverty, more concerned to the linkage of assumed frights with little effect.
To make it worse, the sub-production tone imposed on the Roger Corman's ancestral flicks steps only covers The Ghastly Ones with a layer of tacky curiosity, perhaps the reason for the movie being considered cult by the gender´s researchers. Really noticeable, only the playing of the excellent Maggie Rodgers on the governess Hattie's role, what still got to free the movie from the complete oblivion.

Attention!
Hal Borske, a favorite Milligan´s actor, got to be real burned by the director during the shooting.

The Ghastly Ones
Direction: Andy Milligan
With: Veronica Radburn, Hal Borske, Maggie Rogers
Running Time: 81 min.
Media: DVD
Distribution: Undetermined
Quality of The Analyzed Copy: Reasonable
Rarity Index: ***

Ganja And Hess (1973)

2007-01-07T13:52:00.000-03:00

Sede de sangue

Insólito enredo Blaxploitation ousou recriar versão realista do Vampirismo com nuances até então inéditas para o gênero

As diversas versões de Ganja And Hess que circularam pelo mundo -muitas delas mutiladas por censores nada satisfeitos pelo grau de violência da fita- jamais conseguiram arruinar o status original da obra, dos mais chocantes exemplares da Blaxploitation, embora injustamente colocada naquele nicho de classificação.
Rodado com recursos bem típicos do cinema marginal norte-americano de orçamento apertado e cast recrutado no submundo da dramaturgia negra, o filme antecipou o que o soberbo Fome de Viver –do competente Tony Scott- conseguiu mostrar de forma vistosa quase 10 anos depois: a sede literal por sangue humano como vício dissociado da mitologia eslava do Drácula tradicional de Bram Stoker. O enredo se passa numa mansão afastada, lar do renomado antropologista Hess Green (Duane Jones), que após ser apunhalado com uma adaga enfeitiçada por um pesquisador convidado à casa –o conturbado George Meda- “herda” uma espécie de maldição legada por tribo da civilização de Myrthia, região da Nigéria.
O filme só começa a tomar forma de história de amor de contornos trágicos, quando o personagem da bela Ganja –viúva de Meda- decide unir-se ao Dr. Hess para aquela que será uma espécie de comunhão mortífera justificada pela vício mútuo em hemoglobina. Tosco e reincidente em falhas de montagem claramente resultantes da dilapidação sofrida, Ganja And Hess vai se aproximando do fim com uma série de acontecimentos mórbidos, nos quais o afeto do par central só se fortalece até o desfecho brusco.
Propondo-se a negar todos os conceitos que fariam de exemplares mais burlescos da Blaxploitation de Horror -Blacula por exemplo- simples curiosidade para os pesquisadores do Cinema nos anos 1970, Bill Gunn optou por deixar sua única obra digna de lembrança, com um toque classudo de fábula Noir e sofisticada trilha-sonora. A estaca é trocada pela projeção do sol contra a cruz de madeira, tornando-se a sombra o único meio de deter o casal. Tampouco é economizado o grafismo da violência, quando Hess lambe assoalhos ensangüentados, sorve copos de sangue ou precisa recorrer a inusitados “hemocentros” da metrópole assim que se percebe contaminado.
É o tratamento do vampirismo como doença, que faz de Ganja And Hess um exemplar bem mais interessante que a romantização do vampirismo inadequadamente conferida às criaturas portadoras do mal na literatura da embusteira Anne Rice.

Atenção!
O corte alternativo do filme, intitulado Blood Couple, açucarou ainda mais o romance entre os personagens principais, retirando o apelo “shocker” da matriz.

Ganja And Hess
Direção: Bill Gunn
Com: Duane Jones, Marlene Clark, Bill Gunn
Duração: 78 min.
Meio: VHS
Distribuição: Inderterminada
Qualidade da Cópia Analisada: Péssima
Índice de Raridade: ****

Blood thirst

Unusual Blaxploitation plot dared to create a realistic Vampirism version with inedit subtleties for the gender

The several versions of Ganja And Hess that ran throughout the world -many of them mutilated by censors nothing satisfied by the movie´s violence degreee- never got to ruin the original work status, one of the most shocking Blaxploitation samples, although wrongly placed to that classification draw.
Shot with well typical resources from the North American outside cinema of tight budget and cast recruited around the black underground dramathurgy , the flick anticipated all that the superb The Hunger -by the competent Tony Scott- brought by a luxurious way almost 10 years later: the literal thirst for human blood as an addiction dissociated from the Slavic Bram Stoker´s traditional Dracula mythology. The plot happens on a mansion far away, home of the renowned anthropologist Hess Green (Duane Jones), who after being stabbed with a dagger bewitched by an invited researcher invited to the house –the insane George Meda- “inherits” a kind of curse delegated by a tribe from the Myrthia civilization, a Nigeria area.
The movie only begins to take form of a history of tragic love contours, when the character of beautiful Ganja –the Meda´s widow- decides to join Dr. Hess for the one that will be a kind of deadly communion justified for the mutual addiction to hemoglobin. Rough and recurrent in editing flaws clearly resultants of the suffered dilapidation, Ganja And Hess comes next to its end with a series of morbid events, on which the central pair's affection only strengthens until the abrupt issue.
Intending to deny all concepts that would do of more burlesque samples for the Horror Blaxploitation -Blacula for example- a simple curiosity for the 1970´s Movies researchers, Bill Gunn opted to leave his only work worthy of memory, with a classy touch of fable Noir and sophisticated soundtrack. The stake is changed by the sun projection against the wood cross, becoming the shade, the only way to stop the couple. Either the violence graphism is saved, when Hess whips bloody floors, sips glasses of blood or needs to run over the unusual metropolis “hemocentres” as soon as he notices being polluted.
It´s the treatment of vampirism as a disease, that does a much more interesting sample from Ganja And Hess than the vampirism romantization inadequately given to the creatures bearers of the evil on the fake Anne Rice literature.

Attention!
The alternative film´s cut, entitled Blood Couple, sugared still more the affair between the main characters, removing the “shocker” appeal from the matrix.

Ganja And Hess
Direction: Bill Gunn
With: Duane Jones, Marlene Clark, Bill Gunn
Running Time: 78 min.
Media: VHS
Distribution: Undetermined
Quality of the Analyzed Copy: Bad

Rarity Index: ****

Matango-O Ataque dos Homens-Cogumelo (1963)

2006-12-31T13:36:00.000-03:00

Iguarias da destruição

Toho investiu fundo em aventura absurda sobre tripulação perdida que passa por mutação ao ingerir cogumelos gigantescos

“Fruto” dos mitológicos estúdios Toho quando a indústria cinematográfica nipônica ainda vivia das glórias do excelente Godzilla, Matango (Attack Of The Mushroom People) situa-se no duvidoso território dos “shockers” ambientados em ilhas misteriosas. Com a direção segura do perfeccionista Ishiro Honda, o roteiro adaptado de um conto de William Hope Hodgson explora o entrecho criativo da mutação biológica processada em tripulação perdida. Narrado em flashback da janela de um sanatório em Tóquio, o filme começa com uma expedição naval patrocinada por magnata interessado em desbravar os mares junto a um grupo de amigos aproveitadores. É quando uma tempestade se avizinha, transformando o pacífico cruzeiro num pesadelo que resulta no inevitável cenário do “paraíso que o mundo esqueceu”.
O terror se instala, quando o grupo descobre um velho barco-laboratório encalhado numa das enseadas do lugar, imediatamente transformado em abrigo permanente. A leitura do diário de bordo adverte contra a ingestão dos fungos que desabrocham na ilha, deliciosos, porém donos de propriedade metamórfica responsável pelo sumiço de todo ser humano que ousa conhecer do seu sabor.
Não fosse pelos diálogos excessivos e a preocupação em conferir profundidade psicólogica à interação natural dos personagens -arquétipos das ambições humanas- Honda teria produzido uma fita muito mais atraente. Além dos entreveros de hábito que envolvem uma das mulheres à bordo (a tentadora Mami, interpretada por Kumi Mizuno), conflitos de dominação tornam Matango presa fácil do tédio, com aceleração do ritmo apenas nos minutos finais. Ainda assim, assistido ante a hits do período com a mesma temática, o filme surpreende pela deslumbrante cenografia criada em estúdio e a própria caracterização das criaturas-cogumelo: figurantes trajados de aterradoras indumentárias que surgem da mata para engolfar cada um dos sete sobreviventes.
É exatamente na condução do mistério, que a fita ainda se sustenta: antes do desfecho acachapante, vêem-se homens e mulheres de comportamento banal dobrarem-se ao pavor do desconhecido. A atração pelo deleite experimentado com a deglutição dos fungos –misto de transe sensorial e delírio alucinógeno expresso pelo roteirista muito antes do boom psicodélico na segunda metade dos anos 1960- também dá ao filme um insólito componente de originalidade, talvez responsável por sua aura de “item especial no catálogo da Toho”.

Atenção!
Peter Gabriel na tour do álbum The Lamb Lies Down On Broadway (Genesis), usou traje inspirado em Matango.

Matango
Direção: Ishiro Honda
Com: Akira Kubo, Kumi Mizuno, Kenji Sahara
Duração: 89 min.
Meio: DVD
Distribuição: Toho
Qualidade da Cópia Analisada: Excelente
Índice de Raridade: **

Attack Of The Mushroom People

Destruction delicacies

Toho invested hard on absurd adventure about a lost crew that faces mutation when ingesting huge mushrooms

A “fruit” of the mythological studios Toho when the niponic Movies Industry still lived from the glories of the excellent Godzilla, Matango (Attack Of The Mushroom People) is placed at the doubtful “shockers” territory located on mysterious islands. With the direction hold by perfectionist Ishiro Honda, the adapted screenplay from a story of William Hope Hodgson explores the creative angle of the biological mutation processed upon a lost crew. Narrated in flashback from the window of a sanatorium in Tokyo, the movie begins with a naval expedition sponsored by a rich man interested on taming the seas close to a group of leeching friends. It´s when a storm approaches, transforming the peaceful cruise in a nightmare that results on the inevitable scenery of the “paradise that the world forgot”.
The terror settles in, when the group discovers an old laboratory-ship stagnated at one of the bays from the place, immediately transformed in permanent shelter. The reading of the board diary notices against the ingestion of mushrooms that blossom at the island, delicious, however owners of metamorphic properties responsible for every human being disappearance that dares to know its flavor.
If not for the excessive dialogues and the concern to put psichological depth to the natural characters interaction -archetypes of the human ambitions- Honda would have produced a much more attractive movie. Besides the normal arguments which involve one of the women onboard (the tempting Mami, played by Kumi Mizuno), dominance conflicts easily turns Matango into boreness, with the rhygthm acceleration just by the final minutes. Nevertheless, watched in front of the period´s hits with the same thematic, the movie surprises for the astonishing sets created in studio and the own creature-mushroom characterization: stunts dressed in terrifying costumes that appear from the forest to engulf each one of the seven survivors.
It´s exactly by the mystery conduction, that the flick is still sustained: before the smashing issue, each men and women of banal behaviors are bent to fear the unknown. The attraction for the experienced delight with the fungus ingestion –a mix of sensorial and hallucinogenic delirium expressed by the screenwriter long before the psychedelic boom at the second half of the years 1960- also gives to the movie an unusual originality component, perhaps responsible for its “special item in the catalog of Toho” aura.

Attention!
Vocalist Peter Gabriel in the tour of The Lamb Lies Down On Broadway album, used clothes inspired by the movie for the track The Colony Of Slippermen.

Matango
Direction: Ishiro Honda
With: Akira Kubo, Kumi Mizuno, Kenji Sahara
Running Time: 89 min.
Media: DVD
Distribution: Toho
Quality of the Analyzed Copy: Excellent

Rarity Index: **

Necromania-A Tale Of Weird Love (1971)

2006-12-24T22:17:00.000-03:00

Pornô kitsch em último grau

Pseudônimo de Ed Wood escondeu o derradeiro vexame de uma carreira marcada por sucessivos fracassos

A curiosa história de Necromania, último filme do mitológico Edward D. Wood Jr. –considerado o pior realizador da História do Cinema- revela na realidade o triste desfecho para uma carreira que só seria valorizada graças ao culto obtido pelo cineasta após a redescoberta do “clássico” Plan 9 From Outer Space. Megalomaníaco, excêntrico e até certo ponto pioneiro na arte da auto-promoção, Ed Wood havia desistido de se aventurar pela Terror e pela Ficção-Científica, na época de Necromania-A Tale Of Weird Love, gêneros totalmente em baixa.
Munido do pseudônimo “Don Miller”, contratou um grupo de atores (?) arrebanhados no underground pornográfico angeleno, amealhou o magro orçamento de US$ 7 mil e montou o absurdo script que serve de suporte à péssima produção: um casal atormentado por impotência sexual, hospeda-se num bangalô onde reside uma espécie de feiticeira encarregada de devolver libido a uma clientela de fiéis que lhes acorrem quando o caso parece não ter mais jeito. Desfia-se uma série de seqüências de sexo explícito entre o par e os moradores da casa, até o encontro com a sacerdotisa mantida num bizarro caixão de defunto. Ela, a misteriosa Madam Heles, só aparece no final para solucionar o caso.
Necromania, cujo título nada tem a ver com alguma ciência esotérica responsável por cura de disfunção erétil, não passa de um “porn flick” eivado de defeitos técnicos, peculiaridade comum à obra de Wood: o set limitado por divisórias toscas de papelão pintado, montagem falha, continuidade pior e ainda a presença de um canzarrão empalhado que teima em figurar nas cenas como recurso decorativo de péssimo gosto. Propositalmente explícitas, as tomadas do ato sexual surgem em supercloses incisivos, cansativos, dentro do esperado às produções destinadas ao circuito “triple X” norte-americano do início dos anos 1970.
Desaparecido logo após o obscuro lançamento, o filme teria melhor sorte ao ter as latas resgatadas por dois pesquisadores de Cinema em um depósito de Los Angeles. Sem querer fazer parte do vexame, o próprio cast se encarregaria de manter o nome em sigilo, detalhe posto em destaque logo nos créditos iniciais. Raridade absoluta da cinematografia Trash, Necromania transformou-se em obsessão para os completistas da filmografia de Wood, merecendo acanhada telecinagem em VHS.

Atenção!
Maila Nurmi, a célebre Vampira das produções anteriores de Ed Wood, teria recusado o papel de Madame Heles diante da proposta pornô do filme.

Necromania-A Tale Of Weird Love
Direção: Don Miller (Edward D. Wood Jr.)
Com: Maria Aronoff, René Bond, Ric Lutze
Duração: 54 min.
Meio: VHS
Distribuição: Cinema Classics
Qualidade da Cópia Analisada: Ruim
Índice de Raridade: *****

Porn Kitsch at the last degree

Ed Wood´s pseudonym hid the last shame of a career marked by successive failures

The curious Necromania history, the mythological Edward D. Wood Jr.´s last movie -considered Cinema History´s worst moviemaker- reveals in reality the sad issue for a career that would only be valued thanks to the cult obtained by the film director after rediscovered his “classic” Plan 9 From Outer Space. Megalomaniac, eccentric and even by a certain point pioneer at the art of the self-promotion, Ed Wood had given up on venturing for the Terror and Science-Fiction, at the time of Necromania-Tale Of Weird Love, genders totally in low.
Armed from the pseudonym “Don Miller”, he hired a group of actors (?) herd at the angelen porn underground, bargained the thin budget of US$ 7 thousand and settled the absurd script that serves of support to the terrible production: a tormented couple by sexual impotence, stays at a bungalow where resides a kind of witch entrusted of returning libido to a clientele of followers that assist them when the case seems to have no solution. A series of sequences of explicit sex is unraveled between the pair and the house residents, until the encounter with the priestess maintained inside a bizarre coffin. Her, the mysterious Madam Heles, only appears at the end to solve the case.
Necromania, whose title nothing has to do with some esoteric science responsible for heal erectile dysfunction, is nothing more than a “porn flick” rich of technical defects, a peculiarity common to Wood's work: the set limited by rough divisories of painted cardboard, bad edition, worse continuity and yet the presence of a huge hound stuffed with straw that insists on representing at the set an ornamental resource of terrible taste. Propositally explicit, the sexual act shots appear on incisive supercloses, boring, logical to the expected on the productions destined to the “Triple X” north-american movie circuit from the beginning of the 1970 years.
Soon vanished after an obscure release, the movie would have better luck when having the cans rescued by two Cinema researchers at a Los Angeles warehouse. Not intending to make part from the shame, the own cast would take charge of maintaining its name in secret, a detail put at advance among the initial credits. An absolute Trash´s filmography rarity, Necromania became an obsession for the completists of Wood's collection, deserving a shy transfer to the VHS.

Attention!
Maila Nurmi, the celebrated Vampira from the previous Ed Wood´s productions, refused Madame Heles's role before the porn movie proposal to the film.

Necromania-A Tale Of Weird Love
Direction: Don Miller (Edward D. Wood Jr.)
With: Maria Aronoff, René Bond, Ric Lutze
Running Time: 54 min.
Media: VHS
Distribution: Cinema Classics
Quality of the Analyzed Copy: Bad

Rarity Index: *****

Il Mulino Delle Donne Di Pietra (1960)

2006-12-17T22:27:00.000-03:00

Estatuaria do horror

Gótico italiano em estado de graça resultou numa obra-prima imerecidamente esquecida entre dezenas de embustes do gênero

Cinéfilos que conhecem a filmografia de Roger Corman e Mario Bava, com seus cenários “fakes” de inspiração medieva e interpretações ridiculamente histriônicas, encontrarão no raro Il Mulino Delle Donne Di Pietra diversos pontos em comum. No que pesem os já citados elementos plásticos indissociáveis do chamado Cinema B de Terror, Il Mulino... (intitulado Mill Of The Stone Women nos Esetados Unidos) ultrapassou em muito os desgastados parâmetros daquele tipo de filme, partindo da própria concepção do roteiro adaptado de um original holandês.
Num vilarejo próximo a Amsterdam, o escritor Hans Von Arnam tem a missão de contar a história do misterioso escultor Gregorius Wahl, que administra um bizarro teatro de estátuas baseadas em crimes bárbaros. Autorizado a cumprir um rígido horário nas dependências da casa, Von Arnam trava contato com a filha do mestre, uma morena curvilínea subitamente apaixonada pelo rapaz e decidida a conquistar seu amor a qualquer preço. Com o desenrolar da fita, o Professor Wahl -auxiliado por um médico de traços psicóticos (Wolfgang Preiss, no papel do Dr. Loren Bolem)- revelará seu segredo macabro, que envolve a própria manufatura das peças e a condição da misteriosa dama.
Dirigido pelo italiano Giorgio Ferroni, Il Mulino Delle Donne Di Pietra, mesmo padecendo da falta de ritmo em determinados trechos do roteiro, mantém o espectador preso por um fio de interesse ante as circunstâncias insólitas que apresenta: em termos de originalidade, talvez seja uma das poucas ocasiões nas quais o cientificismo do Frankenstein de Mary Shelley adequou-se convenientemente à proposta de clássicos da importância de O Gabinete das Figuras de Cera. Antes contudo de parecer batida, a conjunção dos temas aqui funcionou admiravelmente equilibrada, optando-se pelo desprezo ao Gore mais óbvio. Ferroni preferiu dar à produção um clima sinistro de conto medieval, auxiliado por uma esplêndida fotografia a cargo do genial Pier Ludovico Pavoni: particularmente intrigante, é o interior do moinho onde Wahl mantém seu misto de laboratório e ateliê de escultura. Com engenhoso procedimento dinâmico, as câmeras que retratam a atmosfera do lugar passam de um cenário a outro, revelando os meandros da mente insana do escultor.
Inexpressivo mesmo, é o personagem central interpretado por Pierre Brice. Envolvido pelo ardil da bela Scilla Gabel -a filha doente do Professor- só consegue desvendar a trama nos momentos finais do filme, trazendo por conseqüência um desfecho repetido inúmeras vezes noutras obras. Restaurado para gáudio dos amantes do Cinema Gótico Italiano, Il Mulino Delle Donne Di Pietra não obteve nem sombra da mesma popularidade que outros exemplares rodados posteriormente, mas ganhou o respeito dos conhecedores de Cinema de Horror europeu como deve ser: livre das formulaicas amarras hollywoodianas para ganhar dinheiro.

Atenção!
As cópias distribuídas nos cinemas norte-americanos incluíam a comentada seqüência de alucinação do personagem Von Arnam, para “facilitar” a compreensão daquele público.

Il Mulino Delle Donne Di Pietra
Direção: Giorgio Ferroni
Com: Pierre Brice, Dany Carrel, Scilla Gabel
Duração: 94 min.
Meio: DVD
Distribuição: Mondo Macabro
Qualidade da Cópia Analisada: Boa
Índice de Raridade: ***

Statuary of terror

State of the art Italian Goth resulted on a masterpiece undeservedly forgotten among dozens of hoaxes from the gender

Moviegoers that know Roger Corman and Mario Bava´s filmography, with their fake sets of medieval inspiration and ridiculously histrionic playings, will find at the rare Il Mulino Delle Donne Di Pietra several points in common. On what concerns to the already mentioned plastic elements, unbound from the so called Horror B Movies, Il Mulino... (entitled Mill Of The Stone Women in the USA) surpassed in many aspects the parameters of that kind of movie, starting from the own adapted screenplay conception of a Dutch original.
At a villa close to Amsterdam, writer Hans Von Arnam has the mission to counting the mysterious sculptor's Gregorius Wahl history, who administers a bizarre theater of statues based on barbaric crimes. Authorized to accomplish a rigid schedule at the house dependences, Von Arnam meets the master's daughter, a curvilinear brunette all of a sudden impassioned by the boy and decided to conquer his love at any price. With the movie´s uncoiling, Professor Wahl -aided by a doctor of psychotic lines (Wolfgang Preiss, in the paper of Dr. Loren Bolem) - will reveal his macabre secret, that involves the own pieces manufacture and the mysterious lady's condition.
Directed by the Italian Giorgio Ferroni, Il Mulino Delle Donne Di Pietra, even suffering of rhythm lack on certain spots of the screenplay, maintains the moviegoer arrested by a thread of interest in the face of the unusual circumstances that it presents: in originality terms, perhaps it´s one of the few occasions on which the cientificism of Mary Shelley's Frankenstein was adapted conveniently to a classic of the importance of The Cabinet Of The Waxworks proposal. Before however of seeming faded, here the conjunction of those themes worked admirably balanced, choosing to dispose the most obvious Gore. Ferroni preferred to give the production a sinister atmosphere of medieval story, aided by a splendid cinematography under the responsibility of the brilliant Pier Ludovico Pavoni: particularly intriguing, is the interior of the mill where Wahl maintains his mix of laboratory and sculpture room. With ingenious dynamic procedure, the cameras that portray the place´s atmosphere pass from a set to the other, revealing the intrigues of the sculptor's insane mind.
Inexpressive for sure, is the central character played by Pierre Brice. Involved by the artifice of the beautiful Scilla Gabel -the sick Professor´s daughter- he only gets to unmask the plot at the movie´s final moments, bringing as consequence an issue countless times repeated in other works. Restored for the Italian Gothic Movies lover satisfaction, Il Mulino Delle Donne Di Pietra didn't obtain nor a shade of the same popularity that other samples later released, but it won the European Horror Movies experts respect as it should be: free from the formulaic hollywoodian ties just to get money.

Attention!
The copies distributed at the american movie theaters included the hyped sequence of Von Arnam´s character hallucination, “to make easy” the audience comprehension.

Il Mulino Delle Donne Di Pietra
Direction: Giorgio Ferroni
With: Pierre Brice, Dany Carrel, Scilla Gabel
Running Time: 94 min.
Media: DVD
Distribution: Mondo Macabro
Quality of the Analyzed Copy: Good

Rarity Index: ***

Johnny Vai à Guerra (1971)

2006-12-10T19:38:00.000-03:00

Civismo manchado de sangue

Roteiro magistral de Dalton Trumbo ilustrou o maior libelo contra a Guerra já filmado na História do Cinema

Inesquecíveis obras-primas da importância de Apocalypse Now e Tora! Tora! Tora! celebrizaram-se por manifestar o caos da Guerra, acima de qualquer lógica compreensível. Ao contrário porém de encaminhar o roteiro de Johnny Vai à Guerra pelos caminhos da narrativa ambientada no conflito -onde campanhas militares são o cenário utilizado como recurso motor- Dalton Trumbo contrariou as “regras” e fez do seu único filme a mais original e contundente denúncia acerca do horror pessoal de um só personagem, centro absoluto da tragédia.
Rodado em colorido e preto-e-branco (o primeiro usado como suporte a memórias/devaneios alucinatórios), o filme ilustra a agonia do soldado Joe Bonham (Timothy Bottoms), que teve pernas, braços e parte do rosto arrancados por explosão de morteiro na I Guerra Mundial. Isolado como caso de “vergonha” para o Exército Americano e colocado num quartinho improvisado de um hospital militar, ele recebe a visita periódica de uma junta especial, assistido por médicos e oficiais que guardam o terrível segredo. Ali, entre cavalares injeções de sedativos, memórias, alucinações, paulatinamente dá-se conta da situação em que se encontra, tendo como única companhia uma enfermeira verdadeiramente solidária ao seu sofrimento.
Trumbo, de admirável habilidade na hora de afastar o filme de qualquer conotação comercial, contrapôs de forma perfeita as doces recordações do personagem, ao terrível cotidiano que fez-lhe prisioneiro do próprio corpo físico. Eis a missão de Johnny Vai à Guerra: tocar pelo relato cruel, despido de qualquer hipocrisia. Não se vale o filme do denuncismo imbecilizante semeado a partir da década de 1990, montado sobre o cunho moralista das “descobertas” corretivas fomentadas pela paranóia belicista herdada após a eclosão da Guerra Fria.
Contracenam nesse universo de figuras reais e imaginárias, o núcleo familiar do soldado, a namorada de adolescência, os companheiros de batalhão e a figura do Cristo, representado por um extraordinário Donald Sutherland no campo de batalha. Através de recorrente “off” do personagem central, impossibilitado da articulação fonética por um anteparo têxtil afixado ao rosto, o espectador percorre seu angustiante calvário em busca do desligamento final que jamais se aproxima. Uma lição absoluta de Cinema produzido com inteligência e genialidade, imerecidamente lançado ao esquecimento pela própria Indústria Hollywoodiana de suspeito patriotismo.

Atenção!
Johnny Vai à Guerra seria redescoberto pela geração dos anos 1980, graças ao tributo da banda de Rock Metallica através da faixa One.

Johnny Got His Gun
Direção: Dalton Trumbo
Com: Timothy Bottoms, Jason Robards, Donald Sutherland
Duração: 111 min.
Meio: DVD
Distribuição:
Qualidade da Cópia Analisada: Excelente
Índice de Raridade: *

Blood stained civism

Magisterial Dalton Trumbo´s screenplay depicted the biggest protest against War already filmed in Movies History

Unforgettable masterpieces with the importance of Apocalypse Now and Tora! Tora! Tora! became famous for manifesting the chaos of War, above any comprehensible logic. However, instead of directing Johnny Got His Gun´s screenplay by the roads of the narrative adapted on the conflict -where military campaings are the scenery used like a motor resource- Dalton Trumbo thwarted the “rules” and did of his only movie the most original and contusing accusation concerning to the personal horror of only one character, the tragedy´s absolute center.
Shot in color and black and white (the first used as support to hallucinatory memories/dreams), the film illustrates soldier Joe's (Timothy Bottoms) agony, who had legs, arms and a piece of the face thrashed by a mortar explosion on the I World War. Isolated as a case of “shame” for the American Army and placed at an improvised room of a military hospital, he receives the periodic visit of a special committee, attended by doctors and officials that keep the terrible secret. There, among horsy sedative injections, memoirs, hallucinations, gradually he fells upon the situation on which he is, having as the only company a nurse truly solidary to his suffering.
Trumbo, of admirable ability when the subject is moving away the film from any commercial connotation, opposed in a perfect way the character's sweet memories, to the terrible routine which made him a prisoner of his own physical body. Here is Johnny Got His Gun´s mission: to touch for the cruel report, naked of any hypocrisy. The movie doesn´t use of the imbecilizing denuncism sowed by the starting of the 1990´s decade, assembled over the moralist stamp of correcting “discoveries” fomented by the warlike paranoia inherited after the Cold War appearance.
Playing at this universe of real and imaginary illustrations, the soldier's family nucleus, the adolescence girlfriend, the battalion companions and the figure of Christ, represented by an extraordinary Donald Sutherland on the battlefield. Through the central character's appealing “off”, unable of the phonetic articulation for a textile screen fixed to his face, the movigoer walks upon a distressing calvary in search of a final rupture that never approaches. An absolute Cinema lesson produced with intelligence and a brilliant idea, undeservingly released to the forgetfulness by the own Hollywood Industry of a suspect patriotism.

Attention!
Johnny Got His Gun would be rediscovered by 1980 years generation, thanks to the tribute of Rock band Metallica through the song One.

Johnny Got His Gun
Direction: Dalton Trumbo
With: Timothy Bottoms, Jason Robards, Donald Sutherland
Running Time: 111 min.
Media: DVD
Distribution: undertermine
Quality of the Analyzed Copy: Excellent

Rarity Index: *

O Golem (1920)

2006-12-03T00:34:00.000-03:00

Do barro ao Cinema

Precursor das “fitas de monstros” é obra-prima que sedimentou as futuras referências do gênero com maestria

Colocado junto aos clássicos do Expressionismo Alemão que fizeram história (M e O Gabinete do Dr. Caligari entre eles), O Golem terminou injustamente ofuscado por obras do mesmo período, transformando-se numa espécie de relíquia cobiçada por colecionadores e estudiosos de Cinema. Comparado aos seus conterporâneos, contudo, eleva-se ao patamar das fitas que fundaram um gênero específico, a exemplo do Nascimento de Uma Nação –de W. D. Griffith- ou do Exorcista de William Friedkin.
Curioso notar que o roteiro concebido por Carl Boese e Paul Wegener tem uma abordagem incisiva sobre o eterno embate Cristianismo x Judaísmo em plena Tchecoslováquia medieval; é na capital de Praga, que o misterioso Rabi Loew (Albert Steinrück) molda na argila uma criatura mostruosa trazida à vida por sortilégio satanista. Loew, respeitado na comunidade judaica da cidade como portador de poderes sobrenaturais, tem por finalidade vingar seu povo contra o opressor cristão simbolizado por um rei tirano. Entra na história o mensageiro do monarca, que não demora a se enamorar da filha do Rabi, , despertando a ira de um dos seus pupilos. Movido por uma Estrela de Davi afixada no peito e que funciona como uma espécie de “bateria”, o Golem não demora a pôr em pânico Praga e adjacências, depois de apresentado à corte cristã. O filme toma outro rumo quando o colóquio do Cavaleiro Florian com a bela Miriam é descoberto pelo invejoso servo, indo o Golem cumprir sua sina de destruição conforme vaticínio da magia empregada por Loew.
Assistir a O Golem, é compreender a interessantíssima sintaxe do Cinema Mudo, quando histrionismo e planos de câmera fixa –porém compostos com esplêndida fotografia- precisavam obedecer a um roteiro de extremo rigor para transmitir a mensagem desejada. Algumas seqüências do filme, em particular, revelam o preciosismo da direção a quatro mãos de Boese/Wegener: megalomaníacos, ambos foram absolutamente ousados ao empregar multidões de figurantes e efeitos visuais inovadores para a época. Num deles, quando o Rabi apresenta a história dos judeus a um jocoso Imperador Luhois, abre-se uma gigantesca fusão inserida nos próprios fotogramas da película, requinte artesanal que já garante o lugar do filme na eternidade da Sétima Arte.

Com seu final imprevisto e surpreendente –o verdadeiro toque de mestre no roteiro- O Golem ainda emociona e entusiasma. Prova da genialidade germânica nos primórdios do Cinema.

Atenção!
Há um Golem anterior, também alemão e lançado em 1914, cuja cópia seria encontrada com apenas poucos minutos da metragem original.

Der Golem
Direção: Carl Boese e Paul Wegener
Com: Paul Wegener, Albert Steinrück, Lyda Salmonova
Duração: 85 min.
Meio: DVD
Distribuição: Indeterminada
Qualidade da Cópia Analisada: Razoável
Índice de Raridade: **

From the mud to Cinema

“Monster movies” founder is a masterpiece that sedimented future references for the gender with mastery

Placed along with the classics of the German Expressionism that made history (M and The Cabinet of Dr. Caligari among them), The Golem finished wrongly been dazzled by works from the same period, turning into a kind of relic coveted by collectors and Cinema students. Compared to its conterporaries, however, it rises to the landing of the movies that founded a specific gender, having as samples The Birth Of A Nation –by W. D. Griffith - or William Friedkin's The Exorcist.
Odd to notice that the screenplay written by Carl Boese and Paul Wegener has an incisive approach on the eternal collision Christianity x Judaism at the middle of the medieval Czechoslovakia; it´s on the capital of Prague, that the mysterious Rabi Loew (Albert Steinrück) molds on the clay a monster creature brought to life by a satanic spell. Loew, respected by the citie´s Jewish community as bearer of supernatural powers, has for purpose to avenge his people against the Christian oppressor symbolized by a tyrant king. Enters the history the monarch's messenger, that doesn't delay falling in love with the Rabbi´s daughter, waking up the anger of one of his pupils. Moved by a Davi Star fixed over his chest that works like a kind of “battery”, The Golem soon puts into panic Prague and its neighborhood, after having been presented to the Christian court. The movie takes another direction when Knight Florian's colloquy with the beautiful Miriam is discovered by the envious servant, going Golem to accomplish his destruction fate like said the magic prediction of the magic used by Loew.
To watch The Golem, is to understand the interesting Silent Movies syntax, when histrionismo and fasten camera shots -however composed with a splendid cinematography- needed to obey an screenplay of extreme rigidity to transmit the wanted message. Some sequences of the movie, by the way, reveal the preciosity of the Boese/Wegener four handed direction: megalomaniac, both of them were quite daring when using stunt crowds and innovative visual effects for the time. In one of them, when the Rabbi presents the Jews history to a humorous Emperor Luhois, there opens up a gigantic coalition inserted at the own film frames, a handmade refinement that already guarantees the place of the film for the Seventh Art´s eternity.

With its unexpected and surprising end –true master touch on the screenplay- The Golem still moves and shivers. A testimony of the Germanic genious on the Cinema origins.

Attention!
There is a previous Golem, also German and released in 1914, whose copy would be found with just few minutes from the original length.

Der Golem
Direction: Carl Boese and Paul Wegener
With: Paul Wegener, Albert Steinrück, Lyda Salmonova
Running Time: 85 min.
Media: DVD
Distribution: Undetermined
Quality of the Analyzed Copy: Reasonable

Rarity Index: **

Alucarda (1975)

2006-11-26T22:12:00.000-03:00

O mal em nome de mulher

Caso de possessão na Igreja Espanhola foi tratado com criatividade pelo mexicano Juan López Moctezuma em filme subestimado

Ao dar “pano para manga” de dezenas de produções que o imitaram desde o lançamento de 1973, O Exorcista também gerou congêneres em países como o México. Exemplo foi rodado pelo obscuro cineasta Juan Luís Moctezuma em 1975. Interessado em cruzar elementos medievos já tentados por Ken Russell na obra-prima The Devils e toques “nun-exploitation” derivados do Cinema Italiano dos anos 1970, Moctezuma fez de Alucarda uma experiência no mínimo insólita para o amante do Horror mais original.
A trama se divide entre o controverso noviciado da órfã Justine e uma noviça misteriosa que passa a influenciá-la por meio de artificios do Satanismo –a Alucarda do título (Tina Romero). Da amizade ingênua apregoada como ardil para conquistar a nova companheira, Alucarda passa a empreender um acirrado jogo de sedução onde elementos do misticismo cigano logo revelam-se porta para uma sociedade pagã, praticante de ritos satânicos ante os olhos atemorizados das religiosas que habitam o convento da região.
Na tentativa de manter os personagens centrais presos a um fulcro mais sério que os habituais chavões do Cinema de Terror tradicional, Moctezuma exagera, utilizando iconografia bem mais ligada ao imagético do italiano Mario Bava; este aspecto contribui para que Alucarda ao menos escape do desgastado modelo de Gore apregoado por realizadores menos habilidosos. É salutar, entretanto, perceber no filme um certo nível de liberalismo intimamente ligado à natureza dos europeus que sempre andaram em sintonia com os delírios de Luís Buñuel e Alexandro Jodorowski, ou seja, nudez, sangue, bestialismo e ousadas alegorias góticas –teoricamente ofensivas ante os olhos puritanos- completamente à mostra.
Isto faz de seqüências como a da iniciação de Justine, um momento especial na fita, para ser guardado na galeria do Horror Europeu mais expressivo: Lúcifer apresenta-se como um bode monstruoso, através do qual a imagem do cigano corcunda surge em lampejos que têm a ver com o dilema da nova presa. Alucarda, por sua vez, transpira tentação: é o símbolo da fragilidade feminina usada como sortilégio para atrair novas vítimas ao culto diabólico. Os modestos recursos da produção, não evitaram que Moctezuma fizesse do filme um engenhoso mostruário da hipocrisia humana convertido em cenários e figurinos bastante originais. Foi este o diferencial de qualidade do filme, cuja repercussão só seria sentida quase 30 anos mais tarde.

Atenção!
Os hábitos das religiosas –andrajos a lembrarem a estética das múmias egípcias- têm a função de reforçar o clima opressor do convento mostrado.

Alucarda
Direção: Juan López Moctezuma
Com: Tina Romero, Claudio Brook, Susana Kamini
Duração: 85 min.
Meio: DVD
Distribuição: Yuma Films
Qualidade da Cópia Analisada: Razoável
Índice de Raridade: ***

The evil by a woman´s name

Case of possession on the Spanish Church was treated with creativity by Mexican Juan López Moctezuma in a underrated movie

When rendering dozens of productions which imitated it since its 1973 release, The Exorcist also generated congeners in countries like Mexico. A sample was shot by the obscure film director Juan Luís Moctezuma in 1975. Interested in crossing medieval elements once tried by Ken Russell on the masterpiece The Devils and “nun-exploitation” hints from the Italian 1970´s Movies, Moctezuma did of Alucarda an experience at least unusual for the lover of the most original Horror.
The plot is divided between the controversial novitiate of orphan Justine and a mysterious novice that starts to influence her through Satanism artifices -the title´s Alucarda (Tina Romero). From the naive friendship divulged as artifice to conquer her new companion, Alucarda starts to undertake an intransigent seduction game where elements of the gypsy mysticism soon are revealed like a door for a pagan society, apprentice of satanic rites in face of the frightened eyes of the nuns that inhabit the area´s convent.
Trying to maintain the central characters arrested to a more serious fulcrum than the habitual clichés of the traditional Horror Cinema, Moctezuma exaggerates, using an iconography much more linked to the Italian Mario Bava´s imagetic; this aspect contributes so, that Alucarda at least escape from the Gore's consumed model divulged by less skilled realizadores. It´s salutary, however, to notice intimately on the film a certain level of liberalism linked to the nature of the Europeans that always walked in syntony with Luís Buñuel and Alexandro Jodorowski deliriums, in other words, nakedness, blood, bestialism and daring Gothic allegories -theoretically offensive at the face of puritan eyes - completely right to the face.
This does of sequences like the one of the Justine´s initiation, a special moment in the movie, to be kept at the gallery of the more expressive European Horror: Lucifer comes like a monstrous male goat, through which the humped gypsy's image appears in flashes that have to do with the new prey dilemma. Alucarda, by her turn, transpires temptation: she is the symbol of the feminine fragility used as spell to attract new victims to the diabolical cult. The modest production resources, didn't avoid Moctezuma to produce an ingenious showroom of the human hypocrisy turned into sceneries and costumes pretty original. That was the film´s quality diferencial which hype would only be known almost 30 years later.

Attention!
The nuns habits -rags reminding the Egyptian mummies aesthetics- has the function of reinforcing the oppressing atmosphere shown at the convent.

Alucarda
Direction: Juan López Moctezuma
With: Tina Romero, Claudio Brook, Susana Kamini
Running Time: 80 min.
Media: DVD
Distribution: Yuma Films
Quality of The Analized Copy: Good

Rarity Index: ***